Sorties gratuites à Lagny-sur-Marne et alentour

Vanities Gallery est heureuse de recevoir Reiner Heidorn « La Sêve du Silence »
----------------------------

Exposition solo de Reiner Heidorn du 11 novembre au 9 décembre 2026_
Vanities Gallery, 17 rue Biscornet 75012 Paris_
Vernissage : mercredi 11 novembre à partir de 18h30_

Sept ans après Le Rêve du microscopique, présenté rue Popincourt au printemps 2019, Vanities Gallery accueille à nouveau le peintre bavarois Reiner Heidorn. Entre-temps, l’œuvre a changé d’échelle et de nature. Les paysages mentaux d’hier, sans arbre, sans ciel ni horizon, ont lâché leurs derniers points d’appui. La plante, la cellule, l’eau douce ne sont plus des motifs : ils sont devenus des forces. Ce qui reste, c’est le vert, et il occupe toute la toile.

Heidorn appelle sa méthode Dissolutio, « disparition ». Le mot dit tout de son projet : effacer la frontière entre l’homme et la nature, et effacer aussi celle qui sépare le peintre de sa peinture. Autodidacte, il travaille dans une ancienne halle d’usine près de Munich. Il pose les couleurs directement sur la toile, verse l’huile et l’essence, et laisse le temps faire son œuvre. Il ne corrige pas les bulles, les cratères et les coulures que produit la matière, il les garde. Il peint de mémoire, sans modèle ni photographie, même quand il s’attaque aux formes les plus précises de la biologie : neurones, mitoses, hydres. Des milliers de touches minuscules, une sorte de pointillisme microscopique, finissent par former de vastes champs de couleur où l’œil se perd comme dans une forêt après la pluie.

Le vert n’est pas ici un fond, c’est un sujet. L’historienne de l’art Sonja Lechner rapproche cette obsession du « vert sacré » de Hölderlin, ce vert originel d’où tout procède et où tout retourne. Chez Heidorn, il passe par toutes ses nuances : vert d’eau stagnante, vert de mousse et de roseau, vert presque noir des sous-bois, vert traversé de bleus et d’ocres. C’est la couleur de la chlorophylle, de la photosynthèse, du premier geste du vivant. C’est aussi la couleur qui nous manquera le plus.

Car cette peinture n’est pas décorative. Les titres récents le disent sans détour : Steppefire, Autumn fire, Fruit of wrath, A clear message. Le feu s’approche des prairies, la colère gagne les vergers. Heidorn assume une position nette contre la croissance sans limite et l’épuisement des ressources. Pourtant il ne fait pas de sermon. Ses toiles cherchent l’apaisement, une forme de repos psychique, et rappellent doucement que l’individu n’est qu’une part infime d’un tout qui le dépasse. L’ego du peintre s’efface, et celui du spectateur aussi.

En 2019, nous nous demandions si les âmes qui affleuraient dans ses toiles n’étaient pas Gaïa elle-même, nous invitant à prendre soin de la planète. En 2026, la question a pris une autre gravité. Face à ces grandes surfaces vertes qui semblent respirer, on ne contemple plus la nature de l’extérieur : on se tient à l’intérieur, comme dans une sève qui circule. Il reste à savoir combien de temps elle circulera encore.

Depuis son premier passage à Paris, Reiner Heidorn a exposé en Europe, en Amérique du Nord et en Asie : le Jardin botanique de Munich lui a consacré une grande exposition personnelle, il a participé au Giudecca Art District pendant la Biennale d’architecture de Venise et il a été montré à New York, Taipei et Vienne. La Sève du silence présente un ensemble d’huiles récentes, dont plusieurs grands formats, qui témoignent de ce passage décisif vers l’abstraction.

Commissaires d'exposition : Line Gigs & Fanny Testas - Cycle Amitiés Amours Affinités - 2026 S'Engager
-------------

Vernissage le mardi 22 septembre 2026 de 18h à 21h

Exposition du mercredi 23 septembre au samedi 12 décembre 2026

Commissaires en résidence : Line Gigs & Fanny Testas
Artistes présentées : Irene Abello, Dominique Mathieu, Joshua Merchan Rodriguez, Shivay la Multiple, Marine Prunier, Rozy Tergemina Sapelkine, Annie Sprinkle et Beth Stephens
Résidence de création numérique : H·Alix Sanyas
Dispositif scénographique : Dominique Mathieu
Graphisme : Studio Kiösk

S’engager déplace la notion d’affinité ailleurs. Il s’agit de montrer les attachements matériels, vivants et non humains qui composent nos existences. La question n’est pas de « célébrer le vivant » mais de travailler les relations invisibles et asymétriques qui composent nos vies.

Les artistes réuni·e·x·s dans cette exposition travaillent à rebours d’un imaginaire moderne qui réduit le monde à un ensemble de ressources disponibles. Iels aiguisent notre attention à la vitalité des êtres, des matières et des dispositifs qui nous entourent.

Les œuvres dessinent ces attachements, elles défont l’évidence des partages entre sujet et objet, sans personnifier les non-humain·e·x·s ni effacer les rapports de pouvoir qui structurent ces relations.

Retrouvez dans le hall de la bibliothèque Sainte-Geneviève cette nouvelle exposition qui dévoile, à travers une centaine d’ouvrages et d'archives, l’histoire des dons et du précieux enrichissement… Héritière des collections de l’abbaye du même nom, qui portent l’empreinte de grands dons et sont préservées au profit de la Nation par la Révolution française, la bibliothèque Sainte-Geneviève voit son rôle conforté par l’attribution du Dépôt légal imprimeur en 1828 puis l’installation en 1851 dans l’écrin construit sur mesure par Henri Labrouste. Les administrateurs et conservateurs vont alors affirmer une politique ambitieuse et cohérente d’enrichissement des fonds ainsi rassemblés.

Parallèlement aux achats courants et entrées institutionnelles que sont les souscriptions et autres échanges, les dons occupent une place essentielle, ensembles conséquents constitués au fil des ans par des collectionneurs, savants ou professionnels de l’édition mais aussi quelques livres offerts par des lecteurs modestes qui souhaitent rendre à la bibliothèque ce qu’elle leur a donné : l’accès le plus large possible à une collection encyclopédique et universelle. Ce sont cette dynamique, toujours à l’œuvre, et ces relations privilégiées avec un lectorat pluriel que vous invite à découvrir l’exposition d’une centaine d’ouvrages, objets et pièces d’archives.

Entrée gratuite (https://affluences.com/fr/sites/bsg/reservation?type=5434 "Ouverture dans un nouvel onglet") aux horaires de la bibliothèque Sainte-Geneviève.

