Que faire aujourd'hui à Aulnay-sous-Bois ?

Pour célébrer le Bicentenaire de la Photographie, la RATP et Fisheye Magazine s’associent à l'AFP, agence mondiale d’information, pour dévoiler l’âge d’or du photojournalisme. En explorant le fonds mythique de l'agence, qui diffuse 3000 photos par jour, ce parcours expose des tirages originaux aux versos annotés et révèle la « physique de l’information » : un patrimoine brut, témoin de notre histoire, partagé avec les voyageurs au cœur de leurs trajets quotidiens

La Saison Cabaret initiée et soutenue par le ministère de la Culture s’inscrit pleinement dans la dynamique de renforcement de la visibilité et de la connaissance de ce secteur impulsée en 2025 dans le cadre du Plan cabaret. Elle se déploie en fédérant des acteurs culturels publics et privés à travers
diverses manifestations du 18 septembre au 18 décembre 2026 dans l’ensemble du territoire métropolitain et en Martinique, Guadeloupe et Guyane.
L’objectif de la Saison Cabaret est avant tout de visibiliser les cabarets et leurs multiples projets mais également de montrer sa richesse et sa diversité, ainsi que de développer un regard sur ses évolutions et son histoire à travers une programmation diverse, ouverte et conviviale portée par de très nombreuses structures culturelles. Les fils rouges de la Saison Cabaret sont : le cancan, les créatures / personnages de cabaret, les ambassadeurs et ambassadrices de la Saison Cabaret. Ils prennent appui sur les fondamentaux du Plan Cabaret porté par le ministère de la Culture s’articulant autour des enjeux de soutien à la création, de valorisation du patrimoine et de renforcement de la connaissance du cabaret dans ses multiples formes.
Dans le cadre de la Saison Cabaret, l’exposition photographique Cabaret(s) – Histoire d’une transmission vivante propose un parcours entre archives et créations contemporaines, entre mémoire et regard d’aujourd’hui, pour raconter un art en perpétuelle évolution. Des grandes revues aux scènes actuelles, elle explore ce
qui se transmet — gestes, savoir-faire, spectacles, personnages et imaginaires — et la manière dont chaque génération s’en empare pour faire vivre, transformer et réinventer le cabaret à travers les territoires.

Le Ballon Generali de Paris a (enfin) réouvert, rendez-vous au parc André Citroën pour admirer la capitale de haut ! À la recherche d’une sortie originale pendant les vacances de printemps ? Direction le Ballon Generali de Paris, dans le 15e arrondissement, pour une expérience à la fois spectaculaire, ludique et instructive : admirer la capitale à 150 mètres de hauteur tout en découvrant, en douceur, les enjeux liés à la qualité de l’air et au réchauffement climatique grâce aux outils scientifiques embarqués à bord

Le Ballon Generali de Paris : une vue unique à 360° sur la capitale

Voir Paris autrement, sans quitter la ville. Installé dans le Parc André Citroën, le Ballon Generali offre l’une des vues les plus impressionnantes de la capitale.

En quelques minutes, les visiteurs s’élèvent jusqu’à 150 mètres de hauteur pour profiter d’un panorama à 360°, avec une visibilité pouvant atteindre 50 km par temps clair. Tour Eiffel, Montparnasse, les Invalides, … Tout se dévoile dans une perspective rare.

Mais l’expérience ne se limite pas à la vue. Le Ballon Generali est aussi un véritable laboratoire volant, équipé d’instruments permettant de mesurer la qualité de l’air et certains indicateurs liés au climat.

Une façon simple et concrète de mêler plaisir et compréhension des enjeux environnementaux


Ballon de Paris Generali ; Crédits : Ballon de Paris Generali

Un laboratoire volant

Au-delà d’offrir une expérience unique pour admirer la capitale à 150 mètres de haut, il ambitionne, en tant que laboratoire volant scientifique, d’éveiller les consciences sur le réchauffement climatique, de développer la culture de la prévention des visiteurs et des visiteuses afin de tendre à réduire leur exposition aux risques.

Côté qualité de l’air, son Loac (Light Optical Aerosol Counter), instrument de pointe installé sur la nacelle, continue également à mesurer 24 heures sur 24 la quantité de particules fines dans l’air jusqu’à 300 mètres d’altitude. Il mesure également en continue l’ozone grâce à un instrument du Lisa (CNRS) et les pollens en collaboration avec Lify air. Ces mesures contribuent aux recherches sur les impacts de la qualité de l’air sur la santé et à une meilleure connaissance des polluants dans l’atmosphère.

Côté réchauffement climatique, il va permettre à des chercheurs et chercheuses d'approfondir leurs connaissances sur les gaz à effet de serre en ville en mesurant les niveaux de CO2 et de CH4 dans l’atmosphère, du sol jusqu’à 300 mètres.

Des nouveaux tarifs pour les seniors et les jeunes

Bonne nouvelle pour les familles élargies et les groupes d’amis : le Ballon Generali propose désormais un tarif réduit pour les seniors (65 ans et +) et les étudiants :
16 € au lieu de 20 € (-20 %)
Valable toute l’année, du lundi au vendredi, de 9h à 13h, sur présentation d’un justificatif.

Une offre pensée pour encourager les sorties intergénérationnelles pendant les vacances de printemps mais aussi, tout le reste de l’année : grands-parents, étudiants, familles ou visiteurs de passage… Tout le monde peut prendre de la hauteur !

Le Ballon Generali de Paris peut être fermé sans préavis, notamment en cas de conditions météorologiques défavorables. Avant votre visite, vérifiez en temps réel (https://ballondeparis.com/infos-pratiques "Ouverture dans un nouvel onglet").
Dernier vol à 19h45.

Retracez l'histoire de la ville de Bussy, du petit village de 500 habitants, à la ville nouvelle que nous connaissons aujourd’hui.

Quel meilleur endroit que le Musée en Herbe — lieu ludique, joyeux et intergénérationnel — pour célébrer les 30 ans de Pokémon ? Munis d’un jeu de piste et coiffés d’un masque Pokémon, les enfants (et les grands enfants !) entament leur visite par un retour aux origines de la saga. Direction 1996: naissance d’un phénomène mondial, une véritable Pokémania qui, depuis près de trente ans, rassemble toutes les générations.

La première partie de l’exposition se déploie comme une capsule temporelle immersive, plongeant les visiteurs dans les années 1990. On y découvre le portrait de son créateur, Satoshi Tajiri, les toutes premières cartes japonaises et françaises, des dessins préparatoires du dessin animé, ainsi que des boosters et goodies vintage devenus cultes. Des Game Boy géantes permettront même de rejouer aux tout premiers jeux Pokémon.

