Que faire à Montreuil et alentour ?

Vanities Gallery est heureuse de recevoir Reiner Heidorn « La Sêve du Silence »
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Exposition solo de Reiner Heidorn du 11 novembre au 9 décembre 2026_
Vanities Gallery, 17 rue Biscornet 75012 Paris_
Vernissage : mercredi 11 novembre à partir de 18h30_

Sept ans après Le Rêve du microscopique, présenté rue Popincourt au printemps 2019, Vanities Gallery accueille à nouveau le peintre bavarois Reiner Heidorn. Entre-temps, l’œuvre a changé d’échelle et de nature. Les paysages mentaux d’hier, sans arbre, sans ciel ni horizon, ont lâché leurs derniers points d’appui. La plante, la cellule, l’eau douce ne sont plus des motifs : ils sont devenus des forces. Ce qui reste, c’est le vert, et il occupe toute la toile.

Heidorn appelle sa méthode Dissolutio, « disparition ». Le mot dit tout de son projet : effacer la frontière entre l’homme et la nature, et effacer aussi celle qui sépare le peintre de sa peinture. Autodidacte, il travaille dans une ancienne halle d’usine près de Munich. Il pose les couleurs directement sur la toile, verse l’huile et l’essence, et laisse le temps faire son œuvre. Il ne corrige pas les bulles, les cratères et les coulures que produit la matière, il les garde. Il peint de mémoire, sans modèle ni photographie, même quand il s’attaque aux formes les plus précises de la biologie : neurones, mitoses, hydres. Des milliers de touches minuscules, une sorte de pointillisme microscopique, finissent par former de vastes champs de couleur où l’œil se perd comme dans une forêt après la pluie.

Le vert n’est pas ici un fond, c’est un sujet. L’historienne de l’art Sonja Lechner rapproche cette obsession du « vert sacré » de Hölderlin, ce vert originel d’où tout procède et où tout retourne. Chez Heidorn, il passe par toutes ses nuances : vert d’eau stagnante, vert de mousse et de roseau, vert presque noir des sous-bois, vert traversé de bleus et d’ocres. C’est la couleur de la chlorophylle, de la photosynthèse, du premier geste du vivant. C’est aussi la couleur qui nous manquera le plus.

Car cette peinture n’est pas décorative. Les titres récents le disent sans détour : Steppefire, Autumn fire, Fruit of wrath, A clear message. Le feu s’approche des prairies, la colère gagne les vergers. Heidorn assume une position nette contre la croissance sans limite et l’épuisement des ressources. Pourtant il ne fait pas de sermon. Ses toiles cherchent l’apaisement, une forme de repos psychique, et rappellent doucement que l’individu n’est qu’une part infime d’un tout qui le dépasse. L’ego du peintre s’efface, et celui du spectateur aussi.

En 2019, nous nous demandions si les âmes qui affleuraient dans ses toiles n’étaient pas Gaïa elle-même, nous invitant à prendre soin de la planète. En 2026, la question a pris une autre gravité. Face à ces grandes surfaces vertes qui semblent respirer, on ne contemple plus la nature de l’extérieur : on se tient à l’intérieur, comme dans une sève qui circule. Il reste à savoir combien de temps elle circulera encore.

Depuis son premier passage à Paris, Reiner Heidorn a exposé en Europe, en Amérique du Nord et en Asie : le Jardin botanique de Munich lui a consacré une grande exposition personnelle, il a participé au Giudecca Art District pendant la Biennale d’architecture de Venise et il a été montré à New York, Taipei et Vienne. La Sève du silence présente un ensemble d’huiles récentes, dont plusieurs grands formats, qui témoignent de ce passage décisif vers l’abstraction.

Tutoriels dans 6 langues européennes Le programme « Eugloh Language & Culture Survival Backpack » rassemble des étudiants de toute l’Alliance Eugloh afin de leur faire découvrir de nouvelles langues, cultures et perspectives.
Le programme se compose de six sessions en ligne de 60 minutes chacune, animées par des étudiant·es tuteur·rices issu·es des universités partenaires de Eugloh, qui vous feront découvrir une nouvelle langue et la culture qui y est associée. Au sein de petits groupes interactifs, vous vous initierez à une nouvelle langue, découvrirez la culture locale et tisserez des liens avec d’autres étudiant·es de toute l’Europe.
L'édition 2026 se déroulera du 2 novembre au 11 décembre 2026.

Qui peut participer ?

Le programme est ouvert aux étudiant·es en licence, master et doctorat de toutes les universités partenaires de Eugloh.
Aucune connaissance préalable de la langue n'est requise pour les groupes de débutants.

Langues proposées

Sept langues sont proposées pour l’édition 2026 :

Français – Université Paris-Saclay
Portugais – Université de Porto
Espagnol – Université d’Alcalá
Hongrois – Université de Szeged
Serbe – Université de Novi Sad
Norvégien – UiT, Université arctique de Norvège

Que retirerez-vous de votre participation ?

En participant, vous pourrez :

découvrir les bases d’une nouvelle langue et d’une nouvelle culture avec un·e étudiant·e tuteur·rice local·e ;
acquérir des connaissances culturelles et pratiques utiles, en particulier si vous envisagez un séjour Erasmus+ ou une autre expérience de mobilité ;
rencontrer et échanger avec des étudiant·es d’autres universités de Eugloh dans un cadre intimiste et interactif ;

Vous recevrez une attestation de participation si vous assistez à au moins 5 des 6 séances.
Inscrivez-vous avant le 28 octobre !

(Https://www.eugloh.eu/courses-trainings/events/language-and-culture-survival-backpack-tutorials-2026/)

Retrouvez dans le hall de la bibliothèque Sainte-Geneviève cette nouvelle exposition qui dévoile, à travers une centaine d’ouvrages et d'archives, l’histoire des dons et du précieux enrichissement… Héritière des collections de l’abbaye du même nom, qui portent l’empreinte de grands dons et sont préservées au profit de la Nation par la Révolution française, la bibliothèque Sainte-Geneviève voit son rôle conforté par l’attribution du Dépôt légal imprimeur en 1828 puis l’installation en 1851 dans l’écrin construit sur mesure par Henri Labrouste. Les administrateurs et conservateurs vont alors affirmer une politique ambitieuse et cohérente d’enrichissement des fonds ainsi rassemblés.

Parallèlement aux achats courants et entrées institutionnelles que sont les souscriptions et autres échanges, les dons occupent une place essentielle, ensembles conséquents constitués au fil des ans par des collectionneurs, savants ou professionnels de l’édition mais aussi quelques livres offerts par des lecteurs modestes qui souhaitent rendre à la bibliothèque ce qu’elle leur a donné : l’accès le plus large possible à une collection encyclopédique et universelle. Ce sont cette dynamique, toujours à l’œuvre, et ces relations privilégiées avec un lectorat pluriel que vous invite à découvrir l’exposition d’une centaine d’ouvrages, objets et pièces d’archives.

Entrée gratuite (https://affluences.com/fr/sites/bsg/reservation?type=5434 "Ouverture dans un nouvel onglet") aux horaires de la bibliothèque Sainte-Geneviève.

Pour célébrer le Bicentenaire de la Photographie, la RATP et Fisheye Magazine s’associent à l'AFP, agence mondiale d’information, pour dévoiler l’âge d’or du photojournalisme. En explorant le fonds mythique de l'agence, qui diffuse 3000 photos par jour, ce parcours expose des tirages originaux aux versos annotés et révèle la « physique de l’information » : un patrimoine brut, témoin de notre histoire, partagé avec les voyageurs au cœur de leurs trajets quotidiens

La Cité internationale des arts présente l'installation « p. 39 » de Nina Wakeford, du 20 octobre au 16 décembre 2026 dans la Vitrine. Nina Wakeford utilise la performance, l’installation et l’image en mouvement pour aborder les combats non résolus des mouvements sociaux du passé, ainsi que les défis déclenchés par leur réactivation. Son inspiration lui vient d’archives historiques, mais aussi de ses amies, de ses amantes et de leurs obsessions.

