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Vanities Gallery est heureuse de recevoir Reiner Heidorn « La Sêve du Silence »
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Exposition solo de Reiner Heidorn du 11 novembre au 9 décembre 2026_
Vanities Gallery, 17 rue Biscornet 75012 Paris_
Vernissage : mercredi 11 novembre à partir de 18h30_

Sept ans après Le Rêve du microscopique, présenté rue Popincourt au printemps 2019, Vanities Gallery accueille à nouveau le peintre bavarois Reiner Heidorn. Entre-temps, l’œuvre a changé d’échelle et de nature. Les paysages mentaux d’hier, sans arbre, sans ciel ni horizon, ont lâché leurs derniers points d’appui. La plante, la cellule, l’eau douce ne sont plus des motifs : ils sont devenus des forces. Ce qui reste, c’est le vert, et il occupe toute la toile.

Heidorn appelle sa méthode Dissolutio, « disparition ». Le mot dit tout de son projet : effacer la frontière entre l’homme et la nature, et effacer aussi celle qui sépare le peintre de sa peinture. Autodidacte, il travaille dans une ancienne halle d’usine près de Munich. Il pose les couleurs directement sur la toile, verse l’huile et l’essence, et laisse le temps faire son œuvre. Il ne corrige pas les bulles, les cratères et les coulures que produit la matière, il les garde. Il peint de mémoire, sans modèle ni photographie, même quand il s’attaque aux formes les plus précises de la biologie : neurones, mitoses, hydres. Des milliers de touches minuscules, une sorte de pointillisme microscopique, finissent par former de vastes champs de couleur où l’œil se perd comme dans une forêt après la pluie.

Le vert n’est pas ici un fond, c’est un sujet. L’historienne de l’art Sonja Lechner rapproche cette obsession du « vert sacré » de Hölderlin, ce vert originel d’où tout procède et où tout retourne. Chez Heidorn, il passe par toutes ses nuances : vert d’eau stagnante, vert de mousse et de roseau, vert presque noir des sous-bois, vert traversé de bleus et d’ocres. C’est la couleur de la chlorophylle, de la photosynthèse, du premier geste du vivant. C’est aussi la couleur qui nous manquera le plus.

Car cette peinture n’est pas décorative. Les titres récents le disent sans détour : Steppefire, Autumn fire, Fruit of wrath, A clear message. Le feu s’approche des prairies, la colère gagne les vergers. Heidorn assume une position nette contre la croissance sans limite et l’épuisement des ressources. Pourtant il ne fait pas de sermon. Ses toiles cherchent l’apaisement, une forme de repos psychique, et rappellent doucement que l’individu n’est qu’une part infime d’un tout qui le dépasse. L’ego du peintre s’efface, et celui du spectateur aussi.

En 2019, nous nous demandions si les âmes qui affleuraient dans ses toiles n’étaient pas Gaïa elle-même, nous invitant à prendre soin de la planète. En 2026, la question a pris une autre gravité. Face à ces grandes surfaces vertes qui semblent respirer, on ne contemple plus la nature de l’extérieur : on se tient à l’intérieur, comme dans une sève qui circule. Il reste à savoir combien de temps elle circulera encore.

Depuis son premier passage à Paris, Reiner Heidorn a exposé en Europe, en Amérique du Nord et en Asie : le Jardin botanique de Munich lui a consacré une grande exposition personnelle, il a participé au Giudecca Art District pendant la Biennale d’architecture de Venise et il a été montré à New York, Taipei et Vienne. La Sève du silence présente un ensemble d’huiles récentes, dont plusieurs grands formats, qui témoignent de ce passage décisif vers l’abstraction.

La Galerie Rouge propose une exposition collective de photographes traditionnellement associés au courant humaniste d'après guerre. Ce mouvement, souvent décrié comme naïf, réunit en fait des visions… Dans cette exposition collective, La Galerie Rouge revient sur le courant humaniste qui a dominé la photographie française d’après-guerre et contribué à sa renommée à travers le monde. Souvent décrié comme naïf et universaliste, ce mouvement a pourtant réuni des visions très diverses, allant de la photographie documentaire et sociale, à des écritures poétiques, et des clins d’œil facétieux. A travers le thème de Paris et sa représentation, nous avons souhaité dépasser les clichés et les catégories afin de défendre un regard humaniste multiple, complexe et engagé dans le réel.
Cette exposition réunit les œuvres de Édouard Boubat, Jean-Philippe Charbonnier, Robert Doisneau, Willy Ronis, Louis Stettner et Sabine Weiss. Les photographies de Martine Barrat sur le quartier de La Goutte d’Or offrent un contrepoint plus contemporain et politique, invitant à découvrir un autre regard humaniste.
Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art.

Retrouvez dans le hall de la bibliothèque Sainte-Geneviève cette nouvelle exposition qui dévoile, à travers une centaine d’ouvrages et d'archives, l’histoire des dons et du précieux enrichissement… Héritière des collections de l’abbaye du même nom, qui portent l’empreinte de grands dons et sont préservées au profit de la Nation par la Révolution française, la bibliothèque Sainte-Geneviève voit son rôle conforté par l’attribution du Dépôt légal imprimeur en 1828 puis l’installation en 1851 dans l’écrin construit sur mesure par Henri Labrouste. Les administrateurs et conservateurs vont alors affirmer une politique ambitieuse et cohérente d’enrichissement des fonds ainsi rassemblés.

Parallèlement aux achats courants et entrées institutionnelles que sont les souscriptions et autres échanges, les dons occupent une place essentielle, ensembles conséquents constitués au fil des ans par des collectionneurs, savants ou professionnels de l’édition mais aussi quelques livres offerts par des lecteurs modestes qui souhaitent rendre à la bibliothèque ce qu’elle leur a donné : l’accès le plus large possible à une collection encyclopédique et universelle. Ce sont cette dynamique, toujours à l’œuvre, et ces relations privilégiées avec un lectorat pluriel que vous invite à découvrir l’exposition d’une centaine d’ouvrages, objets et pièces d’archives.

Entrée gratuite (https://affluences.com/fr/sites/bsg/reservation?type=5434 "Ouverture dans un nouvel onglet") aux horaires de la bibliothèque Sainte-Geneviève.