L’exposition explore ensuite l’influence profonde de la culture japonaise sur l’univers Pokémon. Masques de yōkai, estampes et sculptures dialogueront avec leurs équivalents issus du jeu, révélant les liens étroits entre folklore, spiritualité et imagination contemporaine. Les visiteurs pourront ainsi s’amuser des ressemblances entre Ludicolo et le Kappa, Barbicha et le Namazu, ou encore Tengalice et le Tengu.

Des clins d’œil à l’histoire de l’art jalonnent également le parcours : Alphonse Mucha, Piet Mondrian, Edvard Munch ou Vincent van Gogh ont été subtilement détournés par les illustrateurs de cartes Pokémon. Leurs œuvres dialogueront avec ces facétieuses créatures dans un jeu de miroirs inattendu.

L’exposition mettra aussi à l’honneur des artistes contemporains qui rendent hommage à la pop culture japonaise et à l’univers Pokémon, soulignant combien les frontières entre art, jeu vidéo et culture populaire sont désormais poreuses. Takashi Murakami en est l’un des exemples les plus emblématiques ; Jean-Michel Basquiat rendait déjà hommage à Gigantor au début des années 1980.

Enfin, le parcours s’achève sur une sélection d’œuvres montrant comment l’imaginaire Pokémon continue d’inspirer la création contemporaine. Daniel Arsham, Katherine Bernhardt, Brusk, Hervé Di Rosa, Erró, David Heo, Thimothée Humbert, Mwoaa, Onemizer ou encore Speedy Graphito offrent à ces personnages légendaires une nouvelle évolution artistique.

Pinault Collection présente dans la Rotonde et les vingt-quatre vitrines de la Bourse de Commerce une exposition de l'artiste américaine Barbara Kruger, « The History of Tears ». Conçue spécifiquement pour la Rotonde et les vitrines du musée, l'exposition « The History of Tears » (« L’histoire des larmes », en français) de Barbara Kruger confronte les visiteurs à un flux ininterrompu de mots, de phrases et d’injonctions, de séquences filmées et de voix.

Au cœur du musée, les murs courbes de Tadao Ando deviennent le support de citations monumentales empruntées notamment aux œuvres littéraires 1984_ (1949) de George Orwell et Cahier d’un retour au pays natal_ (1947) d’Aimé Césaire, tandis que les vingt-quatre vitrines du Passage, transformées en boîtes lumineuses, scandent l’espace d’injonctions éclatantes écrites par Barbara Kruger (née en 1945).

À cet ensemble viennent se mêler deux vidéos, réinstallées aujourd’hui dans ce nouveau dispositif. Réalisée et montée par l’artiste au Wexner Center for the Arts de Columbus (États-Unis), Power, Pleasure, Desire, Disgust_ fut présentée pour la première fois en 1996 avant d’être montrée à plusieurs reprises dans différents contextes, toujours liés à un environnement textuel. Les œuvres confrontent le visiteur à une succession de visages, de regards et de paroles où se mêlent désir, domination, peur et violence. Entre saturation verbale et immersion visuelle, Barbara Kruger compose une œuvre totale où l’intime et le politique, le corps et le langage, se heurtent dans un tourbillon hypnotique dont la portée résonne aujourd’hui avec une saisissante acuité.

« Un infini déluge des yeux. Une fontaine de perte et de peur. Mais aussi de pouvoir, de plaisir, de désir et de dégoût. Un réservoir qui s’emplit à travers la domination et la conquête, sur le plan mondial comme à l’échelle domestique. Une fontaine qui jaillit dans des moments de grande violence et de brutalité, mais aussi au cœur des cruautés les plus intimes. Elle peut être triomphaliste par son ampleur, ou bruiner, tel un mélodrame mesquin émaillé de caricatures de séduction et de rejet grotesques. C’est une production corporelle à la fois mémorisée et oubliée. C’est un corps en larmes, perdu au milieu des décombres de batailles menées pour l’argent, la terre, l’amour et d’autres corps. Cartographier cette fontaine émotionnelle, l’inscrire dans son contexte historique, conduit à dire la lutte profonde entre les puissants et les démunis, les aimés et les mal-aimés, les gagnants et les perdants. Cela laisse transparaître la honte, la fierté, la conviction et le doute d’une manière intensément menaçante et tragiquement comique. Cela peut nous montrer et nous dire comment nous étions, comment nous sommes et comment nous serons les uns envers les autres. »

— Barbara Kruger,
à propos de « The History of Tears ».

Commissariat : Matthieu Humery, conseiller en photographie auprès de la Collection Pinault, avec la collaboration de Lola Regard, chargée de projets.

Du jeudi 12 novembre au jeudi 31 décembre 2026 Le dimanche de 11h à 21h30, Le samedi de 10h à 23h, Le vendredi de 11h à 23h et Du lundi au jeudi de 11h à 21h Cet évènement fait partie de Marchés de Noël 2026 : le calendrier complet

Et si la Grande Guerre se racontait en couleurs ? Explorez la nouvelle exposition «Couleurs de guerre», une exposition d’intérêt national qui révèle comment les couleurs ont marqué le conflit; des uniformes aux…

Au dernier étage de la Fondation, Lafayette Anticipations présente Vivresse, la première exposition institutionnelle en France consacrée à l’artiste Hélène Fauquet. Vivresse_ - contraction de vie et d’ivresse - invite à découvrir un état où force vitale et désir ne feraient qu’un. L’œuvre singulière d’Hélène Fauquet illustre une tension entre des formes ornementales et une dimension conceptuelle à la lisière du surréalisme.
Son travail récent explore les thèmes de l’ornement et de l’art, de la nature et de l’artifice, ainsi que de l’histoire et du présent. La coquille a jaugé l’œuvre et est prête à l’absorber.

Les sculptures d’Hélène Fauquet explorent les coquillages et les questions que leurs formes soulèvent. La genèse de ces sculptures repose sur le geste d’oblitérer ses photographies avec un objet tridimensionnel - le coquillage. Encadrés de manière glamour, ces objets dégagent l’attrait scintillant de niches opalines. Les cadres dépassent leur fonction de simple dispositif de présentation pour devenir un seuil vers un espace sensible et symbolique.

Son travail s’intéresse aux résidus de la photographie et au mouvement des images. Dans son exposition récente Phenomena_ au Kunsthaus Glarus en Suisse, elle développe une approche phénoménologique de la perception et réfléchit à la manière dont l’information est stockée.