Dans ce projet, son point de départ a été le décès d’une amie, Anna Livia Brawn, et un livre oublié. Anna avait traduit en anglais un roman de 1930 écrit par une autrice parisienne ouvertement lesbienne, Lucie Delarus-Mardrus. Dans ce roman, le personnage principal vit à la fois en tant qu’homme et femme. L’autrice y intègre des caricatures de « célébrités » lesbiennes bourgeoises, dont certaines étaient connues pour partager des moments intimes lors de leurs promenades à cheval dans le Bois de Boulogne. Pourtant, l’autrice est morte presque sans le sou, après s’être aliénée sa famille et ses amis en refusant de mettre fin à sa relation avec une chanteuse de music-hall à l’accent « parigot » de la classe ouvrière et au « langage vulgaire ». Après avoir enfin déniché une première édition du roman à la Librairie Vignes à Paris, Nina a eu le sentiment de renouer avec Anna.

En réponse aux enjeux de réinterpréter et de raconter des moments de rencontres furtives entre femmes et dans un élan bibliophile, Nina met en relation un assemblage de matériaux récemment collectés, chantés, parlés, mis en scène.

Nina Wakeford (Royaume-Uni) est en résidence par le biais du programme 2–12

Site du Marais → Vitrine
Cité internationale des arts

Une exposition originale sur les scientifiques face à la crise environnementale Recherche et crise environnementale font-elles bon ménage ? Des paroles de scientifiques qui ne sont pas toujours d’accord, recueillies par la designeuse Lou-Andreas Étienne et illustrées par l’illustratrice Camille Debard.

La Saison Cabaret initiée et soutenue par le ministère de la Culture s’inscrit pleinement dans la dynamique de renforcement de la visibilité et de la connaissance de ce secteur impulsée en 2025 dans le cadre du Plan cabaret. Elle se déploie en fédérant des acteurs culturels publics et privés à travers
diverses manifestations du 18 septembre au 18 décembre 2026 dans l’ensemble du territoire métropolitain et en Martinique, Guadeloupe et Guyane.
L’objectif de la Saison Cabaret est avant tout de visibiliser les cabarets et leurs multiples projets mais également de montrer sa richesse et sa diversité, ainsi que de développer un regard sur ses évolutions et son histoire à travers une programmation diverse, ouverte et conviviale portée par de très nombreuses structures culturelles. Les fils rouges de la Saison Cabaret sont : le cancan, les créatures / personnages de cabaret, les ambassadeurs et ambassadrices de la Saison Cabaret. Ils prennent appui sur les fondamentaux du Plan Cabaret porté par le ministère de la Culture s’articulant autour des enjeux de soutien à la création, de valorisation du patrimoine et de renforcement de la connaissance du cabaret dans ses multiples formes.
Dans le cadre de la Saison Cabaret, l’exposition photographique Cabaret(s) – Histoire d’une transmission vivante propose un parcours entre archives et créations contemporaines, entre mémoire et regard d’aujourd’hui, pour raconter un art en perpétuelle évolution. Des grandes revues aux scènes actuelles, elle explore ce
qui se transmet — gestes, savoir-faire, spectacles, personnages et imaginaires — et la manière dont chaque génération s’en empare pour faire vivre, transformer et réinventer le cabaret à travers les territoires.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art. Commissaire invité : Guillaume Logé
Artistes présentés : André Bauchant, Guillaume Barth, Pierre Bonnard, École française du XVIIIe siècle (suiveur de François Boucher), Miguel Branco, Raoul Dufy, Max Ernst, Joaquim Vicens Gironella, Antoine Grumbach, Eikoh Hosoe, Evi Keller, Fernand Léger, André Masson, Léo Orta, Hans Reichel, Marcelle Thirache, Maria Helena Vieira da Silva, Yang Jiechang, Antonella Zazzera, Lin Zhipeng (aka n°223), Art Africain, Art Pre-Khmer...

La galerie est heureuse de présenter l'exposition Jardin d'amour_ dont le titre s'inspire de l'ouvrage de Guillaume Logé, à paraître le 23 septembre 2026, et dont le commissariat est confié à son auteur. L'ADN de la galerie, depuis plus de cent ans désormais, s'inscrit naturellement dans cette thématique ; en témoigne son engagement à l’égard d’artistes habités, dans leur quête créatrice, par des valeurs universalistes, sociétales, environnementales, humanistes. Des artistes œuvrant avec les forces naturelles, intégrant à la fois l’humain, l’histoire, la mémoire, le fil des saisons, l'immémorial et le temps présent... Cette exposition, des Arts Premiers à nos jours, offre un dialogue entre les œuvres et les époques autour de la nature et de l'amour.

Et si l’amour devait se réinventer en s’ouvrant à la nature ? Déclin du couple traditionnel, éclatement des genres, omniprésence du numérique : les relations amoureuses traversent une période de profondes transformations. En parallèle, comme nous le rappellent les événements climatiques et la prise de conscience écologique, la nature s’impose au cœur de nos existences. Ce double mouvement fait émerger les fondements d’une mythologie amoureuse à la fois nouvelle et très ancienne. À rebours du désenchantement contemporain, Jardin d’amour_ explore une hypothèse simple et audacieuse : la complétude des relations amoureuses exige d’aller au-delà du face-à-face humain en accueillant la nature comme un partenaire à part entière. La figure de l’Homo sapiens (ce soi-disant Homme qui sait, ce sage doué de raison) s’efface au profit de ce que l’auteur dénomme l’Homo amorosus (Homme enclin à ou porté par l’amour). De l’Éros grec aux cosmogonies égyptiennes, olmèques ou indiennes, des chefs-d’œuvre anciens aux créations les plus contemporaines, Guillaume Logé explore les cultures et les époques.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

William Wegman, William Wegman, Portraiture William Wegman, William Wegman, Portraiture
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La prochaine exposition de William Wegman à la galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois s’articulera autour de la figure du chien Flo, la dernière muse de l’artiste. Depuis plus de cinquante ans, Wegman a choisi ses braques de Weimar comme source première de ses photographies.
Dans cette série récente, les tirages de l’artiste prennent des dimensions inhabituelles, comme des portraits anciens de membres de la famille : ce sont les photos publiées dans un article du New York Times, où Flo apparaît parée des atours d’un ou d’une ancêtre respectable, avec le charme suranné de photographies de familles posées.
Parallèlement, des photos pop, lisses, brillantes, évoquent la photo de mode et l’esthétique de la haute couture. Flo y apparaît toujours en majesté, dernière-née d’une longue lignée de modèles canins qui rendent un hommage moqueur aux pratiques du portrait, de la photo professionnelle, de la mode et de la communication.
Cette exposition se déroule dans le cadre du festival PhotoSaintGermain. Organisé au cœur de Paris, dans le quartier emblématique de Saint‐Germain‐des‐Prés, PhotoSaintGermain est un festival annuel destiné à promouvoir la création photographique.
PhotoSaintGermain offre un parcours gratuit et libre d’accès d’expositions dans une sélection de musées, centres culturels, galeries et librairies de la rive gauche. Ce parcours met en lumière une programmation pointue et éclectique conçue par les galeries associées, ainsi que plusieurs expositions originales et projets inédits imaginés et produits par le festival.