La Cité internationale des arts présente l'installation « p. 39 » de Nina Wakeford, du 20 octobre au 16 décembre 2026 dans la Vitrine. Nina Wakeford utilise la performance, l’installation et l’image en mouvement pour aborder les combats non résolus des mouvements sociaux du passé, ainsi que les défis déclenchés par leur réactivation. Son inspiration lui vient d’archives historiques, mais aussi de ses amies, de ses amantes et de leurs obsessions.

Dans ce projet, son point de départ a été le décès d’une amie, Anna Livia Brawn, et un livre oublié. Anna avait traduit en anglais un roman de 1930 écrit par une autrice parisienne ouvertement lesbienne, Lucie Delarus-Mardrus. Dans ce roman, le personnage principal vit à la fois en tant qu’homme et femme. L’autrice y intègre des caricatures de « célébrités » lesbiennes bourgeoises, dont certaines étaient connues pour partager des moments intimes lors de leurs promenades à cheval dans le Bois de Boulogne. Pourtant, l’autrice est morte presque sans le sou, après s’être aliénée sa famille et ses amis en refusant de mettre fin à sa relation avec une chanteuse de music-hall à l’accent « parigot » de la classe ouvrière et au « langage vulgaire ». Après avoir enfin déniché une première édition du roman à la Librairie Vignes à Paris, Nina a eu le sentiment de renouer avec Anna.

En réponse aux enjeux de réinterpréter et de raconter des moments de rencontres furtives entre femmes et dans un élan bibliophile, Nina met en relation un assemblage de matériaux récemment collectés, chantés, parlés, mis en scène.

Nina Wakeford (Royaume-Uni) est en résidence par le biais du programme 2–12

Site du Marais → Vitrine
Cité internationale des arts

Une exposition originale sur les scientifiques face à la crise environnementale Recherche et crise environnementale font-elles bon ménage ? Des paroles de scientifiques qui ne sont pas toujours d’accord, recueillies par la designeuse Lou-Andreas Étienne et illustrées par l’illustratrice Camille Debard.

La Saison Cabaret initiée et soutenue par le ministère de la Culture s’inscrit pleinement dans la dynamique de renforcement de la visibilité et de la connaissance de ce secteur impulsée en 2025 dans le cadre du Plan cabaret. Elle se déploie en fédérant des acteurs culturels publics et privés à travers
diverses manifestations du 18 septembre au 18 décembre 2026 dans l’ensemble du territoire métropolitain et en Martinique, Guadeloupe et Guyane.
L’objectif de la Saison Cabaret est avant tout de visibiliser les cabarets et leurs multiples projets mais également de montrer sa richesse et sa diversité, ainsi que de développer un regard sur ses évolutions et son histoire à travers une programmation diverse, ouverte et conviviale portée par de très nombreuses structures culturelles. Les fils rouges de la Saison Cabaret sont : le cancan, les créatures / personnages de cabaret, les ambassadeurs et ambassadrices de la Saison Cabaret. Ils prennent appui sur les fondamentaux du Plan Cabaret porté par le ministère de la Culture s’articulant autour des enjeux de soutien à la création, de valorisation du patrimoine et de renforcement de la connaissance du cabaret dans ses multiples formes.
Dans le cadre de la Saison Cabaret, l’exposition photographique Cabaret(s) – Histoire d’une transmission vivante propose un parcours entre archives et créations contemporaines, entre mémoire et regard d’aujourd’hui, pour raconter un art en perpétuelle évolution. Des grandes revues aux scènes actuelles, elle explore ce
qui se transmet — gestes, savoir-faire, spectacles, personnages et imaginaires — et la manière dont chaque génération s’en empare pour faire vivre, transformer et réinventer le cabaret à travers les territoires.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art. Commissaire invité : Guillaume Logé
Artistes présentés : André Bauchant, Guillaume Barth, Pierre Bonnard, École française du XVIIIe siècle (suiveur de François Boucher), Miguel Branco, Raoul Dufy, Max Ernst, Joaquim Vicens Gironella, Antoine Grumbach, Eikoh Hosoe, Evi Keller, Fernand Léger, André Masson, Léo Orta, Hans Reichel, Marcelle Thirache, Maria Helena Vieira da Silva, Yang Jiechang, Antonella Zazzera, Lin Zhipeng (aka n°223), Art Africain, Art Pre-Khmer...

La galerie est heureuse de présenter l'exposition Jardin d'amour_ dont le titre s'inspire de l'ouvrage de Guillaume Logé, à paraître le 23 septembre 2026, et dont le commissariat est confié à son auteur. L'ADN de la galerie, depuis plus de cent ans désormais, s'inscrit naturellement dans cette thématique ; en témoigne son engagement à l’égard d’artistes habités, dans leur quête créatrice, par des valeurs universalistes, sociétales, environnementales, humanistes. Des artistes œuvrant avec les forces naturelles, intégrant à la fois l’humain, l’histoire, la mémoire, le fil des saisons, l'immémorial et le temps présent... Cette exposition, des Arts Premiers à nos jours, offre un dialogue entre les œuvres et les époques autour de la nature et de l'amour.

Et si l’amour devait se réinventer en s’ouvrant à la nature ? Déclin du couple traditionnel, éclatement des genres, omniprésence du numérique : les relations amoureuses traversent une période de profondes transformations. En parallèle, comme nous le rappellent les événements climatiques et la prise de conscience écologique, la nature s’impose au cœur de nos existences. Ce double mouvement fait émerger les fondements d’une mythologie amoureuse à la fois nouvelle et très ancienne. À rebours du désenchantement contemporain, Jardin d’amour_ explore une hypothèse simple et audacieuse : la complétude des relations amoureuses exige d’aller au-delà du face-à-face humain en accueillant la nature comme un partenaire à part entière. La figure de l’Homo sapiens (ce soi-disant Homme qui sait, ce sage doué de raison) s’efface au profit de ce que l’auteur dénomme l’Homo amorosus (Homme enclin à ou porté par l’amour). De l’Éros grec aux cosmogonies égyptiennes, olmèques ou indiennes, des chefs-d’œuvre anciens aux créations les plus contemporaines, Guillaume Logé explore les cultures et les époques.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