La Cité internationale des arts présente l'installation « p. 39 » de Nina Wakeford, du 20 octobre au 16 décembre 2026 dans la Vitrine. Nina Wakeford utilise la performance, l’installation et l’image en mouvement pour aborder les combats non résolus des mouvements sociaux du passé, ainsi que les défis déclenchés par leur réactivation. Son inspiration lui vient d’archives historiques, mais aussi de ses amies, de ses amantes et de leurs obsessions.

Dans ce projet, son point de départ a été le décès d’une amie, Anna Livia Brawn, et un livre oublié. Anna avait traduit en anglais un roman de 1930 écrit par une autrice parisienne ouvertement lesbienne, Lucie Delarus-Mardrus. Dans ce roman, le personnage principal vit à la fois en tant qu’homme et femme. L’autrice y intègre des caricatures de « célébrités » lesbiennes bourgeoises, dont certaines étaient connues pour partager des moments intimes lors de leurs promenades à cheval dans le Bois de Boulogne. Pourtant, l’autrice est morte presque sans le sou, après s’être aliénée sa famille et ses amis en refusant de mettre fin à sa relation avec une chanteuse de music-hall à l’accent « parigot » de la classe ouvrière et au « langage vulgaire ». Après avoir enfin déniché une première édition du roman à la Librairie Vignes à Paris, Nina a eu le sentiment de renouer avec Anna.

En réponse aux enjeux de réinterpréter et de raconter des moments de rencontres furtives entre femmes et dans un élan bibliophile, Nina met en relation un assemblage de matériaux récemment collectés, chantés, parlés, mis en scène.

Nina Wakeford (Royaume-Uni) est en résidence par le biais du programme 2–12

Site du Marais → Vitrine
Cité internationale des arts

Une exposition originale sur les scientifiques face à la crise environnementale Recherche et crise environnementale font-elles bon ménage ? Des paroles de scientifiques qui ne sont pas toujours d’accord, recueillies par la designeuse Lou-Andreas Étienne et illustrées par l’illustratrice Camille Debard.

La Saison Cabaret initiée et soutenue par le ministère de la Culture s’inscrit pleinement dans la dynamique de renforcement de la visibilité et de la connaissance de ce secteur impulsée en 2025 dans le cadre du Plan cabaret. Elle se déploie en fédérant des acteurs culturels publics et privés à travers
diverses manifestations du 18 septembre au 18 décembre 2026 dans l’ensemble du territoire métropolitain et en Martinique, Guadeloupe et Guyane.
L’objectif de la Saison Cabaret est avant tout de visibiliser les cabarets et leurs multiples projets mais également de montrer sa richesse et sa diversité, ainsi que de développer un regard sur ses évolutions et son histoire à travers une programmation diverse, ouverte et conviviale portée par de très nombreuses structures culturelles. Les fils rouges de la Saison Cabaret sont : le cancan, les créatures / personnages de cabaret, les ambassadeurs et ambassadrices de la Saison Cabaret. Ils prennent appui sur les fondamentaux du Plan Cabaret porté par le ministère de la Culture s’articulant autour des enjeux de soutien à la création, de valorisation du patrimoine et de renforcement de la connaissance du cabaret dans ses multiples formes.
Dans le cadre de la Saison Cabaret, l’exposition photographique Cabaret(s) – Histoire d’une transmission vivante propose un parcours entre archives et créations contemporaines, entre mémoire et regard d’aujourd’hui, pour raconter un art en perpétuelle évolution. Des grandes revues aux scènes actuelles, elle explore ce
qui se transmet — gestes, savoir-faire, spectacles, personnages et imaginaires — et la manière dont chaque génération s’en empare pour faire vivre, transformer et réinventer le cabaret à travers les territoires.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art. Commissaire invité : Guillaume Logé
Artistes présentés : André Bauchant, Guillaume Barth, Pierre Bonnard, École française du XVIIIe siècle (suiveur de François Boucher), Miguel Branco, Raoul Dufy, Max Ernst, Joaquim Vicens Gironella, Antoine Grumbach, Eikoh Hosoe, Evi Keller, Fernand Léger, André Masson, Léo Orta, Hans Reichel, Marcelle Thirache, Maria Helena Vieira da Silva, Yang Jiechang, Antonella Zazzera, Lin Zhipeng (aka n°223), Art Africain, Art Pre-Khmer...

La galerie est heureuse de présenter l'exposition Jardin d'amour_ dont le titre s'inspire de l'ouvrage de Guillaume Logé, à paraître le 23 septembre 2026, et dont le commissariat est confié à son auteur. L'ADN de la galerie, depuis plus de cent ans désormais, s'inscrit naturellement dans cette thématique ; en témoigne son engagement à l’égard d’artistes habités, dans leur quête créatrice, par des valeurs universalistes, sociétales, environnementales, humanistes. Des artistes œuvrant avec les forces naturelles, intégrant à la fois l’humain, l’histoire, la mémoire, le fil des saisons, l'immémorial et le temps présent... Cette exposition, des Arts Premiers à nos jours, offre un dialogue entre les œuvres et les époques autour de la nature et de l'amour.

Et si l’amour devait se réinventer en s’ouvrant à la nature ? Déclin du couple traditionnel, éclatement des genres, omniprésence du numérique : les relations amoureuses traversent une période de profondes transformations. En parallèle, comme nous le rappellent les événements climatiques et la prise de conscience écologique, la nature s’impose au cœur de nos existences. Ce double mouvement fait émerger les fondements d’une mythologie amoureuse à la fois nouvelle et très ancienne. À rebours du désenchantement contemporain, Jardin d’amour_ explore une hypothèse simple et audacieuse : la complétude des relations amoureuses exige d’aller au-delà du face-à-face humain en accueillant la nature comme un partenaire à part entière. La figure de l’Homo sapiens (ce soi-disant Homme qui sait, ce sage doué de raison) s’efface au profit de ce que l’auteur dénomme l’Homo amorosus (Homme enclin à ou porté par l’amour). De l’Éros grec aux cosmogonies égyptiennes, olmèques ou indiennes, des chefs-d’œuvre anciens aux créations les plus contemporaines, Guillaume Logé explore les cultures et les époques.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

William Wegman, William Wegman, Portraiture William Wegman, William Wegman, Portraiture
-----------------------------------------------------