Noémie Ninot, 22 Loggerstraat, Zaandam Noémie Ninot, 22 Loggerstraat, Zaandam_

« Lors d’une grossesse, l’échange cellulaire entre la mère et l’enfant est réciproque : les cellules du fœtus migrent vers les organes maternels et y demeurent toute la vie. Ce phénomène, appelé le chimérisme cellulaire, inspire le projet photographique 22 Loggerstraat, Zaandam, qui explore les liens entre trois générations de femmes. Les images, prises chez ma grand-mère aux Pays-Bas, rejouent notre quotidien à travers des masques hyperréalistes moulés à partir de nos visages. En écho au chimérisme, nous y échangeons nos visages : je deviens ma mère, ma mère devient ma grand-mère, ma grand-mère devient moi et ainsi de suite. Une circulation qui questionne comment nous portons en nous l’autre, comment on peut déjouer l’identité en tant qu’unique et ce qu’il se passe lorsqu’on devient celles que l’on a observées toute notre vie. Les images prennent la forme de saynètes inspirées de la peinture de genre hollandaise, où la banalité du quotidien, la répétition des gestes et l’ordre des objets structurent l’espace. Le projet met ainsi en lumière une transmission silencieuse de la condition féminine, inscrite dans les rituels et les gestes ordinaires. La présence de mon grand-père apparaît un an plus tard dans la série. Souvent isolée, sa présence introduit une forme d’incongruité et amorce une réflexion sur la place du masculin dans cette circulation des identités. » -Noémie Ninot
Cette exposition se déroule dans le cadre du festival PhotoSaintGermain. Organisé au cœur de Paris, dans le quartier emblématique de Saint‐Germain‐des‐Prés, PhotoSaintGermain est un festival annuel destiné à promouvoir la création photographique.
PhotoSaintGermain offre un parcours gratuit et libre d’accès d’expositions dans une sélection de musées, centres culturels, galeries et librairies de la rive gauche. Ce parcours met en lumière une programmation pointue et éclectique conçue par les galeries associées, ainsi que plusieurs expositions originales et projets inédits imaginés et produits par le festival.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le Comité Professionnel des Galeries d'Art. « Derrière la Porte » marque la quatrième exposition personnelle de l’artiste Florence Paradeis à la Galerie In situ – fabienne leclerc. À cette occasion, elle présente de nouvelles œuvres photographiques qui mettent au jour les phénomènes invisibles qui régissent nos intérieurs. Saisissant l’ordinaire avec une certaine brutalité, elle révèle les tensions qui façonnent notre rapport à l’intime.

Chaque photographie est conçue comme une saynète dans laquelle Florence Paradeis agence, principalement à huis clos, ses modèles ou des objets selon des configurations d’un ordinaire suspect. Derrière l’apparente banalité des situations cristallisées par l’image se glissent des indices qui laissent planer, en creux, un malaise. Entre mise en scène du quotidien et assemblage de fragments absurdes qui composent la réalité, son travail dévoile lors de sa lecture, les dessous de l’image.

Ses photographies mettent en scène des objets de la vie quotidienne poussés à l’entropie, qui se détruisent discrètement et s’agencent pour souligner certains dysfonctionnements et fragilités. Cristallisant des idéaux de vie domestique, ces objets suscitent chez l’artiste une forme de dérision. Le triptyque Chalet déconstruit pas à pas la maquette d’un chalet idéal. Conçu comme un jouet pour enfant, il apparaît disloqué dans une première image, puis son rez-de chaussée disparaît, pour ne laisser place qu’à la toiture, vidée de toute sa splendeur. S’ouvre alors une véritable poésie du vide.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

Pierre et Gilles célèbrent 50 ans de collaboration artistique avec « rose pour toi, rose pour moi », une exposition d’une vingtaine de portraits réalisés ces deux dernières années. À cette occasion… Rencontrés en 1976, le photographe Pierre Commoy et le peintre Gilles Blanchard forment un couple dans la vie comme dans l’art. Ils inventent très vite un langage artistique commun, unique en son genre : la photographie et la peinture fusionnent sur une même toile, créant des portraits symboliques et idéalisés. Ce geste de peinture, qui confère aux images éclat et couleurs saturées à la façon des toutes premières retouches photographiques où la couleur était appliquée à la main, fait de chaque portrait une pièce unique. Chaque œuvre naît d’une longue mise en scène ; décors, costumes, accessoires et lumières sont conçus et fabriqués à la main dans l’atelier des artistes en région parisienne. Le studio devient ainsi théâtre où le décor porte l’histoire de son modèle, parfois célèbre, souvent anonyme ou proche des artistes, mais toujours sublimé.

Avec « rose pour toi, rose pour moi », Pierre et Gilles poursuivent leur exploration de la fabrication des icônes contemporaines. Figures sacrées, stars, créatures pop, personnages de fiction ou proches des artistes se rencontrent dans un univers où le réel bascule vers le rêve.

« L’objectif de Pierre et Gilles n’est pas d’imposer une vision étroite des choses, mais d’interroger la société à partir des fantasmes qui y circulent. Leur travail se fonde sur la réalité, mais il l’approche par le rêve, dont Freud disait qu’il procède par condensation et par déplacement – la photographie, avec eux, devient un processus psychique \[1\]. »

Stylistes, DJs, acteurs, drag queens, mannequins et amis des artistes y côtoient les figures de l’iconographie du sacré, de l’imagerie marine, de l’onirisme, du baroque. L’exposition rend visible toute l’étendue de leur univers, de la dévotion populaire à la pop culture, où le public pourra découvrir des œuvres inédites telles que Lady Macbeth (Camille Cottin), 2026, Maria Magdalena (Lolly Wish), 2026, L’Étoile noire (Ebony Osaz), 2026, Saint Carlo Acutis (Martin Tournebize), 2026 ou encore Vive moi – Hommage à Renaud (Renan Prevot), 2025.

La monographie publiée aux éditions Insight réunit pour la première fois les oeuvres de Pierre et Gilles selon une classification thématique. Introduit par un texte de Laura-Ève Lambert, chaque ensemble est enrichi d’écrits de personnalités comme Edouard Louis, Sylvie Vartan, ou encore Amanda Lear, ainsi que d’anecdotes de celles et ceux qui sont passées devant leur objectif.

Le Ballon Generali de Paris a (enfin) réouvert, rendez-vous au parc André Citroën pour admirer la capitale de haut ! À la recherche d’une sortie originale pendant les vacances de printemps ? Direction le Ballon Generali de Paris, dans le 15e arrondissement, pour une expérience à la fois spectaculaire, ludique et instructive : admirer la capitale à 150 mètres de hauteur tout en découvrant, en douceur, les enjeux liés à la qualité de l’air et au réchauffement climatique grâce aux outils scientifiques embarqués à bord

Le Ballon Generali de Paris : une vue unique à 360° sur la capitale

Voir Paris autrement, sans quitter la ville. Installé dans le Parc André Citroën, le Ballon Generali offre l’une des vues les plus impressionnantes de la capitale.

En quelques minutes, les visiteurs s’élèvent jusqu’à 150 mètres de hauteur pour profiter d’un panorama à 360°, avec une visibilité pouvant atteindre 50 km par temps clair. Tour Eiffel, Montparnasse, les Invalides, … Tout se dévoile dans une perspective rare.

Mais l’expérience ne se limite pas à la vue. Le Ballon Generali est aussi un véritable laboratoire volant, équipé d’instruments permettant de mesurer la qualité de l’air et certains indicateurs liés au climat.

Une façon simple et concrète de mêler plaisir et compréhension des enjeux environnementaux


Ballon de Paris Generali ; Crédits : Ballon de Paris Generali

Un laboratoire volant

Au-delà d’offrir une expérience unique pour admirer la capitale à 150 mètres de haut, il ambitionne, en tant que laboratoire volant scientifique, d’éveiller les consciences sur le réchauffement climatique, de développer la culture de la prévention des visiteurs et des visiteuses afin de tendre à réduire leur exposition aux risques.