William Wegman, William Wegman, Portraiture William Wegman, William Wegman, Portraiture
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La prochaine exposition de William Wegman à la galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois s’articulera autour de la figure du chien Flo, la dernière muse de l’artiste. Depuis plus de cinquante ans, Wegman a choisi ses braques de Weimar comme source première de ses photographies.
Dans cette série récente, les tirages de l’artiste prennent des dimensions inhabituelles, comme des portraits anciens de membres de la famille : ce sont les photos publiées dans un article du New York Times, où Flo apparaît parée des atours d’un ou d’une ancêtre respectable, avec le charme suranné de photographies de familles posées.
Parallèlement, des photos pop, lisses, brillantes, évoquent la photo de mode et l’esthétique de la haute couture. Flo y apparaît toujours en majesté, dernière-née d’une longue lignée de modèles canins qui rendent un hommage moqueur aux pratiques du portrait, de la photo professionnelle, de la mode et de la communication.
Cette exposition se déroule dans le cadre du festival PhotoSaintGermain. Organisé au cœur de Paris, dans le quartier emblématique de Saint‐Germain‐des‐Prés, PhotoSaintGermain est un festival annuel destiné à promouvoir la création photographique.
PhotoSaintGermain offre un parcours gratuit et libre d’accès d’expositions dans une sélection de musées, centres culturels, galeries et librairies de la rive gauche. Ce parcours met en lumière une programmation pointue et éclectique conçue par les galeries associées, ainsi que plusieurs expositions originales et projets inédits imaginés et produits par le festival.

Noémie Ninot, 22 Loggerstraat, Zaandam Noémie Ninot, 22 Loggerstraat, Zaandam_

« Lors d’une grossesse, l’échange cellulaire entre la mère et l’enfant est réciproque : les cellules du fœtus migrent vers les organes maternels et y demeurent toute la vie. Ce phénomène, appelé le chimérisme cellulaire, inspire le projet photographique 22 Loggerstraat, Zaandam, qui explore les liens entre trois générations de femmes. Les images, prises chez ma grand-mère aux Pays-Bas, rejouent notre quotidien à travers des masques hyperréalistes moulés à partir de nos visages. En écho au chimérisme, nous y échangeons nos visages : je deviens ma mère, ma mère devient ma grand-mère, ma grand-mère devient moi et ainsi de suite. Une circulation qui questionne comment nous portons en nous l’autre, comment on peut déjouer l’identité en tant qu’unique et ce qu’il se passe lorsqu’on devient celles que l’on a observées toute notre vie. Les images prennent la forme de saynètes inspirées de la peinture de genre hollandaise, où la banalité du quotidien, la répétition des gestes et l’ordre des objets structurent l’espace. Le projet met ainsi en lumière une transmission silencieuse de la condition féminine, inscrite dans les rituels et les gestes ordinaires. La présence de mon grand-père apparaît un an plus tard dans la série. Souvent isolée, sa présence introduit une forme d’incongruité et amorce une réflexion sur la place du masculin dans cette circulation des identités. » -Noémie Ninot
Cette exposition se déroule dans le cadre du festival PhotoSaintGermain. Organisé au cœur de Paris, dans le quartier emblématique de Saint‐Germain‐des‐Prés, PhotoSaintGermain est un festival annuel destiné à promouvoir la création photographique.
PhotoSaintGermain offre un parcours gratuit et libre d’accès d’expositions dans une sélection de musées, centres culturels, galeries et librairies de la rive gauche. Ce parcours met en lumière une programmation pointue et éclectique conçue par les galeries associées, ainsi que plusieurs expositions originales et projets inédits imaginés et produits par le festival.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art. « Derrière la Porte » marque la quatrième exposition personnelle de l’artiste Florence Paradeis à la Galerie In situ – fabienne leclerc. À cette occasion, elle présente de nouvelles œuvres photographiques qui mettent au jour les phénomènes invisibles qui régissent nos intérieurs. Saisissant l’ordinaire avec une certaine brutalité, elle révèle les tensions qui façonnent notre rapport à l’intime.

Chaque photographie est conçue comme une saynète dans laquelle Florence Paradeis agence, principalement à huis clos, ses modèles ou des objets selon des configurations d’un ordinaire suspect. Derrière l’apparente banalité des situations cristallisées par l’image se glissent des indices qui laissent planer, en creux, un malaise. Entre mise en scène du quotidien et assemblage de fragments absurdes qui composent la réalité, son travail dévoile lors de sa lecture, les dessous de l’image.

Ses photographies mettent en scène des objets de la vie quotidienne poussés à l’entropie, qui se détruisent discrètement et s’agencent pour souligner certains dysfonctionnements et fragilités. Cristallisant des idéaux de vie domestique, ces objets suscitent chez l’artiste une forme de dérision. Le triptyque Chalet déconstruit pas à pas la maquette d’un chalet idéal. Conçu comme un jouet pour enfant, il apparaît disloqué dans une première image, puis son rez-de chaussée disparaît, pour ne laisser place qu’à la toiture, vidée de toute sa splendeur. S’ouvre alors une véritable poésie du vide.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

Zander Galerie Paris a le plaisir d’annoncer une exposition consacrée aux premières photographies en noir et blanc de Tina Barney. Redécouvertes par l’artiste alors qu’elle se replongeait dans ses la… Zander Galerie Paris a le plaisir d’annoncer une exposition consacrée aux premières photographies en noir et blanc de Tina Barney. Redécouvertes par l’artiste alors qu’elle se replongeait dans ses archives durant la pandémie, ces images rarement montrées offrent un regard intime sur la société de la côte Est américaine à la fin des années 1970.

Née en 1945, Tina Barney est reconnue pour ses grandes compositions en couleur explorant les dynamiques familiales et les codes sociaux des milieux privilégiés. Les six œuvres exposées appartiennent à une période plus précoce de sa pratique. Réalisées lors de séjours estivaux à Rhode Island, elles témoignent d’une approche plus spontanée, que l’artiste a elle-même comparée aux « esquisses qu’un peintre pourrait réaliser en préparation d’une composition plus ambitieuse ».