La prochaine exposition de William Wegman à la galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois s’articulera autour de la figure du chien Flo, la dernière muse de l’artiste. Depuis plus de cinquante ans, Wegman a choisi ses braques de Weimar comme source première de ses photographies.
Dans cette série récente, les tirages de l’artiste prennent des dimensions inhabituelles, comme des portraits anciens de membres de la famille : ce sont les photos publiées dans un article du New York Times, où Flo apparaît parée des atours d’un ou d’une ancêtre respectable, avec le charme suranné de photographies de familles posées.
Parallèlement, des photos pop, lisses, brillantes, évoquent la photo de mode et l’esthétique de la haute couture. Flo y apparaît toujours en majesté, dernière-née d’une longue lignée de modèles canins qui rendent un hommage moqueur aux pratiques du portrait, de la photo professionnelle, de la mode et de la communication.
Cette exposition se déroule dans le cadre du festival PhotoSaintGermain. Organisé au cœur de Paris, dans le quartier emblématique de Saint‐Germain‐des‐Prés, PhotoSaintGermain est un festival annuel destiné à promouvoir la création photographique.
PhotoSaintGermain offre un parcours gratuit et libre d’accès d’expositions dans une sélection de musées, centres culturels, galeries et librairies de la rive gauche. Ce parcours met en lumière une programmation pointue et éclectique conçue par les galeries associées, ainsi que plusieurs expositions originales et projets inédits imaginés et produits par le festival.

Noémie Ninot, 22 Loggerstraat, Zaandam Noémie Ninot, 22 Loggerstraat, Zaandam_

« Lors d’une grossesse, l’échange cellulaire entre la mère et l’enfant est réciproque : les cellules du fœtus migrent vers les organes maternels et y demeurent toute la vie. Ce phénomène, appelé le chimérisme cellulaire, inspire le projet photographique 22 Loggerstraat, Zaandam, qui explore les liens entre trois générations de femmes. Les images, prises chez ma grand-mère aux Pays-Bas, rejouent notre quotidien à travers des masques hyperréalistes moulés à partir de nos visages. En écho au chimérisme, nous y échangeons nos visages : je deviens ma mère, ma mère devient ma grand-mère, ma grand-mère devient moi et ainsi de suite. Une circulation qui questionne comment nous portons en nous l’autre, comment on peut déjouer l’identité en tant qu’unique et ce qu’il se passe lorsqu’on devient celles que l’on a observées toute notre vie. Les images prennent la forme de saynètes inspirées de la peinture de genre hollandaise, où la banalité du quotidien, la répétition des gestes et l’ordre des objets structurent l’espace. Le projet met ainsi en lumière une transmission silencieuse de la condition féminine, inscrite dans les rituels et les gestes ordinaires. La présence de mon grand-père apparaît un an plus tard dans la série. Souvent isolée, sa présence introduit une forme d’incongruité et amorce une réflexion sur la place du masculin dans cette circulation des identités. » -Noémie Ninot
Cette exposition se déroule dans le cadre du festival PhotoSaintGermain. Organisé au cœur de Paris, dans le quartier emblématique de Saint‐Germain‐des‐Prés, PhotoSaintGermain est un festival annuel destiné à promouvoir la création photographique.
PhotoSaintGermain offre un parcours gratuit et libre d’accès d’expositions dans une sélection de musées, centres culturels, galeries et librairies de la rive gauche. Ce parcours met en lumière une programmation pointue et éclectique conçue par les galeries associées, ainsi que plusieurs expositions originales et projets inédits imaginés et produits par le festival.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art. « Derrière la Porte » marque la quatrième exposition personnelle de l’artiste Florence Paradeis à la Galerie In situ – fabienne leclerc. À cette occasion, elle présente de nouvelles œuvres photographiques qui mettent au jour les phénomènes invisibles qui régissent nos intérieurs. Saisissant l’ordinaire avec une certaine brutalité, elle révèle les tensions qui façonnent notre rapport à l’intime.

Chaque photographie est conçue comme une saynète dans laquelle Florence Paradeis agence, principalement à huis clos, ses modèles ou des objets selon des configurations d’un ordinaire suspect. Derrière l’apparente banalité des situations cristallisées par l’image se glissent des indices qui laissent planer, en creux, un malaise. Entre mise en scène du quotidien et assemblage de fragments absurdes qui composent la réalité, son travail dévoile lors de sa lecture, les dessous de l’image.

Ses photographies mettent en scène des objets de la vie quotidienne poussés à l’entropie, qui se détruisent discrètement et s’agencent pour souligner certains dysfonctionnements et fragilités. Cristallisant des idéaux de vie domestique, ces objets suscitent chez l’artiste une forme de dérision. Le triptyque Chalet déconstruit pas à pas la maquette d’un chalet idéal. Conçu comme un jouet pour enfant, il apparaît disloqué dans une première image, puis son rez-de chaussée disparaît, pour ne laisser place qu’à la toiture, vidée de toute sa splendeur. S’ouvre alors une véritable poésie du vide.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

Après une première exposition en 2024, le Réseau LUX propose pour la deuxième fois, à l'occasion du Bicentenaire de la Photographie une exposition collective réunissant ses 33 festivals et foires de… 200LUX Expo

Du 19 septembre au 19 décembre 2026, et après une 1ère édition en 2024 dans un ancien centre de tri postal parisien, LUX réunit l'ensemble de ses 33 membres autour d'une exposition collective témoignant de la richesse de la création photographique contemporaine.

Avec 200 LUX l'Exposition 2, le réseau imagine une exposition polyphonique (expositions, projections, projets spécifiques) fondée sur la coopération et l'expérimentation, accompagnée de rencontres, d'ateliers et d'événements ouverts à toutes et à tous.

200 Lux

à l'occasion du Bicentenaire de la Photographie, le Réseau LUX rend hommage à deux siècles d'innovation et de création photographique en proposant au grand public un projet articulé autour de 3 axes pensés pour être accessibles à toutes et tous sur l'ensemble du territoire.

- Dictionnaire (Presque) Complet de la Photographie - Un objet éditorial qui retrace 200 ans d'histoire de la photographie à travers les yeux des membres du réseau.
- 200LUX Expo – Une exposition collective de l'ensemble des membres du Réseau LUX à la MAC, Maison des Arts de Créteil, scène nationale (94).
- Lux Tour – Un tour de France en caravane, laboratoire argentique, mobile pour faire vivre une expérience artistique, participative et immersive.

Le Réseau LUX

Le Réseau LUX est le réseau national des festivals et foires de photographie. Il rassemble des structures engagées sur tout le territoire autour d’une ambition commune : faire vivre la photographie au plus près des publics.

À travers ses actions, le Réseau LUX œuvre à sensibiliser à la photographie sous toutes ses formes, soutenir la création et celles et ceux qui la portent, et développer la visibilité ainsi que le rayonnement des 33 festivals et foires qui composent le réseau.