Lafayette Anticipations présente la première exposition monographique institutionnelle en France du peintre japonais Yu Nishimura. Elle réunit un corpus d'une cinquantaine d’œuvres du dessin à la… L’exposition_Towards a Sea_ met en lumière les explorations de l’artiste autour du paysage, un espace habité de présences et souvent bordé par la mer. Vue depuis la fenêtre d’un train, dissimulée par des arbres ou des maisons, la mer accompagne Nishimura depuis son enfance. Pensée comme une promenade méditative, l’exposition est traversée de figures humaines et animales, de motifs végétaux et minéraux qui se superposent à l’élément marin. Dans ses œuvres, comme dans nos souvenirs, l’imaginaire s’additionne au réel dans des représentations énigmatiques, où les lieux imprègnent et hantent les figures.

Travaillant l’huile et la tempéra, Nishimura transpose à la peinture des principes photographiques et cinématographiques, tout en revisitant les genres picturaux occidentaux que sont le portrait, le paysage et la nature morte. Par des effets de flou et de superposition, il insuffle aux œuvres une dimension onirique et évanescente, qui les teinte d’une certaine étrangeté. Attiré par plusieurs détails tout à la fois, l'œil glisse d’un motif à l’autre, d’un portrait en gros plan à une silhouette en pied, d’un visage humain à une tête animale, d’une roue de vélo aux reflets des nuages dans la mer.

Towards a Sea_ témoigne de l’attention que l’artiste porte à la beauté de l’ordinaire et de l’infime, à la dimension mystérieuse et complexe des êtres et des choses. Chaque œuvre parle de la fugacité de ce qui nous entoure et de ce qui nous traverse, saisissant un monde en suspens.

Commissaire : Elsa Coustou

Visuel de couverture : (https://www.lafayetteanticipations.com/artiste/yu-nishimura), gaze_, 2023, huile sur toile, 145,5 × 112 cm. Courtesy l’artiste, Tantan Global Partners et Crèvecœur, Paris. Photo Alex Kostromin

Quittez la Terre pour explorer les enjeux de la conquête spatiale, en devenant tour à tour un voyageur, un explorateur, un acteur et un observateur de l’espace. L’exposition Mission spatiale vous offre un voyage dans le monde spatial d’aujourd’hui et de demain. Elle propose à chacun d’entrer dans la peau d’un spationaute et de vivre un rêve éveillé le temps d’une visite. Son parcours, structuré en cinq parties – explorer, voyager, transiter, séjourner, questionner – propose un état des lieux des recherches, des technologies et des réflexions autour des missions spatiales. Il permet à chacun de découvrir la réalité et la complexité de ce domaine pour mieux laisser entrevoir les opportunités que nous offre l’espace, mais aussi leurs limites.

Jardin des Tuileries Place de la Concorde / Rue de Rivoli, Paris 1e Du samedi 14 novembre 2026 au dimanche 3 janvier 2027 Tous les jours de 11h à 23h45

exposition Ayant acquis reconnaissance et légitimité au sein de l’univers de la haute couture française, Azzedine Alaïa eut plaisir, tout au long de sa carrière, à intégrer les inspirations d’un pays, d’un continent qu’il avait quitté tôt mais qui continua d’exercer sur lui une fascination profonde.
L’exposition « Azzedine Alaïa et l'Afrique » réunit pour la première fois les créations du couturier autour d’un sujet qui servit de guide à trois collections en particulier, celles du printemps-été 1988, 1989 et 1990. À la faveur de ces collections, le couturier entreprit de revisiter les couleurs naturelles, ficelle et mastic. Des coquillages et des raphias tressés il fit des robes, véritables paraphes des souvenirs d’un continent approché.
À travers une cinquantaine de modèles, ce sont les moucharabiehs de sa Tunisie natale que le couturier nous donne à apprécier dans ses robes chemises ajourées. Les blancs cotons comme la chaux répandues sur les maisons étincèlent. Les noirs profonds suggèrent d’autres allusions de vêtements. Les couleurs sable et terre des territoires subsahariens déploient une gamme chromatique à la fois infinie et maîtrisée. Allusion à l’Egypte, les robes bandelettes imposent une présence solennelle chargée d’histoire.
Au premier étage de la fondation, à côté du studio de création de Monsieur Alaïa, les photographies de son ami, Peter Beard sont exposées. Souvenirs d' un voyage commun en pays Masaï en 1996, elles évoquent ce séjour au Kenya dont le couturier revint débordant d’enthousiasme et d’émotion, retrouvant les contours d’un imaginaire à l’œuvre.
Site web :
[https://fondationazzedinealaia.org/expositions/34211/](https://fondationazzedinealaia.org/expositions/34211/)

Remontez le temps au cœur de l’Égypte antique dans une expérience de réalité virtuelle et rencontrez Cléopâtre, au cœur des alliances, trahisons et secrets qui ont bouleversé le destin de l’Égypte. Plongez plusieurs milliers d'années en arrière, au plus près de Cléopâtre, la dernière reine d'Égypte, dans une immersion totale en réalité virtuelle. Entre guerres de pouvoir, paysages grandeur nature et monuments colossaux, quittez le présent le temps d'une aventure aussi puissante qu'inoubliable. Arpentez le palais d'Alexandrie, naviguez sur le Nil et vivez des événements décisifs aux côtés de la reine, de Jules César et de Marc Antoine.
Ce qui vous attend :
Cléopâtre, une femme au destin hors du commun : dernière reine d'Égypte, stratège et souveraine redoutable dans un monde d'hommes
Des décors à couper le souffle. Redécouvrez l'Égypte telle qu'elle était il y a plus de 2000 ans : le palais d'Alexandrie, les pyramides de Gizeh, les rives du Nil...
Une technologie au service de l'émotion : grâce à la réalité virtuelle, vivez l'Histoire au plus près, comme si vous y étiez
Une page d'Histoire fascinante : pouvoir, alliances, trahisons... Plongez dans la chute d'un royaume millénaire
Une exposition pour prolonger l'expérience VR : pour aller plus loin et mieux comprendre le destin de Cléopâtre
Une expérience pour tous, dès 8 ans, à vivre en famille, entre amis ou en groupe

Prêt à plonger ? Achetez vos billets dès maintenant pour Cléopâtre : Le destin de l'Égypte à Paris !

Si le nom d’Andy Warhol évoque immédiatement les sérigraphies et les portraits de célébrités, son œuvre dessinée occupe une place essentielle dans sa pratique artistique. L’exposition « Andy Warhol.… Formé à l’illustration, l’artiste n’a jamais cessé de dessiner, y compris après l’adoption des procédés mécaniques qui ont marqué son travail. Le dessin apparaît ainsi comme un lieu d’expérimentation constant, où se construisent les images et se déploie une pensée visuelle singulière. D’un premier Autoportrait_ daté de 1942 aux dessins à l’acrylique pour La Dernière Cène_ en 1986, la production dessinée de Warhol est abondante et variée. Portraits, caricatures, scènes de genre, illustrations publicitaires, portfolios autopromotionnels : le dessin reste son outil de prédilection jusqu’à la fin des années 1950. Il lui permet de s’émanciper progressivement des influences de Klee, Picasso, Cocteau, ainsi que d’artistes américains comme Shahn. Par le dessin, Andrew Warhola devient Andy Warhol.