Travaillant avec un appareil 35 mm et nourrie par l’influence de Lee Friedlander et de Garry Winogrand, qu’elle considère comme des « maîtres de la photographie non mise en scène », Tina Barney privilégie alors l’instantané et l’observation directe. Le noir et blanc lui permet de porter son attention sur les qualités matérielles de l’image, faisant émerger textures, étoffes, chevelures, surfaces vitrées et effets atmosphériques.

Les visages demeurent souvent hors champ, laissant toute leur place aux gestes, aux postures et aux vêtements. Costumes, robes blanches et coiffures soigneusement élaborées deviennent ainsi les signes visibles d’une appartenance sociale. Ces œuvres fondatrices révèlent déjà les thèmes qui traverseront l’ensemble de son œuvre : les conventions qui régissent les relations humaines et les structures subtiles qui sous-tendent la sphère familiale.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

Présentée du 16 octobre au 20 décembre à Quai de la Photo, l’exposition Teenage Dream rassemble une sélection de photographies anonymes exposées dans l’ensemble du centre d’art sous de multiples formats.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art. Mélissa Boucher Morales inscrit la photographie au cœur de sa pratique, en explorant ce médium dans toute sa matérialité et sa sensibilité. Par le recours à des supports inhabituels et à une diversité de formats, elle poursuit ses recherches sur l’image, en questionnant sa fabrication et ses modes d’apparition. Sa démarche est également nourrie par les représentations du désir et de l’intime. Pour sa première exposition personnelle à la galerie, l’artiste remonte le fil de nos souvenirs et interroge les liens entre photographie et mémoire.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

Pierre et Gilles célèbrent 50 ans de collaboration artistique avec « rose pour toi, rose pour moi », une exposition d’une vingtaine de portraits réalisés ces deux dernières années. À cette occasion… Rencontrés en 1976, le photographe Pierre Commoy et le peintre Gilles Blanchard forment un couple dans la vie comme dans l’art. Ils inventent très vite un langage artistique commun, unique en son genre : la photographie et la peinture fusionnent sur une même toile, créant des portraits symboliques et idéalisés. Ce geste de peinture, qui confère aux images éclat et couleurs saturées à la façon des toutes premières retouches photographiques où la couleur était appliquée à la main, fait de chaque portrait une pièce unique. Chaque œuvre naît d’une longue mise en scène ; décors, costumes, accessoires et lumières sont conçus et fabriqués à la main dans l’atelier des artistes en région parisienne. Le studio devient ainsi théâtre où le décor porte l’histoire de son modèle, parfois célèbre, souvent anonyme ou proche des artistes, mais toujours sublimé.

Avec « rose pour toi, rose pour moi », Pierre et Gilles poursuivent leur exploration de la fabrication des icônes contemporaines. Figures sacrées, stars, créatures pop, personnages de fiction ou proches des artistes se rencontrent dans un univers où le réel bascule vers le rêve.

« L’objectif de Pierre et Gilles n’est pas d’imposer une vision étroite des choses, mais d’interroger la société à partir des fantasmes qui y circulent. Leur travail se fonde sur la réalité, mais il l’approche par le rêve, dont Freud disait qu’il procède par condensation et par déplacement – la photographie, avec eux, devient un processus psychique \[1\]. »

Stylistes, DJs, acteurs, drag queens, mannequins et amis des artistes y côtoient les figures de l’iconographie du sacré, de l’imagerie marine, de l’onirisme, du baroque. L’exposition rend visible toute l’étendue de leur univers, de la dévotion populaire à la pop culture, où le public pourra découvrir des œuvres inédites telles que Lady Macbeth (Camille Cottin), 2026, Maria Magdalena (Lolly Wish), 2026, L’Étoile noire (Ebony Osaz), 2026, Saint Carlo Acutis (Martin Tournebize), 2026 ou encore Vive moi – Hommage à Renaud (Renan Prevot), 2025.

La monographie publiée aux éditions Insight réunit pour la première fois les oeuvres de Pierre et Gilles selon une classification thématique. Introduit par un texte de Laura-Ève Lambert, chaque ensemble est enrichi d’écrits de personnalités comme Edouard Louis, Sylvie Vartan, ou encore Amanda Lear, ainsi que d’anecdotes de celles et ceux qui sont passées devant leur objectif.

Retracez l'histoire de la ville de Bussy, du petit village de 500 habitants, à la ville nouvelle que nous connaissons aujourd’hui.

La galerie frank elbaz est heureuse de présenter la première exposition personnelle en France de l’artiste japonaise Kunié Sugiura, sous le commissariat de Ryo Sawayama. Curatée par le critique d’art japonais Ryo Sawayama, l’exposition Ubiquitous Conjunction réunira des œuvres majeures couvrant plus de six décennies de la pratique de Sugiura, de ses premières expérimentations à ses productions les plus récentes. Un essai consacré au travail de l’artiste sera également publié à l’occasion de l’exposition.

Née au Japon, Sugiura s’installe aux États-Unis en 1963 pour étudier à la School of the Art Institute of Chicago, où elle découvre pour la première fois la photographie en tant que médium et commence à développer sa pratique artistique. Après l’obtention de son diplôme, elle s’établit à New York en 1967, où elle vit et travaille depuis. En 2025, le Sfmoma lui a consacré la première grande rétrospective de son œuvre aux États-Unis, retraçant plus de soixante années de création artistique.

À travers la photographie, la peinture et la sculpture, Sugiura n’a cessé de repousser les limites du médium photographique. Sa pratique crée des rapprochements inattendus entre l’image et l’objet, la surface et la matière, la mémoire et la perception, réunissant au sein d’un langage visuel singulier des temporalités et des formes hétérogènes.