Présentée du 16 octobre au 20 décembre à Quai de la Photo, l’exposition Teenage Dream rassemble une sélection de photographies anonymes exposées dans l’ensemble du centre d’art sous de multiples formats.

A l'occasion du Bicentenaire de la Photographie, les Archives de Paris proposent une exposition présentant les différents usages des photographies (XIXe-XXIe siècles) qu'elles conservent. Dans les dossiers d'archives publiques, elles apportent preuve, témoignage et cohabitent avec des documents papier. Elles peuvent encore provenir de fonds photographiques d'origine privée, produites dans un but documentaire, touristique ou artistique. Cette exposition présentée dans le hall des Archives montre une trentaine de documents originaux accompagnés de panneaux explicatifs.
Pendant les Journées européennes du patrimoine (19-20 septembre) des visites commentées de l'exposition seront proposées aux visiteurs.
Une sélection de documents présentés dans l'exposition sera également accessible sur le site Internet des Archives de Paris sous la forme d'une exposition virtuelle, à partir de janvier 2027.

« Lancel, Toujours » - 150 Ans D'Histoire à Porté de Main. Une exposition anniversaire, comme un voyage dans le temps. Une Exposition Comme un Voyage Dans le Temps

Radio Bambino, sacs à malice, parapluie, Ninon, Charlie, étuis à cigarettes, malle Aviona des premières soutes d’avion, valises nylon des voyages plus courts et légers…, en 150 années, les jolies choses de Lancel sont bien plus qu’une formidable collection française. Elles sont les témoins de notre grande Histoire, dévoilés pour la première fois avec « Lancel, Toujours » , une exposition anniversaire présentée du 4 juin au 23 décembre 2026, au 8 place de l’Opéra, dans la boutique historique de la Maison.

Ouverte à tous, l’exposition invite le visiteur-voyageur dans une véritable odyssée débutée au bas du grand escalier devenu machine à remonter le temps. Une passionnante échappée débouchant sur l’atelier originel des fondateurs, puis un cabinet de curiosités où chaque objet, véritable Madeleine de Proust, nous catapulte dans l’histoire de nos voyages devenue celle de nos vies.

Pierre et Gilles célèbrent 50 ans de collaboration artistique avec « rose pour toi, rose pour moi », une exposition d’une vingtaine de portraits réalisés ces deux dernières années. À cette occasion… Rencontrés en 1976, le photographe Pierre Commoy et le peintre Gilles Blanchard forment un couple dans la vie comme dans l’art. Ils inventent très vite un langage artistique commun, unique en son genre : la photographie et la peinture fusionnent sur une même toile, créant des portraits symboliques et idéalisés. Ce geste de peinture, qui confère aux images éclat et couleurs saturées à la façon des toutes premières retouches photographiques où la couleur était appliquée à la main, fait de chaque portrait une pièce unique. Chaque œuvre naît d’une longue mise en scène ; décors, costumes, accessoires et lumières sont conçus et fabriqués à la main dans l’atelier des artistes en région parisienne. Le studio devient ainsi théâtre où le décor porte l’histoire de son modèle, parfois célèbre, souvent anonyme ou proche des artistes, mais toujours sublimé.

Avec « rose pour toi, rose pour moi », Pierre et Gilles poursuivent leur exploration de la fabrication des icônes contemporaines. Figures sacrées, stars, créatures pop, personnages de fiction ou proches des artistes se rencontrent dans un univers où le réel bascule vers le rêve.

« L’objectif de Pierre et Gilles n’est pas d’imposer une vision étroite des choses, mais d’interroger la société à partir des fantasmes qui y circulent. Leur travail se fonde sur la réalité, mais il l’approche par le rêve, dont Freud disait qu’il procède par condensation et par déplacement – la photographie, avec eux, devient un processus psychique \[1\]. »

Stylistes, DJs, acteurs, drag queens, mannequins et amis des artistes y côtoient les figures de l’iconographie du sacré, de l’imagerie marine, de l’onirisme, du baroque. L’exposition rend visible toute l’étendue de leur univers, de la dévotion populaire à la pop culture, où le public pourra découvrir des œuvres inédites telles que Lady Macbeth (Camille Cottin), 2026, Maria Magdalena (Lolly Wish), 2026, L’Étoile noire (Ebony Osaz), 2026, Saint Carlo Acutis (Martin Tournebize), 2026 ou encore Vive moi – Hommage à Renaud (Renan Prevot), 2025.

La monographie publiée aux éditions Insight réunit pour la première fois les oeuvres de Pierre et Gilles selon une classification thématique. Introduit par un texte de Laura-Ève Lambert, chaque ensemble est enrichi d’écrits de personnalités comme Edouard Louis, Sylvie Vartan, ou encore Amanda Lear, ainsi que d’anecdotes de celles et ceux qui sont passées devant leur objectif.

Retracez l'histoire de la ville de Bussy, du petit village de 500 habitants, à la ville nouvelle que nous connaissons aujourd’hui.

La galerie frank elbaz est heureuse de présenter la première exposition personnelle en France de l’artiste japonaise Kunié Sugiura, sous le commissariat de Ryo Sawayama. Curatée par le critique d’art japonais Ryo Sawayama, l’exposition Ubiquitous Conjunction réunira des œuvres majeures couvrant plus de six décennies de la pratique de Sugiura, de ses premières expérimentations à ses productions les plus récentes. Un essai consacré au travail de l’artiste sera également publié à l’occasion de l’exposition.

Née au Japon, Sugiura s’installe aux États-Unis en 1963 pour étudier à la School of the Art Institute of Chicago, où elle découvre pour la première fois la photographie en tant que médium et commence à développer sa pratique artistique. Après l’obtention de son diplôme, elle s’établit à New York en 1967, où elle vit et travaille depuis. En 2025, le Sfmoma lui a consacré la première grande rétrospective de son œuvre aux États-Unis, retraçant plus de soixante années de création artistique.

À travers la photographie, la peinture et la sculpture, Sugiura n’a cessé de repousser les limites du médium photographique. Sa pratique crée des rapprochements inattendus entre l’image et l’objet, la surface et la matière, la mémoire et la perception, réunissant au sein d’un langage visuel singulier des temporalités et des formes hétérogènes.