Après une période dominée par la peinture puis le cinéma entre 1963 et 1973, il revient au dessin avec de nouveaux objectifs liés à sa production picturale, notamment aux portraits de commande, dont celui de Mao constitue un exemple majeur. Le dessin devient alors un espace d’expérimentation : il permet de travailler des choix chromatiques, graphiques et conceptuels, souvent à une échelle proche de celle des peintures.

Le parcours s’articule autour de cinq sections thématiques : débuts comme illustrateur publicitaire, importance de l’écriture manuscrite, fascination pour les visages et les masques, iconographie gay longtemps restée confidentielle et réflexions sur la mort, devenue une obsession après l’attentat de 1968 qui a failli lui coûter la vie.

L’exposition réunit environ 150 dessins, ainsi que des peintures, sérigraphies sur papier, photographies et documents d’archives. Elle met en évidence l’inventivité technique de l’artiste et les procédés qu’il met au point (tampons, lignes transférées, pochoirs, collages), pensés pour la reproduction et la répétition des images. Des dessins et documents, rares ou négligés, permettent d’accéder à la fabrique de l’œuvre et d’entrer au cœur de l’atelier new-yorkais de l’artiste, The Factory_. Autant de pistes qui invitent à reconsidérer l’ensemble de l’œuvre de Warhol à partir de ce dialogue entre geste et reproduction, entre main et machine.

Des années 1940 au début des années 2000, « Le monde selon Penn » retrace dans la Galerie 2 le parcours d’Irving Penn grâce à un ensemble exceptionnel de photographies issues de la Collection Pinault. Dans le cadre de l'exposition « (https://www.pinaultcollection.com/fr/boursedecommerce/remember-me) », la Galerie 2 réunit près de 450 photographies d’Irving Penn issues de la Collection Pinault. Dans une configuration inédite, l’installation « Le monde selon Penn » offre l’occasion rare d’embrasser l’immensité d’une production réalisée entre les années 1940 et le début des années 2000.

Irving Penn (1917-2009), photographe américain majeur du 20e siècle, est reconnu pour avoir profondément renouvelé la photographie de mode et le portrait en imposant une esthétique sobre, directe et intemporelle. Plutôt que d’un parcours chronologique ou strictement thématique, il s’agit ici d’une immersion au cœur de l’univers visuel de l’artiste, où portraits de personnalités, photographies de mode, reportages ethnographiques, études de nus, natures mortes ou encore compositions florales dialoguent librement les uns avec les autres. Ces rapprochements révèlent les constantes de son œuvre : la rigueur de la composition, l’attention aux matières, le goût de l’épure, ainsi qu’une capacité unique à saisir la présence humaine et la beauté des formes les plus simples. Les célèbres Corner Portraits_ côtoient les cigarettes, les fleurs fanées ou encore les silhouettes de mode, formant une vaste mosaïque visuelle qui invite les visiteurs à pénétrer dans l’atelier mental d’Irving Penn. À travers cette installation inédite se dévoilent la cohérence et la modernité d’une œuvre qui n’a eu de cesse de redéfinir les possibilités de la photographie et notre manière de regarder le monde.

Perfectionniste, humaniste et éclectique. C’est ainsi que l’on pourrait qualifier, s’il fallait les résumer, l’œuvre et l’immense carrière photographique d’Irving Penn. Irving Penn est avant tout un photographe de studio. La « zone neutre » qu’il y conçoit méthodiquement à l’aide d’un simple fond de toile ou de papier blanc baigné de lumière naturelle définit un cadre spatial décontextualisant et mettant à la fois en exergue la présence physique de ses multiples sujets. Ce principe de travail d’une grande modestie dans sa mise en œuvre le suivra tout au long de sa carrière.

Constituant un héritage inestimable pour le monde de la photographie, l’œuvre d’Irving Penn est représenté au sein de la Collection Pinault par un fonds important de ses images, déjà rendues visibles en 2014-2015 à l’occasion de l’exposition monographique « Irving Penn, Resonance » au Palazzo Grassi, à Venise.

Commissariat : Matthieu Humery, conseiller en photographie auprès de la Collection Pinault, avec la collaboration de Lola Regard, chargée de projets.

Exposition Du 30 septembre 2026 au 17 janvier 2027, la MEP présente l'exposition Penn & Fashion. Elle rend hommage à Irving Penn, l'un des photographes les plus influents du XXème siècle. Auteur d’une œuvre toujours en avance sur son temps, Irving Penn a profondément marqué l’histoire de la photographie de mode grâce à sa collaboration de plus de soixante ans avec le magazine Vogue. Son esthétique épurée, comme son exceptionnelle maîtrise de la composition, ont influencé des générations de photographes.
Site web :
[https://www.mep-fr.org/event/penn-fashion/](https://www.mep-fr.org/event/penn-fashion/)

Une exposition inédite consacrée à Paul Cezanne (1839-1906) et à son héritage artistique. De Paul Gauguin à Henri Matisse, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Joan Mitchell, Bridget Riley et Peter Doig,… À la fin des années 1880, alors qu’il ne cherche plus à exposer, artistes et collectionneurs découvrent l’œuvre de Cezanne dans la boutique du père Tanguy. Ils y trouvent une radicalité formelle qui les conforte dans leurs recherches d’un art « pur », déjà engagé sur la voie de l’abstraction.

Par la suite, Cezanne accède progressivement à la reconnaissance et la réception de son œuvre devient foisonnante. Des premières expositions monographiques organisées par le marchand d’art Ambroise Vollard aux grandes manifestations muséales et internationales, ainsi que les premières grandes expositions posthumes comme le Salon d’automne en 1907, il s’impose comme une figure majeure de la modernité.

Son œuvre devient un point de référence pour les avant-gardes du 20e siècle, qui interrogent le rapport entre peinture et réalité et trouvent dans l’idée selon laquelle « l’art est une harmonie parallèle à la nature », un outil de réflexion essentiel.

À partir de Cezanne, le triomphe de l’art moderne et celui du formalisme, ou la réduction de la peinture à ses éléments fondamentaux de composition, ne cessent d’être travaillés ou dépassés. Paul Gauguin, Henri Matisse, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Joan Mitchell, Bridget Riley, Peter Doig… De l’abstraction lyrique à l’abstraction géométrique, en passant par la peinture « hard edge », Cezanne demeure une référence constante, parfois revendiquée, parfois réinterprétée, toujours discutée. À l’heure du post-modernisme, son statut de « père de l’art moderne » continue d’être interrogé.