Par ses expérimentations en chambre noire, le montage, la solarisation et les photogrammes, Sugiura prolonge l’héritage expérimental des débuts de la photographie tout en anticipant l’élargissement du champ de la pratique photographique contemporaine. Son œuvre occupe une position singulière entre l’avant-garde historique et l’art contemporain, révélant la photographie à la fois comme un processus matériel et comme un espace conceptuel.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

Du jeudi 12 novembre au jeudi 31 décembre 2026 Le dimanche de 11h à 21h30, Le samedi de 10h à 23h, Le vendredi de 11h à 23h et Du lundi au jeudi de 11h à 21h Cet évènement fait partie de Marchés de Noël 2026 : le calendrier complet

Lafayette Anticipations présente Monument, une exposition personnelle consacrée à Mungo Thomson. À travers deux œuvres emblématiques, l’artiste californien inscrit dans le temps long des images éphémères et des objets voués à l’abandon. Déployant vidéo, sculpture et installation, Thomson explore les cultures populaires et déplace notre regard sur le familier, qu’il rend soudain étrange.

Érigé dans la cour de Lafayette Anticipations, Snowman_ est une tour monumentale inspirée de tubes d’expédition et de livraison postale en carton. Matériaux d'emballages voués à circuler puis à disparaître, ils deviennent ici une sculpture de bronze élancée.

Le film Time Life Volume 15. Monument to a Period of Time in Which I Lived_ est le quinzième volet d’une série d'animations en stop-motion, chacune composée de milliers d'images issues de livres. Une succession de bougies y défile comme autant de flashs, puisés notamment dans des ouvrages religieux, d’histoire de l’art ou de décoration.

Avec Snowman_ et Time Life Volume 15_, Mungo Thomson renverse l’idée même du monument. Inspirés par la circulation massive des colis et des images à l’ère contemporaine, ces monuments ne commémorent pas d'événements historiques, mais l’expérience ordinaire d’une génération, celle de l'artiste, façonnée par les médias imprimés et la transition du monde analogique vers le numérique.

Visuel de couverture : Mungo Thomson, Volume 15. Monument to a Period of Time in Which I Lived_, 2025. 4K video avec son, 1:54 minutes Son : vinyl crackle Asmr. © Mungo Thomson. Courtesy l’artiste, galerie frank elbaz, and Karma.

Dans le cadre du Bicentenaire de la Photographie, le Drawing Lab, laboratoire d’expérimentation et de diffusion du dessin contemporain, propose une exposition collective mettant en lumière les liens entre photographie et dessin.

Alors qu’en 1826 Nicéphore Niépce invente la prise de vue photographique, son contemporain Henry Fox Talbot pense également avoir découvert, avec la photographie, un « crayon loyal », capable de saisir naturellement l’écriture des ombres et des lumières. Il nomme également « dessins photogéniques » les photogrammes, impressions sensibles obtenues par contact direct, prémices de la photographie comme processus de fixation et d’occultation momentanée de la lumière.

Si aujourd’hui la photographie est reconnue comme l’un des grands médiums artistiques, cette exposition collective entend montrer les dialogues étroits quelle entretient avec le dessin contemporain, sous toutes ses formes, et comment celui-ci se développe et se réinvente singulièrement à l’ombre de cette invention bicentenaire.

À l’ère où la photographie et la post-photographie sont à l’origine de la majorité des images, certains dessinateurs entretiennent avec ces images-sources une proximité troublante, jusqu’à la réplique ou la traduction la plus fidèle. Ils élaborent ainsi des dessins d’une incroyable photogénie, suscitant le doute quant à leur nature graphique ou photographique. Mais pourquoi « perdre » autant de temps à redessiner un instantané ? Le transfert de l’image photographique en dessin relève avant tout d’un processus de mise au jour : le document devient une véritable surface d’exploration à scruter, à fouiller en profondeur, à « transmuter », selon Jean Olivier Hucleux. Si le dessinateur tend à s’effacer dans l’opération de restitution de l’image, il révèle et intensifie les indices du photographique — détails, grain, texture, surface, matérialité, fragilité — tout en chargeant l’image d’une nouvelle durée et tactilité. À travers une œuvre historique de Jean Olivier Hucleux et d’autres œuvres plus récentes (Daphné Nan Le Sergent, Mireille Blanc, Éric Manigaud, Célia Muller), l’exposition entend rendre sensible ce « devenir graphité de l’image », pour reprendre l’expression de Jean-Christophe Bailly à propos du passage au dessin.

L’image photographique peut également s’éclipser à travers divers processus de transposition graphique : floutage (Léa Belooussovitch), transcription « à l’aveugle », superposition, association ou confrontation (Fabienne Ballandras). Ces déplacements visuels suscitent de nouvelles mises au point et distances focales, des brouillages perceptifs —jusqu’à l’illisibilité ou l’abstraction— et ouvrent des points de vue critiques à partir d’images photographiques notamment médiatiques — « photo-choc », issues du photo-reportage, mais aussi des légendes des photographies. Le dessin leur confère ainsi de nouvelles matérialités, visibilités et temporalités.

Par ailleurs, en présentant des dispositifs photo-graphiques complexes (les photogrammes incandescents de Nicolas Daubanes, une installation interactive de Jérémie Setton au sein de laquelle le spectateur révèle doublement l’image ou encore les œuvres photosensibles de Pascal Navarro qui apparaissent progressivement), l’exposition explore par le dessin les principes fondateurs de la photographie : image latente, révélation, fixation, reproductibilité, réversibilité négatif/positif, photosensibilisation, empreinte. À travers ces œuvres expérimentales, le dessin devient alors lui-même photographique.

Pièce historique, œuvres emblématiques et expérimentales, productions inédites et installations réactivées pour le Drawing Lab composeront ainsi un parcours d’œuvres qui se font écho, à travers trois axes — « Devenir graphité »,« Mises au point » et « Image…

Au dernier étage de la Fondation, Lafayette Anticipations présente Vivresse, la première exposition institutionnelle en France consacrée à l’artiste Hélène Fauquet. Vivresse_ - contraction de vie et d’ivresse - invite à découvrir un état où force vitale et désir ne feraient qu’un. L’œuvre singulière d’Hélène Fauquet illustre une tension entre des formes ornementales et une dimension conceptuelle à la lisière du surréalisme.
Son travail récent explore les thèmes de l’ornement et de l’art, de la nature et de l’artifice, ainsi que de l’histoire et du présent. La coquille a jaugé l’œuvre et est prête à l’absorber.