Par ses expérimentations en chambre noire, le montage, la solarisation et les photogrammes, Sugiura prolonge l’héritage expérimental des débuts de la photographie tout en anticipant l’élargissement du champ de la pratique photographique contemporaine. Son œuvre occupe une position singulière entre l’avant-garde historique et l’art contemporain, révélant la photographie à la fois comme un processus matériel et comme un espace conceptuel.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

S'orienter- Travailler- Créer son activité - se reconvertir- se former- s'informer sur le droit du travail. En accès libre, anonyme et gratuit. Conseils, ateliers, documentation. \> Ouvert du mardi au vendredi de 10h à 18h
\> En accès libre, anonyme et gratuit.
\> Offre sur place et à distance.
Conseils individuels, ateliers collectifs et ressources documentaires pour : Choisir son orientation | Travailler, s'informer sur les métiers et l'emploi | Evoluer, se former, se reconvertir | Créer son activité | S'informer sur ses droits.
Entretiens personnalisés anonymes | Documentation en libre service à consulter ou à emprunter pour les abonnés de la bibliothèque des sciences et de l'industrie (abonnement gratuit) | Ateliers collectifs, clubs, événements (forum de l'alternance, rencontres-débats...).

La revue Cahiers d’Art, fondée en 1926, est étroitement liée à l’œuvre de Pablo Picasso, à laquelle elle consacre, jusqu’à la fin des années 1950, plusieurs dizaines d’articles. Sous l’impulsion de son fondateur, Christian Zervos, Cahiers d’Art joue un rôle crucial dans la diffusion de l’œuvre de l’artiste, qu’elle associe à celle de ses contemporains, à des œuvres archaïques et extra-européennes ou à des vues d’architectures modernes.

L’exposition collective Aux frontières de l’Imaginaire réunit sept artistes contemporains autour d’un même thème : la faune et la flore. Sous le commissariat de Marie Deparis-Yafil, installations,… 14 Octobre 2026 - 9 Janvier 202

tom Lellouche I Marguerite LI-Garrigue I Chris Morin-Eitner I Neoconsortium I Shivay la Multiple I Manon Touhami I Alexis Tricoire

Commissariat I Marie Deparis-Yafil

L’exposition collective Aux Frontières de l’Imaginaire, réunissant sept artistes contemporains, investit le Pavillon Vendôme de Clichy du 14 octobre 2026 au 9 janvier 2027.

Sous le commissariat de Marie Deparis-Yafil, un parcours d’installations, photographies, dessins, fresque, sculptures et peintures s’est dessiné sous le thème de la faune et la flore. L'exposition invite à un parcours, à un voyage, à la rencontre d'univers dans lesquels la nature se fait onirique, fantastique.


Shuvay ; Crédits : ©Shivay La Multiple

Pensée pour tous les publics, l’exposition Aux frontières de l’Imaginaire_ propose une expérience accessible et sensible, où chacun peut découvrir les œuvres à son rythme et laisser libre cours à sa propre interprétation. Petits et grands sont invités à observer, questionner et imaginer, à travers un parcours qui réinvente notre regard sur la nature.

À propos des artistes

7 artistes pour 7 univers explorant chacun à leur manière une nature réinventée,

- Marguerite Li-Garrigue développe des univers oniriques peuplés de créatures en mutation, où la métamorphose des insectes occupe une place centrale.
- Alexis Tricoire, designer végétal, propose un changement de perspective sur la nature qui interroge notre capacité à nous adapter au changement climatique.
- Tom Lellouche crée des sculptures interactives mêlant organique et nouvelles technologies, invitant le visiteur à réfléchir à son rapport au vivant.

- NeoConsortium, multinationale fictive imaginée par des artistes, designers et ingénieurs, présente son Laboratoire d’Agroesthétique, prolongeant sa réflexion entre fiction, art et industrie.

- Manon Touhami explore, à travers une peinture symbolique et onirique, les liens entre l’humain, la nature et les transformations intérieures.

- Chris Morin Eitner compose des photographies et tissus imprimés où végétation, animaux et architecture dialoguent, offrant une vision poétique d’une nature qui reprend ses droits.

- Shivay la Multiple mêle mémoire, métamorphose et lumière dans une œuvre contemporaine où broderies de sequins et fleurs en verre évoquent les paysages, les corps et les transformations, inspirés des grands fleuves du monde.

Autour de l'exposition

Toutes les activités de la programmation se déroulent au Pavillon Vendôme, 2 rue du guichet 92110 Clichy. Elles sont gratuites, sur inscription à l’accueil du Pavillon Vendôme, par téléphone au 01 47 15 31 61 ou par mail [pavillon.vendome@ville-clichy.fr](mailto:pavillon.vendome@ville-clichy.fr). Les enfants de -15 ans doivent être accompagnés par un adulte.

- Samedi 17 octobre à 10h et 14h
Visite guidée de l’exposition par le chargé de médiation culturelle
Durée : 2 heures
Âge : à partir de 6 ans
- Mercredi 28 octobre à 14h30
Atelier « Mon Jardin Imaginaire » avec Manon Touhami
Imagine ton propre paysage végétal imaginaire comme reflet de ton monde intérieur (dessin, collage, peinture).
Durée : 2 heuresÂge : à partir de 6 ans
- Mercredi 4 novembre à 14h30
Créer une plante imaginaire avec Manon Touhami
Dans cet atelier, invente une plante fantastique sur papier (feutres, crayons, encres).
Durée : 2 heuresÂge : à partir de 6 ans
- Samedi 7 novembre à 14h30
Visite guidée de l’exposition Aux Frontières de l’Imaginaire
Durée : 1 heure
Âge : à partir de 8 ans
- Samedi 21 novembre à 10h
Visite guidée de l’exposition par la commissaire d'exposition Marie Deparis-Yafil
Durée : 2 heures
Âge : à partir de 8 ans

16h00 - 17h30
Performance : visite guidée d’une multinationale…

Le Musée des Arts et Métiers accueille sur son parvis du 17 décembre 2025 au 10 janvier 2027 le cheval métallique Zeus, œuvre monumentale qui a marqué les esprits lors de la cérémonie d’ouverture… Après sa traversée de la Seine sur un trimaran lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques et sa pérégrination dans des lieux emblématiques comme Versailles, le Mont Saint-Michel ou le Mucem, Zeus s'installe sur le parvis du MuAM et s'offre à tous jusqu'en janvier 2027.

Sous l'impulsion du metteur en scène Thomas Jolly, imaginé et réalisé par (https://bl-am.fr/fr/accueil/), Zeus_ est bien plus qu’une sculpture : c’est un manifeste de l’excellence française, un symbole de maîtrise technique et de poésie mécanique.

Laissez-vous émerveiller par cette prouesse artistique, devenue symbole de beauté, d'ingéniosité et d’innovation.