Cezanne et nous_ est la première exposition à raconter simultanément cette double histoire : celle de son influence fondamentale et celle, à contre-courant, des artistes qui se sont revendiqués de lui. L’exposition met en lumière une histoire complexe et plurielle, faite d’appropriations, de filiations et de tensions esthétiques. Elle invite à regarder Cezanne à travers les regards successifs qu’il a suscités, jusqu’à notre regard contemporain.

Exposition coproduite par le GrandPalaisRmn, le Centre Pompidou et l’établissement public du musée d’Orsay et du musée de l’Orangerie - Valéry Giscard d’Estaing_

Sur près de 1 800 kilomètres de littoral et à travers une quarantaine de langues, les Premières Nations du Nord-Ouest américain ont fait de leur art un langage sacré, peuplé d'esprits et de figures… Les Premières Nations du Nord Ouest américain ont développé, sans agriculture ni écriture, des sociétés sédentaires complexes fondées sur l’abondance des ressources naturelles : saumons, poissons chandelles, mammifères marins et vastes forêts de cèdres. Cette richesse a permis un mode de vie élaboré et une pensée originale.

Leur art, profondément lié à leur vision du monde, met en scène êtres prodigieux et animaux esprits tel Corbeau, créateur et ancêtre des clans. Ces figures, garantes d’histoires et de droits ancestraux, ornent mâts héraldiques (totems), maisons, masques, vêtements et objets quotidiens. Leur production suit des règles symboliques et stylistiques précises, faisant de cet art un langage sacré.

Au 18ᵉ siècle, lors des premiers contacts avec les Européens, ces peuples formaient une mosaïque de clans où la filiation se transmettait le plus souvent par les femmes. Droits, savoirs et obligations structuraient un vaste réseau social qui reliait les communautés bien au-delà du cadre de chaque village.

Leur pensée et leurs créations ont profondément marqué anthropologues et artistes, de Boas et Lévi Strauss aux surréalistes comme Max Ernst et André Breton. Aujourd’hui, leurs traditions artistiques et spirituelles demeurent vivantes, témoignant d’un héritage exceptionnel.

À l’occasion du bicentenaire de la photographie, sera mise en lumière une facette peu connue du célèbre photographe et portraitiste Nadar, celle de l’inventeur prolifique qui a documenté Paris «… Dans le cadre de la rénovation récente du site, les Catacombes de Paris proposent désormais un nouveau parcours de visite complété par un programme d’expositions temporaires, mettant en lumière l’histoire singulière de ce site, célèbre dans le monde entier mais encore relativement méconnu des Français et Franciliens.

Présentées chaque automne dans l’espace d’accueil ou dans le parcours souterrain, ces expositions ont pour objectif d’approfondir différentes thématiques, périodes ou événements marquants grâce à des approches artistiques, historiques ou techniques et d’enrichir ainsi l’expérience de visite.

Nouveaux regards

Inscrit dans le cadre du Bicentenaire de la photographie, ce premier accrochage rend hommage au rôle pionnier de Félix Tournachon, dit Nadar (1820-1910). Entre 1858 et 1868,prenant Paris comme terrain privilégié de ses nombreuses expérimentations souterraines comme aériennes, Nadar a en effet profondément bouleversé l’usage de la photographie, en relevant d’immenses défis techniques.

Les photographies qu’il réalise dans les Catacombes, dont une vingtaine ont été acquises par Paris Musées en 20231, en constituent un témoignage exceptionnel. Premières images souterraines réalisées grâce à la lumière électrique, procédé dont Nadar est l’inventeur, elles constituent également les premières images connues du site.

En introduction à la visite du site des Catacombes, l’accrochage présente un ensemble d’une quinzaine de reproductions de ces photographies réalisées par l’artiste dans l’ossuaire en 1862 puis dans les égouts de Paris en 1865, mises en regard avec les premières vues aériennes de Paris immortalisées en 1868 depuis un ballon.

En raison de la grande fragilité des tirages et documents originaux, l’exposition présente uniquement des reproductions. Complétées par des archives (reproductions de brevets, affiches publicitaires, dessins et caricatures), ces images témoignent du rôle majeur de Nadar dans la formation de l’imaginaire de la Ville Lumière.

Les Catacombes révélées

D’abord auteur puis dessinateur et caricaturiste, Nadar est passé à la postérité comme un grand photographe portraitiste. Doté d’un tempérament curieux, il s’intéresse à toutes les avancées scientifiques et techniques de son époque. Il dépose plusieurs brevets et multiplie les expérimentations.

En 1861, Nadar dépose son brevet de photographie à la lumière électrique. Ernest Lamé- Fleury, l’inspecteur des carrières en charge des Catacombes, a alors l’idée de l’inviter à expérimenter son invention dans les profondeurs de Paris. Nadar accepte le défi technique en 1862 et passe trois mois à réaliser des dizaines d’images à vingt mètres sous terre dans des conditions inédites. La période est propice : autour de 1860, d’importants transferts d’ossements ont eu lieu dans l’ossuaire en raison des travaux haussmanniens qui remodèlent Paris. Nadar documente ces travaux en photographiant les nouveaux murs d’ossements édifiés par les carriers.

Il s’agit d’un moment important de l’histoire des Catacombes : celui où l’image fantasmée du site, diffusée par des dessinateurs et des graveurs qui n’y avaient parfois jamais mis les pieds, cède la place au rendu fidèle et incontestable des photographies. Les images présentées révèlent, souvent à la lisière des cadrages, l’équipement complexe (câbles, trépieds, lampes, bouteilles de produits chimiques) et rappellent les défis matériels qu’une telle entreprise implique.

Il reproduit ce dispositif dans les égouts de Paris en 1865, offrant ainsi un regard inédit sur la ville : celui de ses entrailles et de ses infrastructures modernes.

La conquête du ciel

En parallèle, Nadar envisage d’associer photographie et navigation aérienne. C’est en 1858 qu’il dépose sa demande de brevet de « photographie aérostatique…

Mêlant objets patrimoniaux, créations artistiques et archives visuelles et sonores, une immersion dans ce moment pivot qu'est le mariage. Un événement qui se célèbre en grande pompe au Maghreb, où il est l’occasion de faire communauté en se rassemblant autour d’une joie collective.

Une sélection exceptionnelle de costumes et parures

L’exposition s’organise autour d’œuvres patrimoniales et présente une sélection d’une quarantaine de costumes et parures jamais présentée en France, issue de collections marocaines, algériennes et tunisiennes. Ces pièces d’exception datant des XIXe et XXe siècles célèbrent la mariée et les femmes qui l’entourent tout en mettant en lumière les spécificités nationales et régionales, la richesse des héritages et les pratiques partagées notamment entre musulmans et juifs.
Mettant au cœur du propos la mariée mais également le rôle des femmes lors de ces célébrations – de la constitution du trousseau à la confection des pièces ou encore à l’accompagnement de la mariée –, l’exposition cherche également à confronter ces œuvres patrimoniales aux regards d’artistes et ainsi mettre en lumière les persistances ou évolutions sociétales contemporaines.