Les sculptures d’Hélène Fauquet explorent les coquillages et les questions que leurs formes soulèvent. La genèse de ces sculptures repose sur le geste d’oblitérer ses photographies avec un objet tridimensionnel - le coquillage. Encadrés de manière glamour, ces objets dégagent l’attrait scintillant de niches opalines. Les cadres dépassent leur fonction de simple dispositif de présentation pour devenir un seuil vers un espace sensible et symbolique.

Son travail s’intéresse aux résidus de la photographie et au mouvement des images. Dans son exposition récente Phenomena_ au Kunsthaus Glarus en Suisse, elle développe une approche phénoménologique de la perception et réfléchit à la manière dont l’information est stockée.

Lafayette Anticipations présente la première exposition monographique institutionnelle en France du peintre japonais Yu Nishimura. Elle réunit un corpus d'une cinquantaine d’œuvres du dessin à la… L’exposition_Towards a Sea_ met en lumière les explorations de l’artiste autour du paysage, un espace habité de présences et souvent bordé par la mer. Vue depuis la fenêtre d’un train, dissimulée par des arbres ou des maisons, la mer accompagne Nishimura depuis son enfance. Pensée comme une promenade méditative, l’exposition est traversée de figures humaines et animales, de motifs végétaux et minéraux qui se superposent à l’élément marin. Dans ses œuvres, comme dans nos souvenirs, l’imaginaire s’additionne au réel dans des représentations énigmatiques, où les lieux imprègnent et hantent les figures.

Travaillant l’huile et la tempéra, Nishimura transpose à la peinture des principes photographiques et cinématographiques, tout en revisitant les genres picturaux occidentaux que sont le portrait, le paysage et la nature morte. Par des effets de flou et de superposition, il insuffle aux œuvres une dimension onirique et évanescente, qui les teinte d’une certaine étrangeté. Attiré par plusieurs détails tout à la fois, l'œil glisse d’un motif à l’autre, d’un portrait en gros plan à une silhouette en pied, d’un visage humain à une tête animale, d’une roue de vélo aux reflets des nuages dans la mer.

Towards a Sea_ témoigne de l’attention que l’artiste porte à la beauté de l’ordinaire et de l’infime, à la dimension mystérieuse et complexe des êtres et des choses. Chaque œuvre parle de la fugacité de ce qui nous entoure et de ce qui nous traverse, saisissant un monde en suspens.

Commissaire : Elsa Coustou

Visuel de couverture : (https://www.lafayetteanticipations.com/artiste/yu-nishimura), gaze_, 2023, huile sur toile, 145,5 × 112 cm. Courtesy l’artiste, Tantan Global Partners et Crèvecœur, Paris. Photo Alex Kostromin

A l'occasion du Bicentenaire de la Photographie, la Galerie Anne-Laure Buffard est heureuse de présenter une exposition hommage à Gilles Caron, dans la galerie du 6 rue Chapon 75003 Paris… A l'occasion du Bicentenaire de la Photographie, la Galerie Anne-Laure Buffard est heureuse de présenter une exposition hommage à Gilles Caron, dans les deux espaces de la galerie, au 6 et 13 rue Chapon 75003 Paris. Photographe majeur de la deuxième moitié du XXème siècle, sa carrière, écourtée par sa tragique disparition au Cambodge en 1970 alors qu'il n'était âgé que de 30 ans, a profondément marqué l'histoire du photo-reportage et l'esprit de générations d'artistes. Nous mettrons en regard des tirages emblématique de Gilles Caron avec des oeuvres d'artistes qui l'ont inspiré, de contemporains qui ont, comme lui, contribué à façonner le monde de la photographie au XXème siècle, ainsi que d'artistes actuels qui continuent de s'inscrire dans son sillage.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art. Pour célébrer les deux cents ans de la photographie, la Galerie Papillon a imaginé Détour photographique, un accrochage présentant un corpus d’images qui explorent nos perceptions du réel au-delà du visible à travers les œuvres de 9 artistes : Cathryn Boch, Céline Cléron, Erik Dietman, Hreinn Friðfinnsson, Mehdi-Georges Lahlou, Raphaëlle Peria, Linda Sanchez, Didier Trénet et Void. Loin de se plier à l’objectif de la caméra, ces artistes s’affranchissent de toutes copies parfaites du monde matériel. Sur ce terrain où l’image devient réaction, ils captent des temporalités et révèlent ce qui demeure caché.

Vernissage le dimanche 18 octobre 2026.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art. Depuis plusieurs années, Charles Fréger, connu pour ses séries dédiés aux mascarades, explore parallèlement une autre voie par le biais d’une photographie traitée en silhouette. Ce sont alors les figures d’une culture visuelle commune qu’il prend pour sujet. L’exposition Silhouettes présente ainsi une sélection d’œuvres issues des séries réalisées entre 2011 et 2025 : Bretonnes, Les Normandes, L’Épopée de Jeanne d’Arc, La Préhistoire, La Suite basque, Souvenir d’Alsace et Kalevipoeg.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

Rafał Milach, Last Resort Rafał Milach, Last Resort_

delpire & co est ravi d’accueillir le photographe polonais Rafał Milach qui montrera son travail de la publication autour de la protestation.
« Le champ de la contestation est vaste. Il englobe aussi bien des actes spectaculaires de vandalisme dans l’espace public que des formes subtiles de résistance individuelle ; il s’étend du paysage numérique à la présence concrète des foules, des banderoles et des chorégraphies des manifestations. Chacune de ces stratégies a sa place et sa finalité propre. Chacune est vécue différemment, mais aucune n’est dénuée de sens. La résistance civile est portée non seulement par une aspiration à l’autodétermination et à la capacité d’agir, mais aussi par un certain désespoir — celui qui naît de l’échec du dialogue et de la diplomatie. C’est un espace où l’intime et le personnel se confrontent à l’oppression structurelle. Un livre peut-il devenir le lieu de rencontre de ces deux sphères ? Quelle portée une telle démarche peut-elle avoir ? Peut-elle constituer un ultime recours ? » -Rafał Milach
Cette exposition se déroule dans le cadre du festival PhotoSaintGermain. Organisé au cœur de Paris, dans le quartier emblématique de Saint‐Germain‐des‐Prés, PhotoSaintGermain est un festival annuel destiné à promouvoir la création photographique.
PhotoSaintGermain offre un parcours gratuit et libre d’accès d’expositions dans une sélection de musées, centres culturels, galeries et librairies de la rive gauche. Ce parcours met en lumière une programmation pointue et éclectique conçue par les galeries associées, ainsi que plusieurs expositions originales et projets inédits imaginés et produits par le festival.