Côté qualité de l’air, son Loac (Light Optical Aerosol Counter), instrument de pointe installé sur la nacelle, continue également à mesurer 24 heures sur 24 la quantité de particules fines dans l’air jusqu’à 300 mètres d’altitude. Il mesure également en continue l’ozone grâce à un instrument du Lisa (CNRS) et les pollens en collaboration avec Lify air. Ces mesures contribuent aux recherches sur les impacts de la qualité de l’air sur la santé et à une meilleure connaissance des polluants dans l’atmosphère.

Côté réchauffement climatique, il va permettre à des chercheurs et chercheuses d'approfondir leurs connaissances sur les gaz à effet de serre en ville en mesurant les niveaux de CO2 et de CH4 dans l’atmosphère, du sol jusqu’à 300 mètres.

Des nouveaux tarifs pour les seniors et les jeunes

Bonne nouvelle pour les familles élargies et les groupes d’amis : le Ballon Generali propose désormais un tarif réduit pour les seniors (65 ans et +) et les étudiants :
16 € au lieu de 20 € (-20 %)
Valable toute l’année, du lundi au vendredi, de 9h à 13h, sur présentation d’un justificatif.

Une offre pensée pour encourager les sorties intergénérationnelles pendant les vacances de printemps mais aussi, tout le reste de l’année : grands-parents, étudiants, familles ou visiteurs de passage… Tout le monde peut prendre de la hauteur !

Le Ballon Generali de Paris peut être fermé sans préavis, notamment en cas de conditions météorologiques défavorables. Avant votre visite, vérifiez en temps réel (https://ballondeparis.com/infos-pratiques "Ouverture dans un nouvel onglet").
Dernier vol à 19h45.

Retracez l'histoire de la ville de Bussy, du petit village de 500 habitants, à la ville nouvelle que nous connaissons aujourd’hui.

Quel meilleur endroit que le Musée en Herbe — lieu ludique, joyeux et intergénérationnel — pour célébrer les 30 ans de Pokémon ? Munis d’un jeu de piste et coiffés d’un masque Pokémon, les enfants (et les grands enfants !) entament leur visite par un retour aux origines de la saga. Direction 1996: naissance d’un phénomène mondial, une véritable Pokémania qui, depuis près de trente ans, rassemble toutes les générations.

La première partie de l’exposition se déploie comme une capsule temporelle immersive, plongeant les visiteurs dans les années 1990. On y découvre le portrait de son créateur, Satoshi Tajiri, les toutes premières cartes japonaises et françaises, des dessins préparatoires du dessin animé, ainsi que des boosters et goodies vintage devenus cultes. Des Game Boy géantes permettront même de rejouer aux tout premiers jeux Pokémon.

L’exposition explore ensuite l’influence profonde de la culture japonaise sur l’univers Pokémon. Masques de yōkai, estampes et sculptures dialogueront avec leurs équivalents issus du jeu, révélant les liens étroits entre folklore, spiritualité et imagination contemporaine. Les visiteurs pourront ainsi s’amuser des ressemblances entre Ludicolo et le Kappa, Barbicha et le Namazu, ou encore Tengalice et le Tengu.

Des clins d’œil à l’histoire de l’art jalonnent également le parcours : Alphonse Mucha, Piet Mondrian, Edvard Munch ou Vincent van Gogh ont été subtilement détournés par les illustrateurs de cartes Pokémon. Leurs œuvres dialogueront avec ces facétieuses créatures dans un jeu de miroirs inattendu.

L’exposition mettra aussi à l’honneur des artistes contemporains qui rendent hommage à la pop culture japonaise et à l’univers Pokémon, soulignant combien les frontières entre art, jeu vidéo et culture populaire sont désormais poreuses. Takashi Murakami en est l’un des exemples les plus emblématiques ; Jean-Michel Basquiat rendait déjà hommage à Gigantor au début des années 1980.

Enfin, le parcours s’achève sur une sélection d’œuvres montrant comment l’imaginaire Pokémon continue d’inspirer la création contemporaine. Daniel Arsham, Katherine Bernhardt, Brusk, Hervé Di Rosa, Erró, David Heo, Thimothée Humbert, Mwoaa, Onemizer ou encore Speedy Graphito offrent à ces personnages légendaires une nouvelle évolution artistique.

Du jeudi 12 novembre au jeudi 31 décembre 2026 Le dimanche de 11h à 21h30, Le samedi de 10h à 23h, Le vendredi de 11h à 23h et Du lundi au jeudi de 11h à 21h Cet évènement fait partie de Marchés de Noël 2026 : le calendrier complet

Remontez le temps au cœur de l’Égypte antique dans une expérience de réalité virtuelle et rencontrez Cléopâtre, au cœur des alliances, trahisons et secrets qui ont bouleversé le destin de l’Égypte. Plongez plusieurs milliers d'années en arrière, au plus près de Cléopâtre, la dernière reine d'Égypte, dans une immersion totale en réalité virtuelle. Entre guerres de pouvoir, paysages grandeur nature et monuments colossaux, quittez le présent le temps d'une aventure aussi puissante qu'inoubliable. Arpentez le palais d'Alexandrie, naviguez sur le Nil et vivez des événements décisifs aux côtés de la reine, de Jules César et de Marc Antoine.
Ce qui vous attend :
Cléopâtre, une femme au destin hors du commun : dernière reine d'Égypte, stratège et souveraine redoutable dans un monde d'hommes
Des décors à couper le souffle. Redécouvrez l'Égypte telle qu'elle était il y a plus de 2000 ans : le palais d'Alexandrie, les pyramides de Gizeh, les rives du Nil...
Une technologie au service de l'émotion : grâce à la réalité virtuelle, vivez l'Histoire au plus près, comme si vous y étiez
Une page d'Histoire fascinante : pouvoir, alliances, trahisons... Plongez dans la chute d'un royaume millénaire
Une exposition pour prolonger l'expérience VR : pour aller plus loin et mieux comprendre le destin de Cléopâtre
Une expérience pour tous, dès 8 ans, à vivre en famille, entre amis ou en groupe

Prêt à plonger ? Achetez vos billets dès maintenant pour Cléopâtre : Le destin de l'Égypte à Paris !

L’exposition retrace les débuts de la révolution « Femme, Vie, Liberté » et la manière dont ce mouvement inédit s’inscrit dans l’histoire de l’Iran contemporain. Depuis l’arrestation et la mort de Jina Mahsa Amini, l’Iran connaît une révolution sans précédent. Cette exposition présente une sélection de dessins de Kianoush Ramezani et de Mana Neyestani, deux dessinateurs de presse iraniens en exil en Europe qui couvrent l’actualité iranienne par des dessins quasi-quotidiens. L’exposition retrace les débuts de la révolution « Femme, Vie, Liberté » et la manière dont ce mouvement inédit s’inscrit dans l’histoire récente de l’Iran contemporain. Elle évoque les gestes que la population iranienne a fait siens depuis septembre 2022 et certaines des personnalités devenues d’autant plus populaires qu’elles ont soutenu publiquement la révolution de Mahsa.

Kianoush Ramezani, né en 1973 au nord de l'Iran, est un artiste militant réfugié politique qui vit aujourd'hui entre la France et la Finlande. Il a été contraint de quitter l'Iran en décembre 2009 après avoir dénoncé publiquement la fraude électorale du clan Ahmadinejad. Quelques mois avant l'attaque contre Charlie Hebdo, il prononce un discours intitulé "cartooning : l'art du danger". En 2015, il fonde l'association United Sketches qui soutient les caricaturistes exilés et milite pour la liberté d'expression. En 2022, il remporte le prix LiberPress.