La parole à 18 artistes contemporain(e)s

Afin de capter l’essence de ces fêtes dans toute leur diversité, l’exposition, en miroir à ces collections rares et exceptionnelles, donne la parole à dix-huit artistes contemporains, principalement des femmes, originaires de Tunisie, d’Algérie, du Maroc et de leurs diasporas, qui posent leur regard, subjectif, sur ce moment important dans la vie sociale et intime, et nous font parcourir les étapes codifiées du mariage et comprendre ce que ces fêtes rituelles disent aujourd’hui des sociétés qui les pratiquent.
Certains artistes célèbrent les traditions, les moments de joie collective que permettent ces fêtes, et questionnent l’héritage de ces traditions et leurs survivances. D’autres mettent en perspective certaines pratiques du mariage avec les sociétés qui les pratiquent et les idéologies qu’elles véhiculent.
L'exposition s'accompagne d’une programmation culturelle et de médiation foisonnante, inaugurée le 4 juillet 2026 par une grande parade placée sous la direction artistique de Mohamed Bourouissa.

Pop Art Car 2.0 - Du 24 septembre 2026 au 31 janvier 2027. Après une première édition remarquée, Renault présente Pop Art Car 2.0, une exposition inédite au croisement de l’art contemporain, du design automobile et des nouvelles technologies. Jusqu’au 31 janvier 2027, le défilé Renault® transforme les Champs-Élysées en galerie à ciel ouvert et dévoile une sélection d’œuvres historiques, de créations numériques et de voitures pensées comme de véritables œuvres d’art.

Quand le Pop Art rencontre le numérique. Le parcours met à l’honneur deux artistes français, Sébastien Preschoux et Popay, invités à repousser les limites de leur pratique grâce à des algorithmes conçus spécialement à partir de leurs univers artistiques. Leurs œuvres inédites, pensées pour être en mouvement, prennent vie sur les grands écrans du défilé renault® et offrent une nouvelle lecture de la culture pop contemporaine, nourrie par les images numériques, l’intelligence artificielle et les tendances diffusées par les réseaux.

Pop Art Car 2.0 fait également dialoguer art et design automobile avec la Renault 8 Gordini Concept, dévoilée en avant-première mondiale, qui réinterprète la mythique « Gorde » dans une version contemporaine inspirée de la tendance café racer. Ses lignes épurées, ses clins d’œil au modèle original de 1964 et sa célèbre double bande blanche revisitée rendent hommage à l’héritage sportif de Renault tout en projetant cette icône dans le futur.

Renseignements :

Le défilé renault®, 53 Champs-Élysées, 75008 Paris

Réservation gratuite sur le site du défilé renault®.

Dates et horaires

Du jeudi 24 septembre 2026 au dimanche 31 janvier 2027 - de 10h00 à 22h00

Deux regards, une décennie d'écart : les tout premiers clichés de la Polynésie française ressurgissent, signés d'un chirurgien de marine méconnu et d'un photographe déjà reconnu. Une redécouverte… En 2023, le musée a acquis un ensemble exceptionnel de photographies, premières images réalisées en Polynésie françaises entre 1859 et 1870. Elles sont l’œuvre de deux officiers de marine, Gustave Viaud et Paul Émile Miot, dont les approches complémentaires offrent un témoignage rare sur un territoire encore très peu photographié à l’époque.

Les négatifs sur papier de Gustave Viaud, produits entre 1859 et 1862, constituent un corpus inédit, longtemps conservé dans la famille Loti Viaud puis par un collectionneur privé. Frère aîné de Pierre Loti, Viaud joue un rôle majeur dans la naissance du goût de l’écrivain pour l’ailleurs, mais il est aussi un pionnier discret de la photographie. Installé à Tahiti comme chirurgien de marine, il expérimente rapidement ce nouveau médium. Ses images, entre paysages maîtrisés, scènes topographiques familières et effets subtils du vent sur la végétation, révèlent un véritable sens de la composition. Il réalise également en 1859 un portrait remarquable de Teriimaevarua II, reine de Bora Bora.

Dix ans plus tard, Paul Émile Miot, officier déjà reconnu comme photographe accompli, séjourne à Tahiti et aux Marquises. Utilisant le négatif sur verre au collodion, il capture côtes, paysages et visages de la société polynésienne, notamment la famille royale. Son regard précis, presque moderne, confère à ses compositions une force singulière.

Réunies, ces deux séries composent un matériau visuel saisissant, antérieur au développement massif de la photographie dans ces archipels. L’exposition propose de mettre en avant la beauté graphique des négatifs, tout en présentant agrandissements, positifs et tirages anciens. Les images de Viaud restées presque totalement inédites, et celles de Miot, jamais montrées dans une exposition dédiée jusqu'ici, dialoguent pour la première fois dans un même parcours.

Immersif, évolutif, ludique et informatif, l’e-LAB explore le jeu vidéo sous toutes ses facettes : ses technologies, ses métiers, son impact sur la société. L'e-LAB permet de s'immerger dans cet univers, de l'analyser, d'en débattre, et bien sûr de jouer !
L’espace expose un large panorama de la création vidéoludique. Plus d’une vingtaine de jeux sont présentés : jeux rétro, atypiques, blockbusters du moment ; sur tablette ou sur écran géant...
Sur des équipements dernière génération, les joueurs peuvent en apprendre davantage sur leur propre façon de jouer grâce à des capteurs de données physiologiques. Des dispositifs de jeu exclusifs qui apportent une expérience inédite, dite « augmentée » et offrent au joueur la possibilité de profiter d’une immersion de jeu inaccessible chez lui.

Pendant près d’un siècle, de 1873 à 1972, le cirque fait battre le coeur de MontmartreÀ quelques pas des ateliers du Bateau-Lavoir, le Cirque Fernando, devenu par la suite le Cirque Medrano,…

Les images du changement climatique inscrites dans l'œil collectif illustrent le plus souvent des phénomènes extrêmes touchant des lieux emblématiques du globe. Peu d’entre eux sont des sites les du … Les images du changement climatique inscrites dans l'œil collectif illustrent le plus souvent des phénomènes extrêmes touchant des lieux emblématiques du globe. Peu d’entre eux sont des sites français. Pourtant, les effets du changement climatique sont visibles et mesurables au plus près de nous.
Météo-France organise depuis 2021, en partenariat avec le magazine Géo, un grand concours photo sur le changement climatique en France. Les meilleurs clichés, sélectionnées par un jury composé de membre de la rédaction de Géo et de climatologue de Météo-France, font l’objet d’une exposition pédagogique itinérante.
A partir de septembre 2026, les territoires ultramarins de Guadeloupe, Martinique, Guyane, La Réunion et Mayotte sont à l'honneur. Venez découvrir cette sélection des photographies les plus marquantes prises en outre-mer, issues des cinq premières éditions du concours.