- Du mercredi 17 décembre 2025 au dimanche 10 janvier 2027
- En accès libre, sur le parvis du musée

Figure emblématique de la Factory d’Andy Warhol, Gerard Malanga fut l’un des témoins privilégiés de la scène artistique new-yorkaise des années 1960/1970, dont il a photographié les figures, les… Cette exposition est aussi l’histoire d’une fidélité et d’une amitié entre Gerard Malanga et agnès b. En 2004, plusieurs tirages de l’artiste étaient déjà présentés à la Galerie du Jour dans le cadre de l’exposition collective Bande à Part, consacrée à cette constellation d’artistes et de personnalités qui ont façonné la scène underground new-yorkaise. Plus de vingt ans après, son regard revient à la galerie, comme une mémoire vivante de cette époque, toujours aussi libre et intime.

Né dans le Bronx en 1943, Gerard Malanga rencontre Andy Warhol en 1963, à l’âge de vingt ans, grâce au poète Charles Henri Ford. Il rejoint alors la Factory et devient rapidement l’un des personnages centraux de cette aventure artistique hors normes. Son parcours traverse la musique, la poésie, le cinéma, la performance et la photographie, abolissant les frontières entre les disciplines.

Au fil de ses rencontres, Malanga photographie celles et ceux qui incarnent cette époque : Andy Warhol, William S. Burroughs, Mick Jagger, Iggy Pop, Dennis Hopper, Lou Reed, Patti Smith, Robert Mapplethorpe, Candy Darling et bien d’autres. Ses photographies ne cherchent pas à fabriquer des icônes. Elles semblent au contraire les rapprocher de nous, saisissant les artistes dans des moments de présence, de complicité, de solitude ou d’abandon.

C’est peut-être là que réside la force particulière de son œuvre. Derrière les figures devenues mythiques, Malanga révèle des personnes des amis, des compagnons de route, des êtres rencontrés au détour d’une soirée, d’un concert, d’un appartement ou d’un café. Son appareil devient une manière de garder trace de ces relations et de cette communauté éphémère.

> Je les ai photographiés parce qu'ils étaient mes amis, parce que je les aimais, parce qu'ils étaient là.
>
> Gerard Malanga, photographe

Cette dimension affective imprègne profondément son travail. Elle fait de la photographie de Malanga non seulement une archive exceptionnelle d’une époque, mais également le récit d’une communauté artistique, d’une génération et des amitiés qui l’ont traversée. Et si cette scène newyorkaise appartient désormais à l’histoire, elle n’a rien perdu de sa capacité à nous électriser. Dans le regard de Malanga, elle demeure vivante et profondément humaine.

Du 30 septembre 2026 au 15 janvier 2026, l’exposition « Foucault, une aventure intellectuelle au Collège de France » explore le parcours de Michel Foucault (1926-1984) dans l’institution où il… Le 12 avril 1970, le philosophe Michel Foucault, auteur aussi célébré que débattu d’Histoire de la folie à l’âge classique_ et des Mots et les Choses_, est élu au Collège de France sur la chaire Histoire des systèmes de pensée. Cette élection n’a rien d’évident pour un chercheur qui a d’abord enseigné la psychologie mais refuse les allégeances disciplinaires, et dont le parcours est déjà jalonné d’éclats et d’engagements politiques forts. Elle inaugure une aventure intellectuelle de près de quatorze ans dont les résonances s’entendent encore aujourd’hui, comme en témoigne la fécondité des concepts de « gouvernementalité », de « biopolitique », de « pouvoir pastoral » ou de « régime de vérité ».

Ses cours au Collège de France sont bien plus qu’une ébauche de l’œuvre écrite. Ils lui permettent d’explorer de nouveaux champs et de tester de nouvelles hypothèses. Leur rayonnement débute très tôt par un succès public et la libre circulation d’enregistrements et de dactylographies. Il dépasse vite les frontières de l’Hexagone, grâce à la présence d’un auditoire international et aux nombreux séjours du philosophe à l’étranger, notamment aux États-Unis, au Brésil et au Japon. La publication posthume des cours, puis leurs traductions à travers le monde, en font une œuvre à part entière, aussi lue et citée que les livres parus de son vivant. Elles assurent ainsi à sa pensée une deuxième vie inattendue, tant elles renouvellent la perception de ses enjeux et éclairent sa méthode.

La centaine de pièces exposées – manuscrits inédits, objets personnels, archives audio et vidéo – retrace une trajectoire internationale fulgurante trop tôt interrompue, laissant une production scientifique considérable. L’exposition permet notamment d’éclairer la cohérence et la pérennité d’une pensée en permanente évolution qui refusait les assignations. Elle restitue cette aventure dans un réseau d’amitiés et de pairs au sein du Collège de France, mais aussi de stratégies et de combats hors les murs qui rappellent que le savoir est également affaire de pouvoir.

Une exposition organisée par le Collège de France en partenariat avec la Bibliothèque nationale de France.

Vingt ans après leur première rencontre avec Détroit, Yves Marchand et Romain Meffre reviennent là où tout a commencé. Cette fois, la question n’est plus de savoir ce que cet ancien bastion industriel a perdu, mais de regarder ce qu’il est devenu. Pour accompagner la sortie de leur nouveau livre chez Albin Michel, la galerie Polka revient sur ce travail qui a marqué le début de leur aventure photographique.

Après Joel Meyerowitz, Polka consacre la deuxième édition d’Immersion à Steve McCurry. À la croisée de l’exposition photographique et du film, ce projet original invite à entrer dans l’univers d’un… En septembre 2026, Adélie de Ipanema, directrice de Polka, et le producteur-réalisateur Florent Lacaze ont passé trois jours en Pennsylvanie auprès de Steve McCurry. Ils l’ont suivi dans son quotidien, au cœur de son univers de travail, sa maison et jusque dans les rues de Philadelphie, pour saisir au plus près ce qui nourrit son regard et façonne son écriture photographique.

Quatre films de quinze minutes nous entraînent dans les coulisses de l’œuvre de Steve McCurry. De son studio, où les photographies sont sélectionnées et assemblées pour composer un livre ou une exposition, à son immense espace d’archives de près de mille mètres carrés, ils dévoilent les méthodes de travail du photographe, son rapport aux images et l’exigence qui guide chacun de ses choix.

Diapositives, tirages, publications et souvenirs de voyage racontent une vie consacrée à parcourir le monde et à le photographier. À Philadelphie, la caméra le suit dans les rues. Steve McCurry observe, attend, renonce parfois. Il ne déclenche que lorsqu’un lien se noue avec son sujet. Une manière de rappeler que, pour lui, la photographie est avant tout une affaire de rencontre.

Sur les murs de Polka, les tirages entrent en résonance avec les films diffusés simultanément sur les écrans. Les images prennent une autre dimension à la lumière de ces séquences filmées au plus près du photographe. Le visiteur découvre ainsi tout à la fois une œuvre, sa construction et le regard qui la porte.