Mana Neyestani est né à Téhéran en 1973. Il mène des études d'architecture avant de se tourner vers une carrière de dessinateur. Avec l'émergence des journaux réformateurs iraniens en 1999, il se tourne vers le dessin de presse. En 2006, il est emprisonné pour l'un de ses dessins. Il s'exile ensuite en France. Il est l'auteur de plusieurs ouvrages, dont une œuvre de fiction intitulée Les Oiseaux de papier_. Il reçoit en 2012 le Prix international du dessin de presse.

L'exposition est accueillie au Lumen du 9 novembre 2026 au 10 janvier 2027. Elle est accessible aux personnes à mobilité réduite.

Vernissage et concert le 18 novembre à 18h
Yalda - soirée de lecture persane à partir de 18h30

Si le nom d’Andy Warhol évoque immédiatement les sérigraphies et les portraits de célébrités, son œuvre dessinée occupe une place essentielle dans sa pratique artistique. L’exposition « Andy Warhol.… Formé à l’illustration, l’artiste n’a jamais cessé de dessiner, y compris après l’adoption des procédés mécaniques qui ont marqué son travail. Le dessin apparaît ainsi comme un lieu d’expérimentation constant, où se construisent les images et se déploie une pensée visuelle singulière. D’un premier Autoportrait_ daté de 1942 aux dessins à l’acrylique pour La Dernière Cène_ en 1986, la production dessinée de Warhol est abondante et variée. Portraits, caricatures, scènes de genre, illustrations publicitaires, portfolios autopromotionnels : le dessin reste son outil de prédilection jusqu’à la fin des années 1950. Il lui permet de s’émanciper progressivement des influences de Klee, Picasso, Cocteau, ainsi que d’artistes américains comme Shahn. Par le dessin, Andrew Warhola devient Andy Warhol.

Après une période dominée par la peinture puis le cinéma entre 1963 et 1973, il revient au dessin avec de nouveaux objectifs liés à sa production picturale, notamment aux portraits de commande, dont celui de Mao constitue un exemple majeur. Le dessin devient alors un espace d’expérimentation : il permet de travailler des choix chromatiques, graphiques et conceptuels, souvent à une échelle proche de celle des peintures.

Le parcours s’articule autour de cinq sections thématiques : débuts comme illustrateur publicitaire, importance de l’écriture manuscrite, fascination pour les visages et les masques, iconographie gay longtemps restée confidentielle et réflexions sur la mort, devenue une obsession après l’attentat de 1968 qui a failli lui coûter la vie.

L’exposition réunit environ 150 dessins, ainsi que des peintures, sérigraphies sur papier, photographies et documents d’archives. Elle met en évidence l’inventivité technique de l’artiste et les procédés qu’il met au point (tampons, lignes transférées, pochoirs, collages), pensés pour la reproduction et la répétition des images. Des dessins et documents, rares ou négligés, permettent d’accéder à la fabrique de l’œuvre et d’entrer au cœur de l’atelier new-yorkais de l’artiste, The Factory_. Autant de pistes qui invitent à reconsidérer l’ensemble de l’œuvre de Warhol à partir de ce dialogue entre geste et reproduction, entre main et machine.

Après Joel Meyerowitz, Polka consacre la deuxième édition d’Immersion à Steve McCurry. À la croisée de l’exposition photographique et du film, ce projet original invite à entrer dans l’univers d’un… En septembre 2026, Adélie de Ipanema, directrice de Polka, et le producteur-réalisateur Florent Lacaze ont passé trois jours en Pennsylvanie auprès de Steve McCurry. Ils l’ont suivi dans son quotidien, au cœur de son univers de travail, sa maison et jusque dans les rues de Philadelphie, pour saisir au plus près ce qui nourrit son regard et façonne son écriture photographique.

Quatre films de quinze minutes nous entraînent dans les coulisses de l’œuvre de Steve McCurry. De son studio, où les photographies sont sélectionnées et assemblées pour composer un livre ou une exposition, à son immense espace d’archives de près de mille mètres carrés, ils dévoilent les méthodes de travail du photographe, son rapport aux images et l’exigence qui guide chacun de ses choix.

Diapositives, tirages, publications et souvenirs de voyage racontent une vie consacrée à parcourir le monde et à le photographier. À Philadelphie, la caméra le suit dans les rues. Steve McCurry observe, attend, renonce parfois. Il ne déclenche que lorsqu’un lien se noue avec son sujet. Une manière de rappeler que, pour lui, la photographie est avant tout une affaire de rencontre.

Sur les murs de Polka, les tirages entrent en résonance avec les films diffusés simultanément sur les écrans. Les images prennent une autre dimension à la lumière de ces séquences filmées au plus près du photographe. Le visiteur découvre ainsi tout à la fois une œuvre, sa construction et le regard qui la porte.

Le parcours traverse les territoires qui ont nourri son travail, de l’Inde, son pays de cœur, au Pakistan, jusqu’aux États-Unis. De Taj and Train, réalisée en 1983, au portrait de Sharbat Gula, la jeune Afghane aux yeux verts devenue la Joconde de la photographie, se révèle la cohérence d’une œuvre : la puissance de la couleur, la précision de la composition et l’intensité des visages.
Steve McCurry s’est imposé dans l’histoire de la photographie par ses reportages, mais son travail s’inscrit aujourd’hui dans un horizon plus large.

Avec Immersion, Polka invite à regarder autrement des photographies que le monde entier croit connaître. Une photographie de Steve McCurry ne raconte pas seulement le monde qu’il a traversé. Elle nous dit aussi quelque chose de notre manière de le regarder.

Patria Nostra est un projet photographique d’auteur qui aborde la notion de masculinité à travers l’enregistrement visuel de la Légion étrangère en France, formée d’individus qui ont laissé derrière eux leur pays, leur culture, leur langue et leurs êtres chers dans l’espoir d’une nouvelle vie. L’autrice a recours au genre du portrait pour aborder la singularité de l’identité dans le domaine militaire. Ainsi, la représentation du visage comme symbole de l’individu se retrouve confrontée à une image collective construite par l’anonymat de quelques-uns de ses membres.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

La pratique de Marie Quéau interroge la frontière entre documentaire et fiction : attentive à la dimension descriptive des sujets, elle s’en écarte toujours pour révéler zones de trouble et aussi à… La pratique de Marie Quéau interroge la frontière entre documentaire et fiction : attentive à la dimension descriptive des sujets, elle s’en écarte toujours pour révéler zones de trouble et ambiguïtés, empruntant aussi bien à l’imaginaire collectif qu’à la science-fiction.Les séries Fury, Le Royaume et Odds.

Cette exposition s’inscrit au sein du parcours Photographie dans les galeries d’art, organisé par le [Comité Professionnel des Galeries d'Art](https://www.comitedesgaleriesdart.com/).

La galerie Les filles du calvaire présente la première exposition personnelle de la photographe française Julie Joubert au premier étage de son espace historique, 17 rue des Filles du Calvaire. Patria Nostra_, est le fruit de trois années d'immersion au sein de la Légion étrangère française. Avec cette série, elle a remporté le Prix du public du Prix Découverte Fondation Louis Roederer de la 57e édition des Rencontres d'Arles. À travers un ensemble de photographies réalisées dans plusieurs de ses structures, Julie Joubert documente le parcours des jeunes recrues, de leur sélection à leur intégration dans les régiments opérationnels. Au-delà de l'institution militaire, son travail interroge les notions de déracinement, d'appartenance et de reconstruction de soi, en révélant les trajectoires individuelles qui se dessinent derrière l'uniformité imposée des corps.

Ce projet a été réalisé dans le cadre de la commande photographique nationale des Regards du Grand Paris, Ateliers Médicis et le Centre national des arts plastiques.