Chaque mois un temps de rencontre et de partage ouvert à tous ! Dimanches de Jérusalem 2026-2027
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Une fois par mois, autour de la messe dominicale, nous proposons à tous et à toutes un temps de rencontre fraternelle.

Propositions à la carte :

Un repas pique-nique nous permettra de nous connaître mieux et decouvrir ceux avec qui nous partagons la liturgie eucharistique du dimanche pour mieux faire Eglise ensemble.
Un temps de lecture commune de la Bible est proposé avant ou après la messe et, un dimanche sur deux l'après-midi, un enseignement, un pélérinage ou un atelier pour animer et construire notre vie chrétienne.

Venez nombreux !

Programme :

13/09/2026

9h00 : Accueil et Lectio
11h00 : Eucharistie et agape fraternelle (repas en commun)
14h30 : Pèlerinage dans Paris

11/10/2026

11h00 : Eucharistie et agape fraternelle (repas en commun)
14h30 : Lectio

15/11/2026

9h00 : Accueil et Lectio
11h00 : Eucharistie et agape fraternelle (repas en commun)
14h30 : Conférence d’Isabelle Raviolo sur le thème "La figure de Marie-Madeleine, apôtre des apôtres"

13/12/2026

10/01/2027

9h00 : Accueil et Lectio
11h00 : Eucharistie et agape fraternelle (repas en commun)
14h30 : Conférence d’Isabelle Raviolo, philosophe et théologienne, sur le thème "La Passion chez soeur Thérèse-Bénédicte de la Croix"

28/02/2027

21/03/2027

25/04/2027

16/05/2027

9h00 : Accueil et Lectio
11h00 : Eucharistie et agape fraternelle (repas en commun)
14h30 : Conférence d’Isabelle Raviolo, philosophe et théologienne, sur le thème "Les mystères douloureux du Christ dans les fresques de Fra Angelico

13/06/2027

04/07/2027

Ils nous tiennent compagnie depuis des millénaires, on en compte près de 23 millions dans les foyers français, ils nous mènent parfois par le bout de la truffe… Chiens et chats mettent la patte sur… Durant les vingt dernières années, l’éthologie ‒ science du comportement animal ‒ a accompli d’immenses progrès, bouleversant nombre d’idées reçues sur le chien, Canis familiaris_, et le chat, Felis catus_. Leurs capacités, leur sensibilité et leur intelligence sont chaque jour démontrées. Participative et ludique, l'exposition apporte un éclairage complet sur nos connaissances canines et félines actuelles. Immiscez-vous dans la peau et dans la tête de vos animaux de compagnie préférés, avant d'explorer la manière dont ils ont investi nos sociétés.

Expo-événement, Chiens et chats_ fait son grand retour, largement enrichie, à la Cité après une première présentation en 2015 et un tour du monde. Contenus mis à jour, éléments revus, nouvelles manips et scénographie : l’exposition a bénéficié d'un toilettage au poil pour vous offrir une expérience de visite inédite !

Du lundi 2 novembre 2026 au dimanche 9 janvier 2028 Tous les jours de 9h30 à 19h30 À l’occasion de la parution de ses deux nouveaux livres, Vanecha Roudbaraki vous invite à une rencontre exceptionnelle entre peinture et littérature.

Exposition « Iranica » de Vanecha Roudbaraki. Vanecha Roudbaraki expose « Iranica »

Acrylique sur toile, 180cm X 450cm, 2026

Cette œuvre est réalisée entre mars et avril 2026, en lien avec le mouvement du Soleil et du Lion, symbole du peuple iranien massacré en janvier 2026 par le régime théocratique.

Ce tableau présente les héros de ce mouvement, ainsi que ceux des mouvements précédents, notamment Femme, Vie, Liberté.

Ils sont représentés aux côtés du phénix, oiseau mythique et immortel, qui renaît de ses cendres et dont les larmes guérissent les blessures les plus profondes.

La technique utilisée s’apparente à une fresque, afin de représenter les manifestations dans les rues et de restituer leur énergie collective.

Fiap Jean Monnet, en soutien au peuple iranien, vous offre cette exposition émouvante.

Le Palais des enfants invite, pour sa première exposition, la transparence ! Un parcours ludique et sensoriel à vivre en famille, où œuvres artistiques et expériences scientifiques jouent avec la… Dans un univers imaginaire, conçu pour éveiller la curiosité et s’amuser, petits et grands cheminent en toute liberté d’un palais des glaces miroitant à une grotte aux trésors cristallins, s’aventurant tantôt dans une forêt mystérieuse, tantôt vers un ciel radieux ou les profondeurs d’un océan multicolore.

Les arts de la sculpture, de l’estampe ou de la photographie dialoguent avec les sciences, via des dispositifs interactifs et sensoriels. Entre créations du XIXe siècle et œuvres contemporaines, œuvres immersives comme celles de Dan Graham et Soo Sunny Park, idéales à découvrir en groupe, et créations plus introspectives comme celles de Patrick Neu et Agathe May, l’exposition propose une exploration originale qui renouvelle notre perception de la transparence et de la lumière.

Enfants et accompagnants expérimentent les multiples nuances de la transparence, échangent leurs observations de la translucidité à l’obscurité, et s’émerveillent des richesses de la nature autant que celles des savoir-faire tout au long d’un parcours ponctué d’espaces ludiques et de contemplation.

L’exposition se prolonge à travers un cahier d’activités, un podcast autour de la transparence… Et bientôt, des rendez-vous de médiation avec une série d'évènements pour aller encore plus loin !

Peintre majeur de l'École de Paris aujourd'hui largement méconnu, le tchèque Georges Kars retrouve toute sa place au mahJ dans cette première grande rétrospective depuis plus de quarante ans. Georges Kars (Prague, 1880 – Genève, 1945) appartient à cette génération d'artistes venus d'Europe centrale qui firent de Paris l'un des principaux foyers de la modernité artistique. Formé à Munich avant de s'installer définitivement en France en 1919, il développe une œuvre originale où l'héritage de l'expressionnisme et du cubisme laisse progressivement place à une figuration profondément personnelle, fondée sur la robustesse des constructions et la plénitude des formes.