Le parcours traverse les territoires qui ont nourri son travail, de l’Inde, son pays de cœur, au Pakistan, jusqu’aux États-Unis. De Taj and Train, réalisée en 1983, au portrait de Sharbat Gula, la jeune Afghane aux yeux verts devenue la Joconde de la photographie, se révèle la cohérence d’une œuvre : la puissance de la couleur, la précision de la composition et l’intensité des visages.
Steve McCurry s’est imposé dans l’histoire de la photographie par ses reportages, mais son travail s’inscrit aujourd’hui dans un horizon plus large.

Avec Immersion, Polka invite à regarder autrement des photographies que le monde entier croit connaître. Une photographie de Steve McCurry ne raconte pas seulement le monde qu’il a traversé. Elle nous dit aussi quelque chose de notre manière de le regarder.

Patria Nostra est un projet photographique d’auteur qui aborde la notion de masculinité à travers l’enregistrement visuel de la Légion étrangère en France, formée d’individus qui ont laissé derrière eux leur pays, leur culture, leur langue et leurs êtres chers dans l’espoir d’une nouvelle vie. L’autrice a recours au genre du portrait pour aborder la singularité de l’identité dans le domaine militaire. Ainsi, la représentation du visage comme symbole de l’individu se retrouve confrontée à une image collective construite par l’anonymat de quelques-uns de ses membres.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

La pratique de Marie Quéau interroge la frontière entre documentaire et fiction : attentive à la dimension descriptive des sujets, elle s’en écarte toujours pour révéler zones de trouble et aussi à… La pratique de Marie Quéau interroge la frontière entre documentaire et fiction : attentive à la dimension descriptive des sujets, elle s’en écarte toujours pour révéler zones de trouble et ambiguïtés, empruntant aussi bien à l’imaginaire collectif qu’à la science-fiction.Les séries Fury, Le Royaume et Odds.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

La galerie Les filles du calvaire présente la première exposition personnelle de la photographe française Julie Joubert au premier étage de son espace historique, 17 rue des Filles du Calvaire. Patria Nostra_, est le fruit de trois années d'immersion au sein de la Légion étrangère française. Avec cette série, elle a remporté le Prix du public du Prix Découverte Fondation Louis Roederer de la 57e édition des Rencontres d'Arles. À travers un ensemble de photographies réalisées dans plusieurs de ses structures, Julie Joubert documente le parcours des jeunes recrues, de leur sélection à leur intégration dans les régiments opérationnels. Au-delà de l'institution militaire, son travail interroge les notions de déracinement, d'appartenance et de reconstruction de soi, en révélant les trajectoires individuelles qui se dessinent derrière l'uniformité imposée des corps.

Ce projet a été réalisé dans le cadre de la commande photographique nationale des Regards du Grand Paris, Ateliers Médicis et le Centre national des arts plastiques.

La série Patria Nostra de Julie Joubert fera en parallèle l'objet d'une publication aux Éditions (https://loosejoints.biz/)

La galerie Arts d’Australie • Stéphane Jacob présente Gw bot | Glyphmaker — La métamorphose des signes, une exposition monographique consacrée à l’artiste australienne GW Bot, du 15 octobre 2026 au… Née en 1954 à Quetta, au Pakistan, de parents australiens, GW Bot est une artiste australienne dont l’oeuvre explore les liens entre l’être humain, le paysage et le monde intérieur. Son enfance passée dans plusieurs pays nourrit très tôt son intérêt pour les cultures et les territoires. Elle étudie l’art à Londres, Paris et en Australie, et obtient en 1982 son diplôme de l’Australian National University de Canberra. Depuis1985, elle se consacre pleinement à sa pratique artistique. Installée à Canberra, au coeur d’un environnement qui devient la source majeure de son inspiration, elle adopte le wombat comme animal totémique, en référence à la relation d’unité entre l’être humain et son environnement présente dans certaines traditions aborigènes. Elle forge son nom d’artiste à partir de l’une des premières appellations écrites du wombat dans une source française : « le Grand Wam Bot ».

Avant-propos de l'exposition

À travers ses œuvres, GW Bot développe un langage visuel singulier fondé sur les « glyphes », des signes qu’elle invente et transforme au contact des paysages australiens. Un glyphe est un signe graphique qui porte en lui une forme et une signification. À mi-chemin entre formes végétales, animales et humaines, ces signes constituent un alphabet ouvert, dont le sens reste volontairement mystérieux.

L’artiste ne cherche pas à représenter la nature de manière réaliste. Elle en traduit plutôt les rythmes, les forces et les transformations. Forêts, prairies, falaises, terres brûlées ou paysages arides deviennent ainsi les sources d’une écriture personnelle.

Son univers s’est également construit au fil de nombreux voyages en Europe et au Moyen-Orient. L’art byzantin, les sculptures d’Aghtamar, les motifs des tapis orientaux ou encore La Dame à la licorne ont nourri son imaginaire et enrichi son vocabulaire de formes et de symboles. La littérature et la poésie, notamment l’œuvre d’Alexandre Pouchkine, accompagnent également sa réflexion sur la création et sur la figure du poète.

Peu à peu, son travail s’est orienté vers le thème du jardin. Celui-ci devient un espace à la fois extérieur et intérieur, où se rencontrent la nature, l’intime et la spiritualité. En s’inspirant notamment de la tradition de l’hortus conclusus et des représentations religieuses, GW Bot fait du jardin un lieu de contemplation et de passage entre le visible et l’invisible. Cette attention portée au jardin peut, par certains aspects, évoquer celle de Bonnard, pour qui cet espace devient également un territoire sensible et pictural.

Toutes ces influences se mêlent dans une œuvre profondément ancrée dans le territoire australien et attentive à sa fragilité. Le feu, la sécheresse, la disparition et la renaissance deviennent les expressions des cycles qui traversent le monde vivant.

Le « soleil noir », motif récurrent dans son œuvre, introduit une dimension à la fois cosmique et symbolique. Il évoque les relations entre obscurité et lumière, disparition et renaissance, et accompagne l’idée de transformation.

Linogravure, pigments, graphite, découpes et tapa participent à cette écriture visuelle faite d’empreintes, de superpositions et de transparences. Le choix du papier occupe lui aussi une place essentielle dans son processus de création. GW Bot le considère comme un véritable « sol » : sa texture, sa densité et sa capacité à recevoir l’image influencent directement le résultat. Chaque papier possède ainsi ses qualités propres et, comme un sol, peut accueillir certaines formes et en transformer d’autres.

L’œuvre de GW Bot compose ainsi une véritable cartographie poétique, dans laquelle le paysage, la mémoire, la spiritualité et le langage se rencontrent et se transforment sans cesse.