La série Patria Nostra de Julie Joubert fera en parallèle l'objet d'une publication aux Éditions (https://loosejoints.biz/)

Une exposition inédite consacrée à Paul Cezanne (1839-1906) et à son héritage artistique. De Paul Gauguin à Henri Matisse, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Joan Mitchell, Bridget Riley et Peter Doig,… À la fin des années 1880, alors qu’il ne cherche plus à exposer, artistes et collectionneurs découvrent l’œuvre de Cezanne dans la boutique du père Tanguy. Ils y trouvent une radicalité formelle qui les conforte dans leurs recherches d’un art « pur », déjà engagé sur la voie de l’abstraction.

Par la suite, Cezanne accède progressivement à la reconnaissance et la réception de son œuvre devient foisonnante. Des premières expositions monographiques organisées par le marchand d’art Ambroise Vollard aux grandes manifestations muséales et internationales, ainsi que les premières grandes expositions posthumes comme le Salon d’automne en 1907, il s’impose comme une figure majeure de la modernité.

Son œuvre devient un point de référence pour les avant-gardes du 20e siècle, qui interrogent le rapport entre peinture et réalité et trouvent dans l’idée selon laquelle « l’art est une harmonie parallèle à la nature », un outil de réflexion essentiel.

À partir de Cezanne, le triomphe de l’art moderne et celui du formalisme, ou la réduction de la peinture à ses éléments fondamentaux de composition, ne cessent d’être travaillés ou dépassés. Paul Gauguin, Henri Matisse, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Joan Mitchell, Bridget Riley, Peter Doig… De l’abstraction lyrique à l’abstraction géométrique, en passant par la peinture « hard edge », Cezanne demeure une référence constante, parfois revendiquée, parfois réinterprétée, toujours discutée. À l’heure du post-modernisme, son statut de « père de l’art moderne » continue d’être interrogé.

Cezanne et nous_ est la première exposition à raconter simultanément cette double histoire : celle de son influence fondamentale et celle, à contre-courant, des artistes qui se sont revendiqués de lui. L’exposition met en lumière une histoire complexe et plurielle, faite d’appropriations, de filiations et de tensions esthétiques. Elle invite à regarder Cezanne à travers les regards successifs qu’il a suscités, jusqu’à notre regard contemporain.

Exposition coproduite par le GrandPalaisRmn, le Centre Pompidou et l’établissement public du musée d’Orsay et du musée de l’Orangerie - Valéry Giscard d’Estaing_

Sur près de 1 800 kilomètres de littoral et à travers une quarantaine de langues, les Premières Nations du Nord-Ouest américain ont fait de leur art un langage sacré, peuplé d'esprits et de figures… Les Premières Nations du Nord Ouest américain ont développé, sans agriculture ni écriture, des sociétés sédentaires complexes fondées sur l’abondance des ressources naturelles : saumons, poissons chandelles, mammifères marins et vastes forêts de cèdres. Cette richesse a permis un mode de vie élaboré et une pensée originale.

Leur art, profondément lié à leur vision du monde, met en scène êtres prodigieux et animaux esprits tel Corbeau, créateur et ancêtre des clans. Ces figures, garantes d’histoires et de droits ancestraux, ornent mâts héraldiques (totems), maisons, masques, vêtements et objets quotidiens. Leur production suit des règles symboliques et stylistiques précises, faisant de cet art un langage sacré.

Au 18ᵉ siècle, lors des premiers contacts avec les Européens, ces peuples formaient une mosaïque de clans où la filiation se transmettait le plus souvent par les femmes. Droits, savoirs et obligations structuraient un vaste réseau social qui reliait les communautés bien au-delà du cadre de chaque village.

Leur pensée et leurs créations ont profondément marqué anthropologues et artistes, de Boas et Lévi Strauss aux surréalistes comme Max Ernst et André Breton. Aujourd’hui, leurs traditions artistiques et spirituelles demeurent vivantes, témoignant d’un héritage exceptionnel.

Le Petit Palais invite Prune Nourry à investir l’ensemble du musée pour mettre en lumière, dans son exposition « Visionnaires », des femmes sculptrices méconnues ou oubliées par l’Histoire de l’art. À la demande de l’artiste, trois historiennes de l’art ont mené des recherches pendant un an afin de rassembler les écrits et les portraits photographiques de dix-huit sculptrices de la fin du XIXe et du début du XXe. Parmi elles, figurent Käthe Kollwitz, Nancy Elizabeth Prophet, Hélène Bertaux, Jane Poupelet, Consuelo de SaintExupéry, Selma Hortense Burke, Daria Gamsaragan ou encore Sarah Bernhardt. Inspirée par la qualité artistique de leurs œuvres et la force de leur engagement, Prune Nourry a sculpté le portrait de ces dix-huit femmes « visionnaires ». Prune Nourry rend ainsi visible la place des femmes comme créatrices.

L’exposition se déploie dans l’ensemble des collections du Petit Palais, de l’esplanade extérieure du musée jusque dans le jardin.

Sur le parvis, Mothership_, figure hybride entre une femme enceinte et la coque d’un bateau en métal rouillé, introduit l’exposition. De la galerie des sculptures au Pavillon nord, les dix-huit nouveaux portraits créés pour le Petit Palais ravivent la mémoire de sculptrices du passé. Prune Nourry prolonge le parcours en faisant dialoguer en regard des collections permanentes, une vingtaine de ses œuvres précédentes, des Holy Daughters_ aux Vénus_.

À la manière d’un jeu de piste, les visiteurs partent à la découverte des yeux en marbre blanc aux pupilles noires incrustés dans les bustes en plâtre de Prune Nourry comme dans les socles des œuvres du Petit Palais, créant un dialogue visuel entre les deux. Ces yeux de pierre, inspirés de la statuaire polychrome du Petit Palais, invitent à un regard croisé sur les différentes époques présentes dans le musée, de l’antiquité à nos jours.

L’artiste choisit le plâtre, comme matériau principal, en écho à la collection du musée dont près de 70% des sculptures sont des “plâtres d’atelier”. Ces tirages n’étaient pas destinés aux musées et pourtant, ils ont traversé le temps là où les versions en bronze ont été détruites. Prune Nourry joue également avec l’échelle : ses nouveaux bustes s’échelonnent de 70 cm à 3,50 m de hauteur, tandis que ses œuvres antérieures vont de 20 cm à 27 m de longueur, faisant de l’exposition un espace où le corps féminin se déploie dans toutes ses dimensions.

Dans le monde de l’art, les femmes ont longtemps été cantonnées à des rôles de modèles ou de muses, réduites à des corps scrutés par un regard masculin. Leur disparition des récits institutionnels et de la sculpture en particulier, ne tient pas à une absence d’œuvres mais à un effacement structurel. Freinées par les normes sociales et un accès limité à la formation, elles ont dû s’imposer dans un milieu dominé par des figures masculines. La collection du Petit Palais en porte la trace : omniprésentes comme sujets, corps modèles, idéalisés, allégorisés, les femmes y demeurent largement absentes comme créatrices. Sur l’ensemble des œuvres de la collection, à peine 4 % ont été réalisées par des artistes, dont seulement 4 sculptrices représentées. L’exposition est l’occasion de valoriser leurs œuvres en regard de leurs portraits.

Les sculptrices de la fin du XIXe et du début du XXe siècle constituent ainsi une génération pionnière. Visionnaires, elles ouvrent la voie. Pourtant, malgré l’essor de la photographie, leurs visages demeurent difficiles à se représenter. Prune Nourry s’inscrit dans cette généalogie vivante. Elle prolonge l’héritage de ces sculptrices en leur redonnant visibilité et affirme, par sa pratique comme par sa démarche de transmission, son engagement en faveur de la reconnaissance des femmes dans l’histoire de la sculpture.