Entouré de Guillaume Apollinaire, Max Jacob, Berthe Weill, Paul Poiret, Jules Pascin, Juan Gris, Suzanne Valadon ou Chana Orloff, il participe pleinement à la vie artistique de l'entre-deux-guerres. Pourtant, son œuvre tombe peu à peu dans l'oubli après son suicide à Genève en 1945.

Réunissant des prêts exceptionnels des plus grandes institutions tchèques, cette exposition retrace son parcours, met en lumière les liens entre les scènes artistiques de Prague et de Paris et redonne à Georges Kars la place qu'il occupe dans l'histoire de l'art du XXe siècle.

jusqu'au printemps 2027 Jusqu'au printemps 2027, l'église Saint-Eustache accueille "Lumière divine", une installation monumentale de l'artiste chinoise Jiang Qiong Er, sur la façade Ouest et à l'intérieur (chapelle Sainte-Geneviève).
Des saints liés à l'histoire de Saint-Eustache et à l'histoire de Paris sont évoqués à travers des symboles : saint Eustache (la croix, les bois de cerf, la forêt), sainte Agnès (la palme du martyre, l'agneau), saint Louis (la couronne d'épines, la balance, les livres) et à l'intérieur de l'église, sainte Geneviève (la Seine, le Panthéon, une flamme éternelle).

Exposition Violence silencieuse. Invitation à Roméo Mivekannin Exposition Violence silencieuse. Invitation à Roméo Mivekannin
Du 10 novembre 2026 au 4 avril 2027

Né à Bouaké (Côte d’Ivoire) en 1986, Roméo Mivekannin, artiste béninois, développe une œuvre qui interroge de manière critique l’histoire coloniale et les dispositifs de représentation des corps noirs en Europe. Vivant et travaillant aujourd’hui à Toulouse, il y a été exposé pour la première fois au FRAC Occitanie – Les Abattoirs à la fin des années 2010. Son travail, principalement pictural, associe peinture acrylique et élixir de boue brune appliqués sur drap de coton français. À partir de peintures et de photographies produites par les Européens, l’artiste revisite les modèles noirs et s’intègre régulièrement lui-même dans les scènes représentées par le biais de l’autoportrait.
L’exposition propose au public une traversée critique des exhibitions ethnographiques des XIXᵉ et XXᵉ siècles, appelées aussi aujourd’hui « zoos humains », durant lesquelles objets et personnes non européennes furent déplacés et privés de leur statut pour devenir des curiosités soumises au regard occidental. En prenant pour point d’ancrage Paris et ses lieux emblématiques, Roméo Mivekannin interroge à la fois l’héritage colonial des institutions muséales et la violence silencieuse contenue dans les images de ces mises en scène humaines.
Pour cette exposition, l’artiste conçoit un ensemble inédit composé de quatre sculptures en métal, quatorze peintures de grand format et une œuvre céramique. Les sculptures, réalisées par des forgerons ivoiriens à Abidjan à partir des instructions de l’artiste, prennent la forme de volières fermées, sans ouverture. Elles reproduisent, à l’échelle réduite, les bâtiments fondateurs du musée du quai Branly – Jacques Chirac et de ses institutions précédentes. Ce dispositif évoque l’enfermement symbolique et matériel inhérent à certaines pratiques muséales, invitant le visiteur à porter un regard critique sur l’histoire des lieux d’exposition eux-mêmes.
La séquence centrale du parcours est constituée de quatorze toiles associées à des photographies et plaques de verres originales issues des collections du musée du quai Branly – Jacques Chirac. Par l’autoportrait, l’artiste s’insère dans les scènes d’exhibitions ethnographiques du Champ-de-Mars, du Jardin d’Acclimatation ou des Folies Bergère.
Le dispositif scénographique engagera directement le public : les images originales ne se dévoilent qu’à la demande, dans un jeu de reflets où le visiteur se voit en train de regarder, devenant à son tour acteur du dispositif de vision et de mise en question.

Le Palais de la découverte et le Grand Palais Rmn s'associent pour vous présenter le Palais des enfants un nouvel espace conçu pour les enfants de 2 à 10 ans accompagnés, en famille ou en groupe. Entre scénographie immersive, manipulations, dispositifs scientifiques et œuvres d’art, cette offre inédite développe le regard des plus jeunes sur le monde, en fai sant appel à la curiosité comme à la sensibilité et en aigui sant l’esprit scientifique ainsi que l’émotion esthétique.
Le jeune public y trouve de quoi s’amuser, déployer son imaginaire et s’inspirer pour inventer l’avenir.
Les expositions du Palais des enfants valorisent la posture du curieux, qui est le dénominateur commun entre les artistes, les scientifiques et les enfants. Elles ont à cœur d’offrir aux plus jeunes une expérience nouvelle mêlant culture artistique et culture scientifique, faisant tomber les barrières entre arts et sciences.
Des médiations scientifiques et artistiques sont réguliè rement proposées par les équipes du Palais de la décou verte et de GrandPalaisRmn.

Des écosystèmes surprenants à observer en se promenant dans la serre et en imaginant comment s'en inspirer pour innover durablement. Simplement fascinant ! Le monde vivant est une immense source d'enseignements. Les organismes qui le composent ont développé des savoir-faire pour se protéger, s'adapter à leur environnement, résister aux changements. Face aux défis environnementaux du XXIe siècle, le vivant est une source d'inspiration essentielle. Nouvelle exposition permanente présentée dans la serre de la Cité des sciences et de l'industrie, Bio-inspirée, une autre approche en témoigne. Immergé dans trois écosystèmes différents, le parcours invite à la découverte du biomimétisme, une démarche scientifique respectueuse du vivant et qui s'en inspire pour imaginer un monde plus durable et harmonieux.

Qu'avons-nous dans la tête ? De quoi est fait notre cerveau ? Comment fonctionne-t-il ? Des expériences inédites pour comprendre le fonctionnement du cerveau et... Mieux se connaître soi-même. Servie par une scénographie inspirée du mouvement surréaliste, C3RV34U, nous invite à tester nos capacités cérébrales et à découvrir les mécanismes que ce formidable organe met en jeu au quotidien. Notre cerveau est en constante activité. Nous sommes faits pour apprendre depuis le plus jeune âge. Lire, écrire, compter ou même parler forment un socle de compétences moteur de tous les apprentissages futurs. Après s'être livrés à de multiples expériences étonnantes et amusantes illustrant les mécanismes du cerveau et du système nerveux sans lesquels il nous serait impossible d'apprendre, de voir, ou encore, de prendre des décisions, place à la détente devant un spectacle audiovisuel grand format qui souligne le rôle fondamental de l'environnement social dans le développement du cerveau. Exposition conçue par la Cité des sciences et de l'industrie avec l'expertise de Stanislas Dehaene, membre de l'Académie des sciences et professeur au Collège de France.