À l’occasion d’un don exceptionnel de plus de 700 originaux réalisé en 2025, la Bibliothèque nationale de France met à l’honneur l’œuvre d’Agnès Rosenstiehl, autrice-illustratrice prolifique et créatrice notamment de la cultissime « Mimi Cracra ». Présentée en galerie des Donateurs, l’exposition retrace le parcours d’Agnès Rosenstiehl, dont l’inventivité, la liberté et l’attention portée à l’enfance ont révolutionné le monde de l’édition pour la jeunesse et continuent d’inspirer lecteurs, auteurs et illustrateurs.

Le Petit Palais invite Prune Nourry à investir l’ensemble du musée pour mettre en lumière, dans son exposition « Visionnaires », des femmes sculptrices méconnues ou oubliées par l’Histoire de l’art. À la demande de l’artiste, trois historiennes de l’art ont mené des recherches pendant un an afin de rassembler les écrits et les portraits photographiques de dix-huit sculptrices de la fin du XIXe et du début du XXe. Parmi elles, figurent Käthe Kollwitz, Nancy Elizabeth Prophet, Hélène Bertaux, Jane Poupelet, Consuelo de SaintExupéry, Selma Hortense Burke, Daria Gamsaragan ou encore Sarah Bernhardt. Inspirée par la qualité artistique de leurs œuvres et la force de leur engagement, Prune Nourry a sculpté le portrait de ces dix-huit femmes « visionnaires ». Prune Nourry rend ainsi visible la place des femmes comme créatrices.

L’exposition se déploie dans l’ensemble des collections du Petit Palais, de l’esplanade extérieure du musée jusque dans le jardin.

Sur le parvis, Mothership_, figure hybride entre une femme enceinte et la coque d’un bateau en métal rouillé, introduit l’exposition. De la galerie des sculptures au Pavillon nord, les dix-huit nouveaux portraits créés pour le Petit Palais ravivent la mémoire de sculptrices du passé. Prune Nourry prolonge le parcours en faisant dialoguer en regard des collections permanentes, une vingtaine de ses œuvres précédentes, des Holy Daughters_ aux Vénus_.

À la manière d’un jeu de piste, les visiteurs partent à la découverte des yeux en marbre blanc aux pupilles noires incrustés dans les bustes en plâtre de Prune Nourry comme dans les socles des œuvres du Petit Palais, créant un dialogue visuel entre les deux. Ces yeux de pierre, inspirés de la statuaire polychrome du Petit Palais, invitent à un regard croisé sur les différentes époques présentes dans le musée, de l’antiquité à nos jours.

L’artiste choisit le plâtre, comme matériau principal, en écho à la collection du musée dont près de 70% des sculptures sont des “plâtres d’atelier”. Ces tirages n’étaient pas destinés aux musées et pourtant, ils ont traversé le temps là où les versions en bronze ont été détruites. Prune Nourry joue également avec l’échelle : ses nouveaux bustes s’échelonnent de 70 cm à 3,50 m de hauteur, tandis que ses œuvres antérieures vont de 20 cm à 27 m de longueur, faisant de l’exposition un espace où le corps féminin se déploie dans toutes ses dimensions.

Dans le monde de l’art, les femmes ont longtemps été cantonnées à des rôles de modèles ou de muses, réduites à des corps scrutés par un regard masculin. Leur disparition des récits institutionnels et de la sculpture en particulier, ne tient pas à une absence d’œuvres mais à un effacement structurel. Freinées par les normes sociales et un accès limité à la formation, elles ont dû s’imposer dans un milieu dominé par des figures masculines. La collection du Petit Palais en porte la trace : omniprésentes comme sujets, corps modèles, idéalisés, allégorisés, les femmes y demeurent largement absentes comme créatrices. Sur l’ensemble des œuvres de la collection, à peine 4 % ont été réalisées par des artistes, dont seulement 4 sculptrices représentées. L’exposition est l’occasion de valoriser leurs œuvres en regard de leurs portraits.

Les sculptrices de la fin du XIXe et du début du XXe siècle constituent ainsi une génération pionnière. Visionnaires, elles ouvrent la voie. Pourtant, malgré l’essor de la photographie, leurs visages demeurent difficiles à se représenter. Prune Nourry s’inscrit dans cette généalogie vivante. Elle prolonge l’héritage de ces sculptrices en leur redonnant visibilité et affirme, par sa pratique comme par sa démarche de transmission, son engagement en faveur de la reconnaissance des femmes dans l’histoire de la sculpture.

"Les métiers des Archives" est une exposition photographique, réalisée par le photographe Olivier Culmann, de l'agence Tendance Floue. "Les métiers des Archives" est une exposition photographique, réalisée par le photographe Olivier Culmann, de l'agence Tendance Floue.
Pendant plusieurs mois, Olivier Culmann est venu photographier les agents des Archives départementales pour saisir leur quotidien, la diversité des métiers exercés, dans une approche à la fois esthétique et technique.

Pop Art Car 2.0 - Du 24 septembre 2026 au 31 janvier 2027. Après une première édition remarquée, Renault présente Pop Art Car 2.0, une exposition inédite au croisement de l’art contemporain, du design automobile et des nouvelles technologies. Jusqu’au 31 janvier 2027, le défilé Renault® transforme les Champs-Élysées en galerie à ciel ouvert et dévoile une sélection d’œuvres historiques, de créations numériques et de voitures pensées comme de véritables œuvres d’art.

Quand le Pop Art rencontre le numérique. Le parcours met à l’honneur deux artistes français, Sébastien Preschoux et Popay, invités à repousser les limites de leur pratique grâce à des algorithmes conçus spécialement à partir de leurs univers artistiques. Leurs œuvres inédites, pensées pour être en mouvement, prennent vie sur les grands écrans du défilé renault® et offrent une nouvelle lecture de la culture pop contemporaine, nourrie par les images numériques, l’intelligence artificielle et les tendances diffusées par les réseaux.

Pop Art Car 2.0 fait également dialoguer art et design automobile avec la Renault 8 Gordini Concept, dévoilée en avant-première mondiale, qui réinterprète la mythique « Gorde » dans une version contemporaine inspirée de la tendance café racer. Ses lignes épurées, ses clins d’œil au modèle original de 1964 et sa célèbre double bande blanche revisitée rendent hommage à l’héritage sportif de Renault tout en projetant cette icône dans le futur.

Renseignements :

Le défilé renault®, 53 Champs-Élysées, 75008 Paris

Réservation gratuite sur le site du défilé renault®.

Dates et horaires

Du jeudi 24 septembre 2026 au dimanche 31 janvier 2027 - de 10h00 à 22h00