Organisée au même moment et au sein du même espace que l’exposition monographique consacrée au peintre Francisco de Zurbarán (1598-1664), ce qui permet de ménager des jeux de regards grâce à une scénographie conçue conjointement, l’exposition invite à découvrir la sculpture espagnole du XVIIe siècle.

Présentée dans l’Auditorium du musée dans le cadre de l'exposition « Remember Me », cette œuvre prend la forme d’un dialogue visuel entre universalité et intimité, et relit le célèbre syndrome de Stendhal, illustrant ce moment vertigineux où la beauté, dans toute son intensité, peut mener à l’évanouissement.

À l’occasion du bicentenaire de la photographie, sera mise en lumière une facette peu connue du célèbre photographe et portraitiste Nadar, celle de l’inventeur prolifique qui a documenté Paris «… Dans le cadre de la rénovation récente du site, les Catacombes de Paris proposent désormais un nouveau parcours de visite complété par un programme d’expositions temporaires, mettant en lumière l’histoire singulière de ce site, célèbre dans le monde entier mais encore relativement méconnu des Français et Franciliens.

Présentées chaque automne dans l’espace d’accueil ou dans le parcours souterrain, ces expositions ont pour objectif d’approfondir différentes thématiques, périodes ou événements marquants grâce à des approches artistiques, historiques ou techniques et d’enrichir ainsi l’expérience de visite.

Nouveaux regards

Inscrit dans le cadre du Bicentenaire de la photographie, ce premier accrochage rend hommage au rôle pionnier de Félix Tournachon, dit Nadar (1820-1910). Entre 1858 et 1868,prenant Paris comme terrain privilégié de ses nombreuses expérimentations souterraines comme aériennes, Nadar a en effet profondément bouleversé l’usage de la photographie, en relevant d’immenses défis techniques.

Les photographies qu’il réalise dans les Catacombes, dont une vingtaine ont été acquises par Paris Musées en 20231, en constituent un témoignage exceptionnel. Premières images souterraines réalisées grâce à la lumière électrique, procédé dont Nadar est l’inventeur, elles constituent également les premières images connues du site.

En introduction à la visite du site des Catacombes, l’accrochage présente un ensemble d’une quinzaine de reproductions de ces photographies réalisées par l’artiste dans l’ossuaire en 1862 puis dans les égouts de Paris en 1865, mises en regard avec les premières vues aériennes de Paris immortalisées en 1868 depuis un ballon.

En raison de la grande fragilité des tirages et documents originaux, l’exposition présente uniquement des reproductions. Complétées par des archives (reproductions de brevets, affiches publicitaires, dessins et caricatures), ces images témoignent du rôle majeur de Nadar dans la formation de l’imaginaire de la Ville Lumière.

Les Catacombes révélées

D’abord auteur puis dessinateur et caricaturiste, Nadar est passé à la postérité comme un grand photographe portraitiste. Doté d’un tempérament curieux, il s’intéresse à toutes les avancées scientifiques et techniques de son époque. Il dépose plusieurs brevets et multiplie les expérimentations.

En 1861, Nadar dépose son brevet de photographie à la lumière électrique. Ernest Lamé- Fleury, l’inspecteur des carrières en charge des Catacombes, a alors l’idée de l’inviter à expérimenter son invention dans les profondeurs de Paris. Nadar accepte le défi technique en 1862 et passe trois mois à réaliser des dizaines d’images à vingt mètres sous terre dans des conditions inédites. La période est propice : autour de 1860, d’importants transferts d’ossements ont eu lieu dans l’ossuaire en raison des travaux haussmanniens qui remodèlent Paris. Nadar documente ces travaux en photographiant les nouveaux murs d’ossements édifiés par les carriers.

Il s’agit d’un moment important de l’histoire des Catacombes : celui où l’image fantasmée du site, diffusée par des dessinateurs et des graveurs qui n’y avaient parfois jamais mis les pieds, cède la place au rendu fidèle et incontestable des photographies. Les images présentées révèlent, souvent à la lisière des cadrages, l’équipement complexe (câbles, trépieds, lampes, bouteilles de produits chimiques) et rappellent les défis matériels qu’une telle entreprise implique.

Il reproduit ce dispositif dans les égouts de Paris en 1865, offrant ainsi un regard inédit sur la ville : celui de ses entrailles et de ses infrastructures modernes.

La conquête du ciel

En parallèle, Nadar envisage d’associer photographie et navigation aérienne. C’est en 1858 qu’il dépose sa demande de brevet de « photographie aérostatique…

Organisée dans le cadre des célébrations du bicentenaire de la naissance de la photographie, cette exposition retrace, à travers 300 œuvres — dont 250 tirages photographiques, majoritairement en… L’exposition en bref

Dès la fin des années 1960, la Bibliothèque nationale de France s’est imposée comme l’une des premières institutions occidentales à s’intéresser à la photographie japonaise moderne et contemporaine. Forte déjà d’un remarquable ensemble d’estampes japonaises des XVIIe au XIXe siècles, elle a progressivement élaboré une collection photographique exceptionnelle.

Conservé au [département des Estampes et de la photographie](https://www.bnf.fr/fr/departement-estampes-et-photographie), ce fonds rassemble près de 4 000 tirages réalisés par quelque 200 artistes et reporters, ainsi qu’une centaine de revues et d’ouvrages emblématiques retraçant l’histoire de la photographie japonaise depuis 1945. Cet ensemble, parmi les plus importants du monde occidental, s’est constitué avec la complicité de photographes japonais installés en France dans la seconde moitié du XXe siècle et devenus les ambassadeurs de l’extraordinaire effervescence créative de leur archipel.

Cette grande exposition rassemble une centaine d’artistes : des auteurs désormais largement reconnus sur la scène internationale, mais aussi d’autres figures dont les démarches et les styles méritent d’être découverts.

L’originalité de la collection photographique japonaise de la BnF réside également dans les grands axes thématiques et esthétiques qui la traversent. Tantôt ancrée dans le réel, à travers des reportages consacrés au monde rural, aux fêtes, aux rituels ou à l’expansion urbaine et économique, tantôt théâtrale, fantaisiste ou poétique, la photographie japonaise accorde une place essentielle aux sensations et aux atmosphères. Elle se déploie dans des œuvres alliant une remarquable simplicité de composition à une grande sophistication de tirage.

Face au réel

La photographie de reportage et son réalisme occupent une place prépondérante dans la production d’après-guerre, comme en témoignent les reportages d’Hiroshi Hamaya, les séries d’Hiromi Tsuchida ou encore celles de Yoko Yamamoto, contribuant à reconstruire un socle national commun où se mêlent résilience après le traumatisme nucléaire, intérêt pour les coutumes ancestrales et aspiration à la modernité.

Étrange quotidien

Les œuvres plus intimistes, notamment signées des auteurs du courant de la Konpora Shashin tels que Shigeo Gocho ou Tokuko Ushioda, produisent dans les années 1960-1980 les instantanés d’une expérience ordinaire. Par la composition, le cadrage ou du fait de rencontres inattendues, la banalité se teinte alors d’étrangeté.

Corps mis en scène

Les mises en scènes théâtralisées dues à Shoji Ueda, Eikō Hosoe et ses élèves ou encore Yuki Onodera et Mami Kiyoshi, dévoilent l’influence de l’univers très visuel des arts du spectacle traditionnels du Japon. Cette partie rassemble un grand nombre de recherches et d’expérimentations photographiques autour de la direction des corps.

Bonjour Paris !

De nombreux photographes japonais présents dans la collection de la BnF ont tourné leur regard vers Paris, comme Ihei Kimura, Yoshi Takata, Keiichi Tahara, Mamoru Sakamoto ou Jun Shiraoka, venus travailler voire vivre dans la capitale française. Ces points de vue, qui oscillent entre curiosité et fantasmes, recherche d’archétypes et de références connues, souci de saisir le particulier et rejet de tout exotisme, traduisent les allers-retours féconds entre les deux cultures.