Figure emblématique de la Factory d’Andy Warhol, Gerard Malanga fut l’un des témoins privilégiés de la scène artistique new-yorkaise des années 1960/1970, dont il a photographié les figures, les… Cette exposition est aussi l’histoire d’une fidélité et d’une amitié entre Gerard Malanga et agnès b. En 2004, plusieurs tirages de l’artiste étaient déjà présentés à la Galerie du Jour dans le cadre de l’exposition collective Bande à Part, consacrée à cette constellation d’artistes et de personnalités qui ont façonné la scène underground new-yorkaise. Plus de vingt ans après, son regard revient à la galerie, comme une mémoire vivante de cette époque, toujours aussi libre et intime.

Né dans le Bronx en 1943, Gerard Malanga rencontre Andy Warhol en 1963, à l’âge de vingt ans, grâce au poète Charles Henri Ford. Il rejoint alors la Factory et devient rapidement l’un des personnages centraux de cette aventure artistique hors normes. Son parcours traverse la musique, la poésie, le cinéma, la performance et la photographie, abolissant les frontières entre les disciplines.

Au fil de ses rencontres, Malanga photographie celles et ceux qui incarnent cette époque : Andy Warhol, William S. Burroughs, Mick Jagger, Iggy Pop, Dennis Hopper, Lou Reed, Patti Smith, Robert Mapplethorpe, Candy Darling et bien d’autres. Ses photographies ne cherchent pas à fabriquer des icônes. Elles semblent au contraire les rapprocher de nous, saisissant les artistes dans des moments de présence, de complicité, de solitude ou d’abandon.

C’est peut-être là que réside la force particulière de son œuvre. Derrière les figures devenues mythiques, Malanga révèle des personnes des amis, des compagnons de route, des êtres rencontrés au détour d’une soirée, d’un concert, d’un appartement ou d’un café. Son appareil devient une manière de garder trace de ces relations et de cette communauté éphémère.

> Je les ai photographiés parce qu'ils étaient mes amis, parce que je les aimais, parce qu'ils étaient là.
>
> Gerard Malanga, photographe

Cette dimension affective imprègne profondément son travail. Elle fait de la photographie de Malanga non seulement une archive exceptionnelle d’une époque, mais également le récit d’une communauté artistique, d’une génération et des amitiés qui l’ont traversée. Et si cette scène newyorkaise appartient désormais à l’histoire, elle n’a rien perdu de sa capacité à nous électriser. Dans le regard de Malanga, elle demeure vivante et profondément humaine.

Patria Nostra est un projet photographique d’auteur qui aborde la notion de masculinité à travers l’enregistrement visuel de la Légion étrangère en France, formée d’individus qui ont laissé derrière eux leur pays, leur culture, leur langue et leurs êtres chers dans l’espoir d’une nouvelle vie. L’autrice a recours au genre du portrait pour aborder la singularité de l’identité dans le domaine militaire. Ainsi, la représentation du visage comme symbole de l’individu se retrouve confrontée à une image collective construite par l’anonymat de quelques-uns de ses membres.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

La pratique de Marie Quéau interroge la frontière entre documentaire et fiction : attentive à la dimension descriptive des sujets, elle s’en écarte toujours pour révéler zones de trouble et aussi à… La pratique de Marie Quéau interroge la frontière entre documentaire et fiction : attentive à la dimension descriptive des sujets, elle s’en écarte toujours pour révéler zones de trouble et ambiguïtés, empruntant aussi bien à l’imaginaire collectif qu’à la science-fiction.Les séries Fury, Le Royaume et Odds.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

La galerie Les filles du calvaire présente la première exposition personnelle de la photographe française Julie Joubert au premier étage de son espace historique, 17 rue des Filles du Calvaire. Patria Nostra_, est le fruit de trois années d'immersion au sein de la Légion étrangère française. Avec cette série, elle a remporté le Prix du public du Prix Découverte Fondation Louis Roederer de la 57e édition des Rencontres d'Arles. À travers un ensemble de photographies réalisées dans plusieurs de ses structures, Julie Joubert documente le parcours des jeunes recrues, de leur sélection à leur intégration dans les régiments opérationnels. Au-delà de l'institution militaire, son travail interroge les notions de déracinement, d'appartenance et de reconstruction de soi, en révélant les trajectoires individuelles qui se dessinent derrière l'uniformité imposée des corps.

Ce projet a été réalisé dans le cadre de la commande photographique nationale des Regards du Grand Paris, Ateliers Médicis et le Centre national des arts plastiques.

La série Patria Nostra de Julie Joubert fera en parallèle l'objet d'une publication aux Éditions (https://loosejoints.biz/)

Juergen Teller est connu sur la scène internationale pour ses portraits de célébrités, ses éditoriaux de mode provocateurs et ses campagnes emblématiques pour divers créateurs. Son approche a les de… Juergen Teller est connu sur la scène internationale pour ses portraits de célébrités, ses éditoriaux de mode provocateurs et ses campagnes emblématiques pour divers créateurs. Son approche singulière a révolutionné les conventions de la photographie de mode et du portrait. Rejetant l'artifice et la mise en scène trop contrôlée, il embrasse une esthétique brute dans laquelle chaque sujet et chaque instant mérite d'être capturé. Remettant en question la hiérarchie visuelle imposée par les industries de l'image, il privilégie l'inattendu et le spontané. Ses photographies, entre provocation et sincérité, redéfinissent les attentes du spectateur. L'un des aspects les plus radicaux du travail de Juergen Teller est l'absence de toute distinction entre commandes commerciales et projets personnels, car pour lui, « Tout, au sens le plus large, est une sorte d'autoportrait. »

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

Après Joel Meyerowitz, Polka consacre la deuxième édition d’Immersion à Steve McCurry. À la croisée de l’exposition photographique et du film, ce projet original invite à entrer dans l’univers d’un… En septembre 2026, Adélie de Ipanema, directrice de Polka, et le producteur-réalisateur Florent Lacaze ont passé trois jours en Pennsylvanie auprès de Steve McCurry. Ils l’ont suivi dans son quotidien, au cœur de son univers de travail, sa maison et jusque dans les rues de Philadelphie, pour saisir au plus près ce qui nourrit son regard et façonne son écriture photographique.

Quatre films de quinze minutes nous entraînent dans les coulisses de l’œuvre de Steve McCurry. De son studio, où les photographies sont sélectionnées et assemblées pour composer un livre ou une exposition, à son immense espace d’archives de près de mille mètres carrés, ils dévoilent les méthodes de travail du photographe, son rapport aux images et l’exigence qui guide chacun de ses choix.

Diapositives, tirages, publications et souvenirs de voyage racontent une vie consacrée à parcourir le monde et à le photographier. À Philadelphie, la caméra le suit dans les rues. Steve McCurry observe, attend, renonce parfois. Il ne déclenche que lorsqu’un lien se noue avec son sujet. Une manière de rappeler que, pour lui, la photographie est avant tout une affaire de rencontre.

Sur les murs de Polka, les tirages entrent en résonance avec les films diffusés simultanément sur les écrans. Les images prennent une autre dimension à la lumière de ces séquences filmées au plus près du photographe. Le visiteur découvre ainsi tout à la fois une œuvre, sa construction et le regard qui la porte.

Le parcours traverse les territoires qui ont nourri son travail, de l’Inde, son pays de cœur, au Pakistan, jusqu’aux États-Unis. De Taj and Train, réalisée en 1983, au portrait de Sharbat Gula, la jeune Afghane aux yeux verts devenue la Joconde de la photographie, se révèle la cohérence d’une œuvre : la puissance de la couleur, la précision de la composition et l’intensité des visages.
Steve McCurry s’est imposé dans l’histoire de la photographie par ses reportages, mais son travail s’inscrit aujourd’hui dans un horizon plus large.

Avec Immersion, Polka invite à regarder autrement des photographies que le monde entier croit connaître. Une photographie de Steve McCurry ne raconte pas seulement le monde qu’il a traversé. Elle nous dit aussi quelque chose de notre manière de le regarder.

La galerie Roger-Viollet explore pour la première fois le travail de Jean Marquis. Une sélection de 110 tirages contemporains proposés en édition limitée à 30 exemplaires. En 1951, Robert Capa conseille à Jean Marquis (1926-2019), comédien et animateur d’art dramatique, de regarder du côté de la photographie. Il a l’œil. Trois ans plus tard, il rejoint l’agence Magnum Photos au côté de Robert Capa, Henri Cartier-Bresson et Chim.

Des rues aux champs, des usines aux fenaisons, de Liverpool à Budapest, des colons algériens aux chameliers du marché de Touggourt et au bidonville du Clos Salembier (1958), Jean Marquis arpente le quotidien : revue de presse de Pierre Mendès France dans un train, fabrication du pain au village, direction d’acteur par Jean Renoir pour French Cancan.
Jean Marquis ordonne l’espace, agence ses personnages, cadre avec maestria : foule laborieuse de Merlebach de retour à la maison, vieilles dames à l’œil ravageur de la rue du Petit Musc, cheminot solitaire le long de la Deûle, premier grand reportage « initiatique » pour Magnum.

Les photographies s’imposent dans l’évidence de leur pan de vie, symboles des coutumes ancestrales de la Corrèze, attestations de la modernité des Trente Glorieuses, documents de la permanence des luttes.

Edward Steichen, directeur du département de la photographie du MoMA, le repère et le sélectionne pour l’exposition La Grande Famille des hommes_ (The Family of Man_) en 1955. S’ensuivront de nombreuses rétrospectives dans des institutions en France et à l’étranger.

Jean Marquis couvre l’effervescence sociale et artistique : grèves sur le tas, meetings sur les lieux de travail, manifestations diverses en faveur de causes qui lui tiennent à cœur : soutien, à Paris place de la Nation, aux époux Rosenberg dans le couloir de la mort aux États-Unis (1953), enterrement des manifestants pour la paix en Algérie, victimes de la répression au métro Charonne (1962), agitation sociale de mai 1968, assemblée générale de paysans (1983), le jazz, les spectacles, les tournages de films, il est au rendez-vous de l’Histoire.
L’œil aux aguets, il saisit la jeunesse et sa déferlante contestataire au quartier Latin ; André Malraux à bout de forces tirant sa révérence à la scène politique dans la dernière manifestation gaulliste à l’Arc de Triomphe (30 mai 1968).

La presse l’apprécie, le publie. Il entame une collaboration régulière avec L’Express_, Science et Vie_, Time_, Sports Illustrated_, Fortune Magazine_, Life_. Les couvertures se multiplient : l’actrice Gina Lollobrigida pour Le Grand Jeu_ de Robert Siodmak pour Match_ (1954), un ancien déporté des camps d’extermination en chemise rayée pour Life_ (1958), Brigitte Bardot, la star mondiale, pour L’Express_ (1962)…

Louis Aragon l’invite à le suivre dans les déambulations de son anthologie de poèmes Il ne m’est Paris que d’Elsa_ (1963). Jean Marquis décline l’animation des rues parisiennes, Montmartre encore comme autrefois avec son moulin.
Europe, Iran, Sénégal, Algérie, Jean Marquis voyage, envoyé spécial de la presse internationale. En Laponie (1956), il est au sommet de son art dans l’intimité des Samis, au cœur de leurs traditions et coutumes. Il traduit le bonheur fou et tendre des enfants, l’insouciance de leurs jeux, l’éclat de la beauté tranquille de leurs parents comme une ligne de vie, marque de son empathie, d’une éthique discrète mais prégnante aux sources de son œuvre.

En 2011, Jean Marquis confie la distribution de ses photographies à l’agence Roger-Viollet dont un ensemble est issu de la collection de la Bibliothèque historique de la Ville de Paris.