Calligraphies du monde

La figure humaine laisse la place au règne des formes, influencé par l’art oriental de la calligraphie et un minimalisme associant, comme chez Shōmei Tōmatsu, Yasuhiro Ishimoto, Takehiko Nakafuji et jusqu’à Sayuri Ichida, la quête d’une épure et l’excellence des effets de contrastes.

Sensible et impalpable

Se déploie dans cette partie un univers de sensations et d’atmosphères, des paysages ténébreux…

Pop Art Car 2.0 - Du 24 septembre 2026 au 31 janvier 2027. Après une première édition remarquée, Renault présente Pop Art Car 2.0, une exposition inédite au croisement de l’art contemporain, du design automobile et des nouvelles technologies. Jusqu’au 31 janvier 2027, le défilé Renault® transforme les Champs-Élysées en galerie à ciel ouvert et dévoile une sélection d’œuvres historiques, de créations numériques et de voitures pensées comme de véritables œuvres d’art.

Quand le Pop Art rencontre le numérique. Le parcours met à l’honneur deux artistes français, Sébastien Preschoux et Popay, invités à repousser les limites de leur pratique grâce à des algorithmes conçus spécialement à partir de leurs univers artistiques. Leurs œuvres inédites, pensées pour être en mouvement, prennent vie sur les grands écrans du défilé renault® et offrent une nouvelle lecture de la culture pop contemporaine, nourrie par les images numériques, l’intelligence artificielle et les tendances diffusées par les réseaux.

Pop Art Car 2.0 fait également dialoguer art et design automobile avec la Renault 8 Gordini Concept, dévoilée en avant-première mondiale, qui réinterprète la mythique « Gorde » dans une version contemporaine inspirée de la tendance café racer. Ses lignes épurées, ses clins d’œil au modèle original de 1964 et sa célèbre double bande blanche revisitée rendent hommage à l’héritage sportif de Renault tout en projetant cette icône dans le futur.

Renseignements :

Le défilé renault®, 53 Champs-Élysées, 75008 Paris

Réservation gratuite sur le site du défilé renault®.

Dates et horaires

Du jeudi 24 septembre 2026 au dimanche 31 janvier 2027 - de 10h00 à 22h00

Deux regards, une décennie d'écart : les tout premiers clichés de la Polynésie française ressurgissent, signés d'un chirurgien de marine méconnu et d'un photographe déjà reconnu. Une redécouverte… En 2023, le musée a acquis un ensemble exceptionnel de photographies, premières images réalisées en Polynésie françaises entre 1859 et 1870. Elles sont l’œuvre de deux officiers de marine, Gustave Viaud et Paul Émile Miot, dont les approches complémentaires offrent un témoignage rare sur un territoire encore très peu photographié à l’époque.

Les négatifs sur papier de Gustave Viaud, produits entre 1859 et 1862, constituent un corpus inédit, longtemps conservé dans la famille Loti Viaud puis par un collectionneur privé. Frère aîné de Pierre Loti, Viaud joue un rôle majeur dans la naissance du goût de l’écrivain pour l’ailleurs, mais il est aussi un pionnier discret de la photographie. Installé à Tahiti comme chirurgien de marine, il expérimente rapidement ce nouveau médium. Ses images, entre paysages maîtrisés, scènes topographiques familières et effets subtils du vent sur la végétation, révèlent un véritable sens de la composition. Il réalise également en 1859 un portrait remarquable de Teriimaevarua II, reine de Bora Bora.

Dix ans plus tard, Paul Émile Miot, officier déjà reconnu comme photographe accompli, séjourne à Tahiti et aux Marquises. Utilisant le négatif sur verre au collodion, il capture côtes, paysages et visages de la société polynésienne, notamment la famille royale. Son regard précis, presque moderne, confère à ses compositions une force singulière.

Réunies, ces deux séries composent un matériau visuel saisissant, antérieur au développement massif de la photographie dans ces archipels. L’exposition propose de mettre en avant la beauté graphique des négatifs, tout en présentant agrandissements, positifs et tirages anciens. Les images de Viaud restées presque totalement inédites, et celles de Miot, jamais montrées dans une exposition dédiée jusqu'ici, dialoguent pour la première fois dans un même parcours.

Cet automne, le Palais Galliera présente l’exposition « Un vestiaire à soi. Féminités dissidentes au 19e siècle » et met en lumière un phénomène encore largement méconnu : l’appropriation, par les… Pensée comme une réponse aux approches souvent normatives de la féminité dans les expositions de mode, Un vestiaire à soi. Féminités dissidentes au 19e siècle entend combler un manque important dans l’histoire de la mode. L’exposition dévoile comment l’adoption de plus en plus prononcée des codes du vestiaire masculin accompagne une volonté de transformation profonde de la place des femmes dans la société du 19e siècle, notamment en France et dans le monde anglo-saxon.

Riche de près de 500 œuvres, l’exposition présente de nombreuses pièces de mode et des accessoires emblématiques : costumes d’amazone, pantalons, costumes tailleurs, cravates, nœuds, hauts-de-forme… L’exposition révèle également un ensemble exceptionnel et jamais exposé jusqu’ici : la garde-robe de Rosa Bonheur, dévoilée dans son intégralité. Le parcours donne une place de choix à l'iconographie, avec une sélection de peintures, d’affiches de mode et 150 photographies amateur inédites, rassemblées pour l’occasion. Cette confrontation entre silhouettes et images offre une meilleure appréhension des significations culturelles et sociales des modes de l’époque, et souligne combien la masculinisation de la mode féminine questionne les binarités de genre qui structurent la société du 19e siècle.

L’exposition a pour ambition de renouveler le regard sur l’évolution de la mode féminine du 19e siècle. Des femmes portant le costume masculin aux modes du Paris artistique et lesbien de 1900, en passant par les femmes actives en tailleur et bottines, elle interroge l’impact des expressions dissidentes de la féminité et la manière dont elles ont contribué à redéfinir les garde-robes féminines de cette période. Le parcours fait dialoguer des figures historiques majeures, de Marie-Antoinette à Natalie Clifford Barney, de George Sand à Rosa Bonheur avec une multitude d’anonymes révélées par la photographie vernaculaire, invitant à s’identifier et à s’approprier cet héritage. Au-delà de son ancrage historique, l’exposition entre en résonance avec des enjeux contemporains et invite à une réflexion sur la place du vêtement et de la mode dans la transformation des identités et des rôles sociaux, au 19e comme au 21e siècle.

Pendant près d’un siècle, de 1873 à 1972, le cirque fait battre le coeur de MontmartreÀ quelques pas des ateliers du Bateau-Lavoir, le Cirque Fernando, devenu par la suite le Cirque Medrano,…

Les images du changement climatique inscrites dans l'œil collectif illustrent le plus souvent des phénomènes extrêmes touchant des lieux emblématiques du globe. Peu d’entre eux sont des sites les du … Les images du changement climatique inscrites dans l'œil collectif illustrent le plus souvent des phénomènes extrêmes touchant des lieux emblématiques du globe. Peu d’entre eux sont des sites français. Pourtant, les effets du changement climatique sont visibles et mesurables au plus près de nous.
Météo-France organise depuis 2021, en partenariat avec le magazine Géo, un grand concours photo sur le changement climatique en France. Les meilleurs clichés, sélectionnées par un jury composé de membre de la rédaction de Géo et de climatologue de Météo-France, font l’objet d’une exposition pédagogique itinérante.
A partir de septembre 2026, les territoires ultramarins de Guadeloupe, Martinique, Guyane, La Réunion et Mayotte sont à l'honneur. Venez découvrir cette sélection des photographies les plus marquantes prises en outre-mer, issues des cinq premières éditions du concours.